Da história da moda na Rússia czarista. Moda feminina do início do século XX. Moda infantil

A silhueta artificial, tão característica do século XIX (era formada por roupa interior estrutural), deu lugar às novas formas do século XX, que acompanhavam as curvas do corpo feminino, tentando realçar a sua singularidade.
Marcel Proust, nas suas “Memórias de um Tempo Perdido”, observou corretamente que foi no início do século XX que a estrutura do vestuário feminino mudou completamente.
Até a Primeira Guerra Mundial, as mulheres permaneciam misteriosas e a nudez feminina não estava na moda.

Na segunda etapa, que durou um pouco mais, de 1901 a 1905, os ombros passaram a ter largura normal, a parte alargada da manga deslocou-se para baixo e formou baforadas ao dobrar os braços.

Uma das inovações características desse período foi o surgimento da silhueta em formato de S, que se destaca por valorizar a cintura ao formar um busto volumoso e saliente e uma parte traseira fofa do vestido,ao mesmo tempo, a protuberância do abdômen foi destruídaAs empresas de lingerie oferecem às mulheres diversas opções de espartilhos para ajudá-las a conseguir um visual elegante e elegante. cintura fina, como mandava a moda (em casos extremos chegando até 37 cm!)

Mudanças na forma e no tamanho dos espartilhos femininos ao longo de 16 anos, final do século XIX - início do século XX.

Os vestidos da casa tinham traços do Império e pregas à la Watteau.

Jeanne Paquin criou uma coleção em 1905 que apresentava vestidos de cintura alta, o que representava um sério afastamento da tradição.

Em 1906, apareceu sua coleção de estilo japonês.

A terceira etapa, mais curta, durou de 1905 a 1907.mangas no mesmo formato de 1900, com ombros largos e bufantes; posteriormente começaram a assumir as formas mais fantásticas. A cintura ainda estava o mais apertada possível, a protuberância dos quadris tornou-se mais moderada.

A saia foi encurtada para revelar a ponta da bota, e a bainha da saia ficou menos embelezada. Além disso, a silhueta voltou gradativamente à posição vertical.

Em 1906, durante a era eduardiana, a moda absorveu os gostos da aristocracia inglesa daquela época, adquirindo uma silhueta mais reta e neoclássica.

Respeitava mais a Art Nouveau francesa e seu esquema de cores listrado em preto e branco enfatizava o alongamento e a geometria.

O primeiro estilista que não era apenas costureiro foi (Charles Frederick Worth) (1826-1895). Antes de o ex-Draper criar sua Casa da Moda "Maison of Fashion" em Paris, a criação de moda e inspiração era feita em grande parte por pessoas desconhecidas, e a alta costura evoluiu a partir do estilo usado nas cortes reais. O sucesso do preço foi tal que ele conseguiu ditar aos seus clientes o que deveriam vestir, em vez de seguir o seu exemplo, como faziam anteriormente os alfaiates.

Foi nesse período que muitas casas de design começaram a contratar artistas para desenhar ou escrever designs de roupas. Somente imagens podem ser apresentadas aos clientes de forma muito mais barata do que produzir uma amostra real de peça de roupa em uma oficina. Se o cliente gostasse do desenho, ele encomendava e as roupas resultantes davam dinheiro para a casa. Assim, a tradição dos designers de roupas esboçarem designs em vez de apresentar peças de vestuário acabadas nos modelos dos clientes deu início à economia.

Início do século 20

Durante o início do século 20, praticamente toda a alta moda teve origem em Paris e, em menor grau, em Londres. Revistas de moda de outros países enviadas às editoras mostram a moda parisiense. As lojas de departamentos enviaram compradores ao desfile de Paris, onde compraram roupas para copiar (e roubaram abertamente o estilo das linhas e detalhes de acabamento dos outros). Tanto os showrooms personalizados como os departamentos de pronto-a-vestir apresentam as últimas tendências de Paris, adaptadas às suposições das lojas sobre a vida e o bolso dos seus clientes-alvo.

wawa Por volta do início do século XX, as revistas de estilo de moda começaram a incluir fotografias e tornaram-se ainda mais influentes do que no passado. Em cidades de todo o mundo, estas revistas eram muito procuradas e tinham uma enorme influência no gosto do público. Ilustradores talentosos - entre eles Paul Iribe, Georges Lepape, Erte e George Barbier - desenharam ilustrações de moda requintadas para essas publicações, que cobrem os mais recentes desenvolvimentos nos mundos da moda e da beleza. Talvez a mais famosa destas revistas tenha sido La Gazette Du Bon Ton, fundada em 1912 por Lucien Vogel e publicada regularmente até 1925 (exceto durante os anos de guerra).

1900

Os looks usados ​​​​pelos fashionistas da Belle Époque (época em que o estilo francês era chamado) eram muito semelhantes aos usados ​​​​pelo pioneiro da moda Charles Worth durante o apogeu da moda. No final do século XIX, os horizontes da indústria da moda tinham-se expandido em geral, em parte devido aos estilos de vida mais móveis e independentes que muitas mulheres ricas começaram a adotar e às roupas práticas que exigiam. No entanto, a moda La Belle Epoque ainda manteve o estilo sofisticado, suave e em forma de ampulheta do século XIX. Uma senhora que ainda não está na moda vai (ou pode) vestir-se ou despir-se sozinha, sem ajuda de terceiros. A necessidade constante de mudanças radicais, que agora são necessárias para que a moda sobreviva dentro do sistema existente, era literalmente impensável.

O desperdício e o consumo conspícuos definiram a moda da década e as roupas dos costureiros da época eram incrivelmente extravagantes, complexas, ornamentadas e feitas com cuidado. A silhueta curvilínea S-Bend dominou a moda até cerca de 1908. O espartilho S-Bend era de renda muito justa na cintura e, portanto, forçava os quadris para trás e os seios mono abaixados empurrados para a frente na ação do homem pombo descontente criando a forma S. No final da década, a silhueta da moda tornou-se gradualmente um tanto mais reta e mais magra, o que se explica em parte pela cintura alta de Paul Poiret, na saia curta da linha de roupas Directory.

A Maison Redfern foi a primeira grife a oferecer às mulheres um terno baseado diretamente no seu homólogo masculino, e as roupas extremamente práticas e elegantes logo se tornaram uma parte essencial do guarda-roupa de qualquer mulher bem vestida. Outra parte essencial do traje de uma mulher bem vestida era um chapéu de grife. Os chapéus da moda da época eram pequenos enfeites que ficavam no topo da cabeça ou abas grandes e largas, enfeitadas com fitas, flores e até penas. Os guarda-chuvas ainda são usados ​​​​como acessórios decorativos e no verão são pingados de renda e acrescentam uma beleza sofisticada em geral.

1910

Nos primeiros anos da década de 1910, a silhueta da moda tornou-se muito mais flexível, fluida e suave do que na década de 1900. Quando os Ballets Russes apresentaram Scheherazade em Paris em 1910, a mania do Orientalismo se seguiu. O costureiro Paul Poiret foi um dos primeiros designers a traduzir esta moda para o mundo da moda. Os clientes de Poiret transformaram-se imediatamente num harém de raparigas com pantalonas esvoaçantes, turbantes e cores vivas e gueixas em quimonos exóticos. Paul Poiret também desenhou o primeiro traje que as mulheres podiam usar sem a ajuda de uma empregada doméstica. O movimento Art Déco começou a surgir nesta época e sua influência ficou evidente nos designs de muitos costureiros da época. Simplesmente chapéus de feltro, turbantes e nuvens de tule substituíram os estilos de toucados populares no século XX. De referir ainda que os primeiros verdadeiros desfiles foram organizados neste período, pela primeira costureira, Jeanne Paquin, que foi também a primeira costureira parisiense a abrir sucursais no estrangeiro em Londres, Buenos Aires e Madrid.

Dois dos modos mais influentes de luz refletida. Seus estimados clientes nunca perderam o gosto por suas linhas fluidas e materiais frágeis e transparentes. Embora obedecendo a imperativos que deixavam pouco à imaginação do costureiro, Doucet foi, no entanto, um designer de enorme gosto e discriminação, um papel que muitos tentaram, mas raramente com o nível de sucesso de Doucet.

O Madrazo do designer veneziano Mariano Fortuny tinha uma figura curiosa, com poucos paralelos em qualquer idade. Para o desenho de seu vestido, ele concebeu um processo especial de pregas e novos métodos de tingimento. Ele deu o nome de Delphos aos seus vestidos longos e justos, com cores onduladas. Cada peça era confeccionada com uma única peça da mais fina seda, cuja cor única era adquirida pela repetida imersão em tintas cujos tons indicavam o luar ou o reflexo aquoso de uma lagoa veneziana. Palha bretã, cochonilha mexicana e índigo com Extremo Oriente foram alguns dos ingredientes utilizados pela Fortuna. Entre seus muitos devotos estavam Eleanor Duse, Isadora Duncan, Cleo de Merode, Marquesa Casati, Emilienne d'Alencon e Lian de Pougy.

Vida nova

soviético moda foi formada e marchou ao longo de sua própria rota especial. Foi criado por profissionais talentosos que sobreviveram aos anos de devastação e terror sangrento, e corrigido e dirigido por funcionários do partido e da segurança do Estado. foi composta pela habilidade dos alfaiates do século passado e pelas ideias inovadoras dos artistas do jovem país dos soviéticos, desde modelos de roupas criados por especialistas formados em universidades soviéticas, desde roupas em massa produzidas por inúmeras fábricas de roupas, desde soviéticos revistas de moda, de revistas de moda fraternas que entram legalmente no país repúblicas socialistas e publicações ocidentais burguesas que chegaram à URSS por trás da “Cortina de Ferro”, das histórias de pessoas que visitaram o exterior, das artesãs nacionais que copiaram as roupas que trouxeram “de lá”, da imitação de imagens do cinema soviético e estrangeiro .

A Revolução Socialista de Outubro, que aboliu as classes da nobreza e da burguesia e estabeleceu uma nova composição social da sociedade, influenciou inevitavelmente a formação da moda no país soviético, onde não havia mais espaço para banheiros luxuosos. Os trabalhadores do jovem país dos soviéticos tiveram que parecer como convém ao construtor de uma nova sociedade, embora ninguém soubesse exatamente como, e todos os que estavam destinados a sobreviver à Revolução de Outubro simplesmente tiveram que se adaptar às duras características dos militares e trabalho civil e a vida dos primeiros anos pós-revolucionários.

Homens e mulheres vestindo jaquetas de comissário de couro, bonés de couro e túnicas de soldado, amarradas com cintos de couro, apareciam nas ruas da cidade. Camisas de cetim usadas com jaquetas urbanas tornaram-se as roupas masculinas mais populares. Mulheres vestiam vestidos de lona, ​​saias retas de pano de soldado, blusas de chita e jaquetas de tecido. As túnicas masculinas, que migraram para o guarda-roupa feminino, enfatizavam a igualdade de direitos entre as mulheres soviéticas e os homens soviéticos.

Um sinal do novo tempo pós-revolucionário foi o lenço vermelho - símbolo da libertação da mulher, agora era puxado sobre a testa e amarrado na nuca, e não sob o queixo, como era tradicionalmente feito antes. Os calçados, masculinos e femininos, eram compostos por botas, sapatos, chinelos de lona e botas de borracha.

Os membros do Komsomol vestiam “Jungsturm” - roupas paramilitares emprestadas da organização comunista juvenil alemã “Red Jungsturm”, que era uma túnica ou jaqueta de vários tons de verde, com gola virada para baixo e bolsos de remendo, usada com cinto e espada cinto e um boné na cabeça. As meninas usavam botas de assalto jovens com saia reta cor escura. Com base no Young Storm, foi desenvolvido um uniforme para os membros do Komsomol. Como escreveu o jornal Krasnaya Zvezda: “O Comitê Central do Komsomol recomenda que as organizações locais introduzam uma forma unificada de Komsomol por meio da voluntariedade. O uniforme do Komsomol de Moscou deve ser tomado como modelo - cáqui (verde escuro). O Comité Central considera desejável introduzir este formulário em todas as organizações da cidade até ao 14º Dia Internacional da Juventude.”

As coisas eram feitas de lona, ​​linho grosso, chita, tecido de soldado, flanela, algodão, lã grossa. A partir de 1921-1922, quando foi anunciada a transição para a Nova Política Econômica (NEP) no país e teve início o processo de restauração dos empreendimentos têxteis e de confecções, surgiram os primeiros tecidos com estampas estampadas, principalmente algodão - chita, cetim, flanela.

Um dos primeiros trajes produzidos em massa foi o uniforme do Exército Vermelho. Em 1918, foi criada uma comissão especial para desenvolver o uniforme do Exército Vermelho e foi anunciado um concurso para os melhores exemplares de vestimentas militares, do qual participaram artistas como Viktor Vasnetsov e Boris Kustodiev. O traje histórico russo foi tomado como base para o uniforme do Exército Vermelho. Um ano depois, um capacete, um sobretudo, uma camisa e sapatilhas de couro foram aprovados como novo uniforme. O acabamento da casa de botão, característico dos antigos uniformes militares, era adjacente a punhos vermelhos, golas e uma estrela no capacete, que repetia a antiga forma russa de sholom com aventail, enfatizando assim o heroísmo e o romance da imagem. O novo capacete do Exército Vermelho, que logo foi apelidado de capacete Budenovka, existiu até o início da Grande Guerra Patriótica.

O terrível e sangrento colapso do velho mundo e a dolorosa construção do novo, ao que parece, deveriam ter condenado um fenômeno como moda. Por que e quem precisa disso no país soviético? Mas contra todas as probabilidades 20 anos O século XX tornou-se um dos períodos mais interessantes da história da moda nacional.

Na Rússia czarista do final do século XIX, Moscou, São Petersburgo, Kiev, Nizhny Novgorod e Kazan ocupavam o primeiro lugar na produção de vestidos prontos. As roupas eram produzidas principalmente por artesãos em pequenas oficinas. Havia poucas grandes empresas de costura. Atendiam principalmente ordens governamentais, produzindo uniformes, equipamentos e roupas íntimas para unidades militares e de engenharia. Mas, além disso, muitos fabricantes de produtos de vestuário estatais eram proprietários de conhecidas lojas de roupas prontas, sapatos e armarinhos.
As maiores instalações de produção de roupas na Rússia foram: parceria "Mandl e Reitz", que, além da fábrica, possuía uma casa de comércio de vestidos prontos em Tverskaya (após a nacionalização da empresa - fábrica nº 31 do Mosshvey trust, então Fábrica Técnica Experimental em homenagem a K. Zetkin, e em 1930 “TsNIISHP” - Instituto Central de Pesquisa da Indústria do Vestuário, existente até hoje); "Casa comercial K. Thiel and Co", que reunia uma fábrica de couro e verniz, selaria militar, munições e uniformes, fábricas de feltro, luvas, meias, que passou após a falência em 1912 para a sociedade anônima de Moscou "Fornecedor" (nacionalizada em 1918 e renomeada como "Fornecedor Vermelho", então que se tornou a Fábrica de Feltro Técnico de Moscou e a Associação de Fulling e Feltro de Moscou (agora ZAO Horizont); "Parceria de fábricas de Timofey Katsepov e filhos"- uma empresa industrial com um sólido giro de caixa, desde 1930 foi transformada na Fábrica de Feltro Voskresensk em homenagem a 9 de janeiro (moderna JSC "Fetr").
Grandes empresas de roupas prontas e linhos foram: casa comercial "M. e eu.Mandl", casa comercial "Irmãos N. e F. Petukhov" em Ilyinka; a lendária parceria comercial e industrial "Mur e Meriliz", possuía uma das lojas de departamentos mais famosas de Moscou em Petrovka, vendendo roupas, sapatos, joias, perfumes, utensílios domésticos (nacionalizada em 1918, desde 1922 Loja de Departamentos Central TSUM); A passagem Petrovsky, localizada entre as ruas Petrovka e Neglinnaya, pertencia a Vera Ivanovna Firsanova, a sucessora do famoso Moscoudinastia mercantil dos Firsanovs. A passagem reuniu sob seus arcos mais de cinquenta pavilhões comerciais diferentes, incluindo lojas de casas comerciais famosas: “Markushevich e Grigoriev. Tecidos de seda e lã", "Vikula Morozov, Konshin e filhos", "Veselkov e Tashin - materiais da moda para vestidos femininos", "Louis Kreutzer" - cuecas e gravatas", "Matilda Barish - espartilhos e guarda-chuvas" Os grandes centros de comércio eram a arcada Popov em Kuznetsky Most, a arcada Postnikov na rua Tverskaya, a arcada Lubyansky em Lubyanka, a loja de artigos de seda dos irmãos Sapozhnikov em Ilyinka, as casas comerciais de Ludwig Knop, K. Malyutin e seus filhos e muitos outros. Uma das empresas de fabricação de lingerie de maior sucesso havia uma empresa "Irmãos Alschwang", e uma casa comercial na rua Nikolskaya “Kandyrin and Co”, que possuía uma fábrica de linho. Lojas de roupas masculinas famosas na Moscou pré-revolucionária - "Aye" em Tverskaya, "Brothers Alekseev" em Rozhdestvenka, "Brothers Chistyakov" na Praça Lubyanskaya, "Dellos" em Sretenka, "Georges" em Tverskaya, "Duchar", "Smith e Filhos" na Kuznetsky Most. Roupas femininas da moda foram produzidas e vendidas pela "City of Lyon" em Lubyanka, "Louis Kreutzer" e "Madame Josephine" em Petrovka, etc.
Muitos fabricantes de tecidos russos eram famosos não apenas em seu próprio país, mas também ganharam popularidade mundial. A produção particularmente bem-sucedida foi a manufatura Trekhgornaya, fundada pelo comerciante Vasily Prokhorov, daí seu outro nome - Prokhorovskaya (após a revolução foi nacionalizada, em 1936 recebeu o nome de F. E. Dzerzhinsky); Fábricas Ivanovo-Voznesensk dos Grachevs, Garelins, Ivan Yamanovsky, Diodor Burylin e outros.A famosa fábrica de impressão de chita “Emil Tsindel em Moscou” funcionou até 1915. Nos tempos soviéticos, esta empresa começou a ser chamada de “Primeira Fábrica de Impressão de Calico”. As maiores empresas têxteis foram as fábricas Morozov. A maior empresa Morozov é a fábrica Nikolskaya em Orekhovo-Zuevo. Fabricantes bem conhecidos da época - as fábricas de Albert Gübner, Mikhail Titov, a fábrica Thornton em São Petersburgo, Krushe e Ender, Mikhailov e Son, P. Malyutin and Sons, etc. empresas em Moscou na época escritório do Barão Ludwig I. Knop. A sua principal atividade como representante da empresa inglesa De Jersey foi o fornecimento de modernos equipamentos têxteis da Alemanha, França e Inglaterra para a Rússia. Os produtos das fábricas russas foram exportados e valorizados em todo o mundo. Na Rússia pré-revolucionária, usar um vestido pronto era considerado o destino das pessoas com recursos limitados; os ricos preferiam encomendar roupas. Costurar em casa é uma tradição longa e venerável em Império Russo e foi considerado um elemento importante da educação das mulheres.
Os formandos das escolas de corte e costura e das aulas de artesanato recebiam certificados que lhes davam direito a trabalhar como cortadores, abrir escolas particulares e cursos de costura. Em uma dessas oficinas de costura da então popular modista de Moscou, Madame Voitkevich, depois de se formar na escola de corte e costura de O. Saburova, veio trabalhar uma jovem cortadora, Nadya Lamanova, que mais tarde se tornou a costureira mais famosa da Rússia czarista. Realizações notáveis ​​​​no campo do design de roupas fizeram de Lamanova a figura número um na história do design de roupas domésticas. Nadezhda Lamanova lançou as bases da modelagem soviética. O lema da criatividade dos designers de moda ainda hoje é a famosa fórmula de Lamanova - propósito, imagem, tecido.
Em 1885, Lamanova abriu sua oficina na casa de Adelgeim, em Bolshaya Dmitrovka. Lendário Nadejda Lamanova, fornecedor da Corte Imperial antes da revolução, “vestia” a família real, a elite aristocrática e artística. Após a revolução, ela não apenas desenhou modelos para as esposas de altos funcionários, mas também criou moda de massa. Ela fez figurinos para filmes de Eisenstein e Alexandrov e para muitas apresentações teatrais soviéticas. Seus clientes foram Vera Kholodnaya, Maria Ermolova, Olga Knipper-Chekhova. O grande costureiro francês Paul Poiret apresentava seus desfiles na casa dela. Após a revolução, os modelos de Lamanova, que continuou a trabalhar como designer de moda soviético, ganharam prémios em exposições internacionais; as roupas de Lamanova foram mostradas pela musa de Vladimir Mayakovsky, Lilya Brik, pela sua irmã mais nova, a escritora francesa Elsa Triolet, e pela actriz Alexandra Khokhlova. A Rússia pré-revolucionária podia orgulhar-se de uma abundância de casas de moda, estúdios e oficinas. Só em São Petersburgo, na década de 1900, havia mais de 120 deles. A famosa casa de moda de São Petersburgo era a Casa de Brisac, que era fornecedora da Corte e trabalhava apenas para a família imperial, servindo às grã-duquesas e damas de companhia da corte. Por ordem máxima da Imperatriz, a Casa de Brisac poderia atender dois clientes que não pertenciam à corte - a bailarina Anna Pavlova e a cantora Anastasia Vyaltseva.
Outra grande casa de moda de São Petersburgo da década de 1900 foi Casa dos Hindus. Anna Grigorievna Gindus estudou em Paris na empresa da famosa estilista francesa Madame Paquin, com quem posteriormente manteve contato.

A terceira grande casa de moda foi Casa de Olga Buldenkova, que também era fornecedora da Corte Imperial. Seu campo de atuação eram os uniformes especiais, regulamentados pela Carta da Corte, aprovada por decreto imperial especial na década de 1830.

Além de casas grandes moda Havia mais de uma centena de pequenas casas de moda e estúdios que atendiam pedidos individuais e produziam coleções em série. Mas nenhuma das casas russas realizou desfiles de moda. Em 1911, Paul Poiret trouxe sua coleção para São Petersburgo. E o primeiro desfile de moda aconteceu em São Petersburgo em 1916.

A nova era que chegou mudou muito o traje em si e a atitude em relação à moda. Na segunda década do século XX, após a Primeira Guerra Mundial, o mundo inteiro testemunhou uma simplificação dos trajes e uma transição para a produção industrial em massa de roupas, cujo início esteve em grande parte associado à produção bem estabelecida de uniformes militares. Contudo, na Rússia Soviética, esta tendência global foi sobreposta pelo papel da ideologia socialista.

Em 1923, foi criado o “Centro para o Desenvolvimento de um Novo Traje Soviético”, mais tarde rebatizado de “Atelier de Moda”, cujo diretor oficial era Olga Senicheva-Kashchenko. Numa entrevista, Olga Senicheva contou como em “Costura de Moscou” ela, uma menina de dezesseis anos, recebeu documentos para um empréstimo e se comprometeu a pagar os custos do “Atelier de Moda” - a reforma das instalações (na Petrovka, 12, hoje Salão de Arte) dentro de um ano e meio e tecidos obtidos para o trabalho. Novo centro moda doou materiais confiscados de armazéns cujos proprietários fugiram para o exterior durante a revolução. O ateliê tinha à sua disposição brocado, veludo e seda. Os lindos tecidos, guardados em armazéns úmidos, ficaram muito danificados, então decidiram usar alguns deles para cortinas e estofados no salão onde estava prevista a demonstração de modelos de roupas. Em primeiro lugar, para devolver ao Estado todo o dinheiro dado a crédito, na primeira União Soviética "Ateliê de Moda" começaram a criar modelos não de chita e linho, mas de brocado e veludo para Nepmen, para que mais tarde pudessem desenvolver moda de massa e criar modelos de roupas para trabalhadores. A elite partidária, celebridades e líderes da indústria leve foram convidados para os primeiros desfiles de moda.

• No experimental “Atelier de Moda”, juntamente com Nadezhda Lamanova, que liderou o trabalho criativo, trabalharam artistas de destaque como Vera Mukhina, Alexandra Ekster, Nadezhda Makarova (sobrinha de Lamanova) e a especialista em arte aplicada Evgenia Pribylskaya. foi publicada a edição da revista Atelier., da qual participaram diversos artistas famosos.

• Em 1923, na Primeira Exposição Industrial e de Arte de Toda a Rússia, foram premiados modelos desenvolvidos no Ateliê de Moda por N. Lamanova, E. Pribylskaya, A. Exter, V. Mukhina.

• As modelos Nadezhda Lamanova e Vera Mukhina, expostas na Exposição Mundial de Paris em 1925, receberam o Grande Prêmio de identidade nacional em combinação com as tendências da moda moderna. Cada modelo de vestido era obrigatoriamente complementado por cocar, bolsa e bijuterias feitas de barbante, cordão, palha, tela bordada e miçangas feitas de conchas e pedras.

O estúdio experimental não conseguiu cumprir plenamente a sua missão principal de criar amostras de roupas para produção em massa, bem como atender encomendas individuais para as pessoas, uma vez que existiu apenas alguns anos. Uma das maiores ordens do governo em 1923 foi o desenvolvimento de um uniforme de gala para o Exército Vermelho. Para ganhar dinheiro, o ateliê funcionava como uma cara oficina de alfaiataria personalizada, voltada para atrizes, para as quais eram oferecidos descontos especiais, e pessoas abastadas. Dez designers e dez artistas trabalharam na criação dos modelos. Cento e cinquenta trabalhadores da 26ª fábrica do Moskvoshvey Trust costuraram os modelos. Em média, um vestido demorava vinte dias para ser costurado, e só o trabalho dos artesãos custava cem rublos para cada modelo. Era tão caro que mesmo dois anos após a inauguração, muitos dos vestidos ainda não eram vendidos.

Em 1923, o primeiro doméstico soviético Revista de moda“Atelier”, criado no inovador “Atelier Maud”. O editorial apresentava a meta e os objetivos principais: “Uma busca ativa e incansável pela identificação de tudo o que é criativamente belo, que merece a maior atenção no campo da cultura material”. A grandiosidade da ideia foi determinada apenas pela lista de estrelas que aceitaram colaborar na revista. Entre as celebridades estão os artistas Yuri Annenkov, Boris Kustodiev, Kuzma Petrov-Vodkin, Alexander Golovin, Konstantin Somov, Igor Grabar, a escultora Vera Mukhina, a poetisa Anna Akhmatova, o historiador de arte Nikolai Punin e muitos outros. A revista foi ilustrada com inserções de desenhos coloridos.

Os nomes dos artistas começaram a aparecer nas páginas revistas de moda nos anos 1900-1910, quando a arte da ilustração de moda estava no seu apogeu. Em 1908, uma revista artística começou a aparecer em Moscou. Revista de moda, artesanato, casa “parisiense” com frontispício do artista Mstislav Dobuzhinsky. A capa da nova edição foi especialmente encomendada por Konstantin Somov, mas por questões técnicas a revista começou a aparecer na nova capa somente em 1909. A capa da revista de moda masculina "Dendy" foi feita por Viktor Zamirailo, e os desenhos dos modelos nela apresentados foram criados pelos famosos artistas gráficos de São Petersburgo Alexander Depaldo e Alexander Arnshtam. A artista Anna Ostroumova-Lebedeva também pretendia começar a publicar a Ladies' Magazine. Em 1915, a famosa costureira de São Petersburgo, Anna Gindus, tentou implementar planos semelhantes. Paralelamente, o arquiteto Ivan Fomin também passou a publicar uma revista de bela vida, chamada “Espelho”. Esses planos, e mesmo assim apenas parcialmente, estavam destinados a ser realizados apenas na década de 1920.

Primeiro soviético Revista de moda deveria prestar muita atenção ao “desenvolvimento detalhado de questões sobre o novo traje feminino”, bem como refletir “todo o diversificado trabalho criativo do Atelier Maud”, e, além disso, dar a conhecer aos leitores novidades no campo da arte , teatro e esportes.

A revista publicou um artigo da artista Alexandra Ekster “On Constructive Clothes”, refletindo a principal direção no desenvolvimento da modelagem na época – simplicidade e funcionalidade. “Ao escolher a forma de roupa”, escreveu o autor, “deve-se levar em consideração as proporções naturais da figura; Ao projetar roupas adequadamente, você pode garantir que elas correspondam ao formato e ao tamanho do seu corpo. As roupas de trabalho devem proporcionar liberdade de movimentos, por isso não podem ser apertadas. Um dos principais requisitos para tal traje é a facilidade de uso.” Exter prestou especial atenção à seleção dos tecidos, sugerindo que ao desenhar um determinado formato de terno, deveríamos partir das propriedades plásticas do material. Assim, na sua opinião, na hora de criar modelos a partir de lã grossa, as dobras verticais são inadequadas, e a lã macia de grande largura, pelo contrário, permitirá criar uma silhueta complexa e volumosa. Exter desenhou um conjunto complexo e multifuncional que lembra um quimono japonês, utilizando diversos materiais em cores contrastantes. Outro conjunto interno/externo consistia em um vestido de corte camisa e parte inferior com fendas laterais, enfeitado com apliques. A capa da revista Atelier foi decorada com um desenho criado por Alexandra Ekster, uma silhueta alongada de uma modelo vestindo uma capa outdoor feita de tafetá de seda azul claro, sem costuras, com gola alargada. Um chapéu pequeno e justo com um pompom é colocado em sua cabeça.

A primeira edição do “Atelier” também apresentou o famoso esboço de um vestido de botão de Vera Mukhina. O famoso escultor foi aqui apresentado como estilista. O vestido que ela propôs foi classificado como “variedade”. As cortinas fofas da saia de tecido branco lembravam pétalas de flores. Uma elegante silhueta feminina com chapéu vermelho de abas largas e bengala na mão era uma memória do Rococó, combinada com motivos suprematistas.

As páginas da primeira edição do “Atelier” continham um grande número de fotos de atrizes e modelos moscovitas em banheiros luxuosos, não inferiores aos trajes franceses. Pelas fotos da revista fica claro que a coleção de 1922-1923, apesar das dificuldades econômicas, era feita de tecidos caros. Reflexões literárias e jornalísticas sobre o moderno moda o diretor e dramaturgo Nikolai Evreinov (“A Imagem de uma Mulher Parisiense 1923”), o filantropo russo Vladimir von Meck, que trabalhou após a revolução na criação de esboços de cenários e figurinos no Teatro Maly, (“Traje e Revolução”) , M. Yuryevskaya (“Traje e Revolução”), deliciou-se nas páginas da revista. Sobre a influência da dança na moda).

Como complemento ao artigo de Yuryevskaya, os artistas do Atelier propuseram um modelo de “vestido variado para danças excêntricas”, feito de veludo preto e tafetá com cauda longa (“cauda”). A cintura é amarrada com um cinto largo de pele laranja, há uma fita laranja no ombro para combinar com a pele e um cocar de seda preta com penas de pavão em pé.

A revista Atelier foi publicada com tiragem de 2.000 exemplares e fez grande sucesso. Como escreveu a editora executiva Olga Senicheva: “Os leitores sentem falta de publicações artísticas e lindamente desenhadas. Papel couché, boa impressão, ilustrações coloridas e, talvez o mais importante: um tema incomum para a época - moda– atraiu muitos, e a circulação esgotou rapidamente.” De grande interesse foi o fato de ao final da edição haver uma “Resenha de tendências de moda em revistas estrangeiras”. No entanto, o primeiro número Revista de moda acabou sendo o último. A revista “Homem Costura” publicou o artigo “Como não ser artista”, no qual toda a atividade do “Atelier” foi submetida às mais severas críticas. Em 1925, as dificuldades económicas juntaram-se às acusações ideológicas e a primeira casa de moda soviética sofreu mudanças dramáticas. Um novo diretor foi nomeado, o quadro de funcionários foi reduzido e o famoso “Atelier de Moda” de Moscou se transformou em uma oficina de moda de nomenklatura comum, costurando esposas de festas e celebridades.

A ideia de uma revista de moda com a participação de artistas e escritores, e o envolvimento de pintores e artistas gráficos no desenvolvimento de modelos de roupas, ganhou vida há algum tempo. As publicações de moda que surgiram durante a era da NEP apelaram aos mestres do pincel e da caneta para falarem sobre a formação do estilo moderno moda.

• Em 1929, foi publicada uma nova revista, “The Garment Industry”, que escrevia sobre os problemas da produção industrial em massa de roupas. Iniciou-se a fase de industrialização do país. Nesses mesmos anos, foram abertas escolas técnicas de costura, escolas de formação técnica e faculdades de costura em empresas têxteis, que formavam especialistas para a indústria leve.

• Além disso, na década de 20, “Revista de Moda”, “Moda da Temporada”, “Mundo da Moda”, “Moda”, “Modelos da Temporada”, “Quatro Estações”, “Fashion Herald”, “Revista Feminina”, etc. apareceu Século sozinho revistas de moda foi curto e foram fechados por “falta de ideias”, e alguns já existiam há muitos anos.

Em 1932, a editora soviética "Gizlegprom" foi inaugurada sob o Comissariado do Povo da Indústria Leve da URSS, publicando literatura sobre temas de indústrias leves, têxteis e locais e serviços ao consumidor, publicando revistas com modelos de roupas da moda. Muitas fábricas de vestuário na década de 30 começaram a publicar os seus próprios revistas de moda. Modelos de roupas foram publicados em revistas femininas como “Rabotnitsa”, “Mulher Camponesa”, etc.

Na década de 20, houve muitas discussões sobre a reestruturação da vida do povo soviético. Em 1928, artigos polêmicos sobre o tema apareciam regularmente nas páginas dos jornais. Discutiram que tipo de casas e apartamentos os trabalhadores precisavam, que tipo de mobília deveria ser, como deveria ser decorado o interior de um soviético, se havia alternativa aos guardanapos de renda, estatuetas de porcelana, elefantes e outros atributos da vida burguesa. Um grande lugar nesta discussão foi ocupado pela questão de qual deveria ser o traje de um membro do Komsomol e de um comunista? O problema da formação do estilo soviético moda foi um dos centrais. Por exemplo, no Komsomolskaya Pravda pode-se ler as seguintes discussões sobre o tema: “há uma necessidade pronunciada de contrastar as amostras das “melhores roupas” das lojas em Petrovka e Kuznetsky Most com algumas de nossas próprias modas soviéticas, “Komsomol”. .” O mundo teatral também estava envolvido na controvérsia; nos palcos dos teatros podiam-se ver designs experimentais para roupas cotidianas e de trabalho, móveis e uma casa racionalmente projetada para o povo soviético.

Logo, devido às constantes críticas aos artistas que não faziam suas próprias coisas, começou seu afastamento gradativo da arte do figurino. A Moscow Fashion House, inaugurada em 1934, finalmente fez do figurino artístico uma atividade totalmente independente. Surgiu uma nova geração de artistas para quem a criação de roupas da moda se tornou sua profissão. O período da bela utopia de formação de um novo modo de vida acabou, a arte do figurino passou dos artistas de mentalidade idílica para as mãos práticas dos estilistas.

• Um grande número de oficinas de alfaiataria apareceu na NEP Moscou. Os mais famosos foram “Maison de Luxe” em Petrovka, “San Rival” em Pokrovka, a casa da oficina das irmãs E.V. e G.V. Kolmogorov, a oficina “Plisse” de A. Tushnov, o estúdio de Grishchenko, Koppar, Nefedova , Dellos.

• Na década de 20, começou a funcionar em Moscou a escola de bordado artístico “ARS”, cujo proprietário era Varvara Karinskaya. Logo Karinskaya abriu o primeiro salão Houte Couture para a elite de Moscou, onde esposas da “elite” comunista e homens da NEP encomendavam produtos de higiene pessoal. Além disso, fashionistas ricos foram comprar joias em um salão de antiguidades administrado pela enteada de Varvara Karinskaya, Tatyana. Em 1928, Karinskaya emigrou para a Alemanha.

Fabricantes de roupas, alfaiates, sapateiros e chapeleiros transformaram-se na elite informal da sociedade soviética durante a NEP. Na Rússia Soviética, começaram a aparecer estúdios nos quais trabalhavam artesãos alta classe, disponível apenas para membros do governo e líderes partidários. As senhoras do Kremlin começaram a usar ativamente os serviços de alfaiates e designers de moda. Principalmente entre eles, em meados da década de 20, os banheiros “de Lamanova” eram considerados os mais chiques.

Os anos 20 no novo país soviético, uma época incrível, combinando as ideias vanguardistas do construtivismo, as roupas dos trabalhadores comuns - lenços vermelhos, saias longas e disformes, sapatos de tecido com teias e os trajes das senhoras que aproveitaram ao máximo os benefícios da Nova Política Económica e vestidos à maneira das melindrosas europeias. Os primeiros planos chocantes de cinco anos já haviam começado e o espírito de Charleston ainda estava no ar.

É claro que no país soviético sempre houve uma distribuição territorial desigual moda. A concentração da indústria da moda soviética concentrou-se na capital. A diferença entre a capital e as províncias era enorme. No campo da moda, Moscou e as províncias foram correlacionadas como culturas “de referência” e “imitativas”. E se em principais cidades Afinal, era possível comprar, ou, como diziam, “conseguir” coisas boas ou recorrer aos serviços de um atelier, então para os habitantes da aldeia o conceito de “ moda“simplesmente não existia. Portanto, falando sobre a moda do jovem país soviético, é necessário descrever as roupas que usavam os moradores, antes de tudo, de Moscou e das grandes cidades.

As fashionistas dos anos 20 tinham os mesmos ideais das mulheres emancipadas de todo o mundo - um corpo magro que lhes permitia usar vestidos de cintura baixa na altura dos joelhos, porém, entre as mulheres soviéticas, esse sonho nem sempre se concretizava, e nos vestidos da moda tinha para ser usado em figuras bastante rechonchudas. Flores artificiais, colares de pérolas - reais ou falsas, enroladas no pescoço, botas de cano alto com cadarços, boas de pele de raposa ou raposa ártica, jaquetas de astracã - estão na moda. Um acessório importante para as fashionistas da época eram os chapéus, que nos primeiros anos pós-revolucionários foram criticados como um sinal claro burgueses, e foram ativamente substituídos por lenços vermelhos.

No traje masculino, botas shimmy ou Jimmy e calças Oxford - curtas, até o tornozelo e justas - estavam na moda chique. Em meados dos anos 20, essas coisas são relativamente acessíveis. Assim, o poeta Daniil Kharms escreveu em seu diário em setembro de 1926: “Comprei botas Jim em Gostiny Dvor, Nevskaya Side, loja 28”. Populares são polainas (capas de camurça branca ou linho usadas em botas masculinas), jaquetas francesas, calças de montaria e polainas (um tipo especial de botas masculinas macias).

Como nem todos tinham acesso aos serviços de alfaiataria, tecidos de alta qualidade ou bons produtos acabados, tiveram que inventar banheiros da moda a partir de materiais improvisados. Nas memórias da escritora Nadezhda Teffi, pode-se ler sobre o empreendedorismo feminino - foram usadas cortinas e lençóis, lençóis e outras roupas de cama e mesa, toalhas de mesa e colchas. A teca listrada para colchões era muito popular, assim como qualquer outro tecido usado no uso doméstico. As peles baratas eram muito populares - coelho e tomilho. O coelho tingido era a pele mais comum da época.

Continua ( História da moda soviética - parte dois dos anos 30 )

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Os novos looks da década são baseados em elementos da moda pré-guerra. Contrário a crise econômica, inflação crescente e escassez aguda de tecidos e acessórios, surpreendem pelo luxo.

Eventos sociais do período 1910-1920 que mais influenciaram o desenvolvimento da moda:
Primeira Guerra Mundial 1914-1918

Silhuetas 1910-20:

Desaparecido:
Espartilhos.
Saias "mancando".
Penteados complexos.
Chapéus grandes.
Bordados, apliques, rendas.
As saias foram encurtadas.

Apareceu:
Detalhes funcionais de roupas militares: cavaletes altos de aviador, bolsos de remendo, golas viradas para baixo (como jaquetas francesas).
Terno: Saia rodada com fecho frontal + jaqueta folgada com bolsos e gola virada para baixo ou gola aviador alta.
Saia fofa + jaqueta em estilo militar - com muitos laços, golas altas de uniforme, lapelas formais e botões de metal.

Malhas artesanais - jaquetas, cardigans, moletons, cachecóis, chapéus.
Os vestidos casuais chegavam apenas até as panturrilhas e eram usados ​​com botas de cano alto com cadarços.
Peplums (acréscimo semelhante a uma saia pequena, antes costurada no gibão ou colete masculino, depois no corpete feminino, alongando um pouco a roupa abaixo da cintura). Outro nome: Basco.
Silhueta em forma de barril.
Aquecedores de pernas, chapéus de feltro, cachecóis.
Cabelo curto para mulheres.

Os designs de alta costura do dia a dia foram influenciados pelos uniformes militares. Os modelos elegantes mantiveram elementos da moda pré-guerra:
Turbantes com aigrette de penas.
Vestidos de estilo oriental com cintura alta (as saias ficaram mais largas e mais curtas).
As “crinolinas militares” eram saias largas em formato de sino que exigiam muito tecido para serem costuradas. Em vez dos tradicionais aros de crinolina, inúmeras anáguas foram usadas aqui. O preço desse produto era bastante alto, apesar da baixa qualidade do material e do acabamento. As “crinolinas militares” são uma manifestação do estilo romântico, fruto do cansaço da guerra.
Saia pannier - larga nos quadris, plana na frente e nas costas (cesto-panier em francês).
Estilo espanhol (a Espanha não lutava e tudo o que era espanhol estava associado à vida pacífica): pentes altos e mantilhas, sapatos de tango com teias e gravatas, vestidos de estilo flamenco espanhol.

Vestidos no estilo dos usados ​​​​na época do rei Luís XV: corpete bem estreito e saia larga com babados nas laterais, enfatizando a linha do quadril.

Em 1909, Chanel iniciou sua atuação no mundo da moda, oferecendo às mulheres:
Vestidos esportivos em jersey.
Suéteres.
Blazers.
Saias plissadas na altura da panturrilha.
Vestidos de camisa.
Blusas de algodão inglês
Ternos confeccionados em malha.
Pijama com o qual você pode descer até o abrigo antiaéreo.

Essa foi a época do culto à opereta, que além de ser uma diversão divertida, também introduziu novos tipos de roupas. Além da opereta e dos sempre na moda teatros dramáticos, um papel semelhante foi desempenhado por revistas e cabarés com artistas famosos, por exemplo Mistenget em Paris ou Lucina Messal na Polónia. Eles introduziram não só a dança do tango argentino, mas também - junto com ela - a culote.

Também vale a pena mencionar o papel do balé na formação da moda e nas novas abordagens do design de roupas. A armadilha do passado e do balé clássico, que transformou a coreografia em signos gráficos, na chamada escrita de dança, que inspirou muitos artistas no século XIX (Degas, Toulouse-Lautrec, etc.), ficou em segundo plano no século XX. século.

Novas teorias proclamavam que o valor não residia no design elaborado, mas nos movimentos naturais e expressivos do corpo. A concretização desta nova ideia foi o trabalho de Isadora Duncan, que teve uma influência significativa na moda da sua época.

O desejo de reforma e simplificação no vestuário manifestou-se mais claramente no balé, que teve uma influência surpreendentemente forte no gosto do público.

Uma revolução na moda foi causada pela turnê do balé russo de Diaghilev em Paris com o famoso dançarino Nijinsky e a bailarina Karsavina. Os figurinos do balé, feitos de acordo com os esboços de Bakst, se destacaram pela grande originalidade, assim como os cenários dos balés.

Essas apresentações marcaram o início da reforma teatral e o fim das dramatizações naturalistas. A música de Debussy, Ravel, Prokofiev e Stravinsky, figurinos fantásticos e novas dramatizações das obras “Scheherazade”, “A Fada das Rosas”, “Petrushka”, “Tamara” e outras foram lições maravilhosas que foram apreciadas nos salões até o Primeiro Guerra Mundial.

Os especialistas em figurinos Bizet e Radius escreveram que 1909, quando esses balés apareceram no palco, tornou-se uma data significativa na história da moda. Este ano assistimos a uma explosão de entusiasmo na criação de tecidos ricamente bordados e na utilização de musselinas transparentes e esfumadas.

Junto com isso, ergueu-se a bandeira do luxo oriental, a riqueza dos palácios dos sultões e dos jardins dos califas. Já em 1910, sua influência na moda era perceptível. Elementos exóticos apareceram não só na composição das roupas em si, mas também em toda a arte da decoração.

Mais tarde, na década de 20, surgiu o amor pelos tecidos decorativos, o que foi um eco definitivo desta influência.

Figurino desenhado por L. Bakst para o balé "Daphnis e Chloe" encenado por Diaghilev, 1912. Modelo de vestido parisiense, inspirado em figurinos desenhados por L. Bakst

Novas teorias proclamavam que o valor não residia no design elaborado, mas nos movimentos naturais e expressivos do corpo.

A concretização desta nova ideia foi a dança da dançarina descalça Isadora Duncan, americana de nascimento, que veio para a Europa em 1900 aos 22 anos e revolucionou tanto a arte coreográfica como o traje teatral (que anteriormente consistia em tutu, ou seja, e. calças e saias de gaze usadas por cima, cujo número às vezes chegava a vinte).

Ela primeiro dançou descalça, mal vestida com uma camisa transparente e um xale. As técnicas plásticas foram extraídas de esculturas clássicas, de imagens em ânforas gregas e etruscas antigas e de relevos em frontões de templos. Em plasticidade e ritmo vivos, Isadora Duncan corporizou o seu conceito, colhido nas danças rituais das Vestais.

A sua dança era escultura, melodia e movimento, realçados pela evolução de um xale transparente. Esta dança tornou-se a base da teoria das danças rítmicas.

Já as obras-primas iniciais foram recompensadas com grande fama. Em digressão pela Europa desde 1900, no início da sua carreira artística exclusivamente em casas particulares e palácios, e posteriormente nos palcos de teatros, Isadora Duncan, ao apresentar danças clássicas em trajes antigos e com uma personalidade encantadora, incutiu o amor pela simplicidade antiga .

Sua dança influenciou o fato de os primeiros figurinos da nova e rigorosa linha, introduzida por Paul Poiret, terem um caráter antigo estilizado. O desejo de reforma e simplificação no vestuário manifestou-se mais claramente no balé, que teve uma influência surpreendentemente forte no gosto do público.

O florescimento de elementos exóticos na moda foi facilitado pelo conhecimento dos europeus com a arte popular dos países coloniais, dos países do Médio e Extremo Oriente, o que levou a uma nova abordagem à ornamentação dos tecidos e ao aparecimento de vários xales, foulard lenços, lenços, etc.

O exotismo também se refletiu nas danças da época. A maxime brasileira e os passeios com bolo preto lançaram as bases para uma série de novas danças, que em última análise incluíram o tango. A característica da música dessas danças era o canto do ritmo.

O tango argentino, que na época estava na moda na Europa, nasceu de uma dança exótica que deve sua forma em grande parte aos espanhóis.

No processo de seu desenvolvimento, o tango passou por muitas mudanças, até finalmente receber sua forma familiar, tão diferente da original.

Nos anos em questão, o tango provocou um enorme protesto por parte da parte conservadora da sociedade europeia, tal como nos séculos XVIII e XIX. Tal protesto foi provocado pela valsa, considerada uma dança vergonhosa, na década de 20 do século XX - pelo Charleston, e posteriormente pelo rock and roll.

O tango era inicialmente apenas uma dança de palco e roupas velhas não eram adequadas para sua apresentação. Para esta dança, foi inventado um traje especial em forma de calças tipo turca ou saias drapeadas, cujo corte mostrava as pernas.

A grife Drecol e Bechoff de Paris demonstrou em 1911 vários modelos de vestidos de calças, por exemplo, a chamada jupe-culotte (saia calça), que, no entanto, não se enraizou em todos os lugares. Neles apenas dançarinas se apresentavam, por isso a nova dança do tango foi chamada de “dança das calças”.

O pequeno número de mulheres que ousaram aparecer na rua com esses vestidos foram ridicularizados e, por isso, tal fantasia desapareceu rapidamente.

Seguindo a linha geral da moda, também tentaram usar apenas calças, mas também não pegaram, pois iam contra as normas aceitas de moralidade pública.

Em 1908-1914. o ideal era uma mulher de pele branca fosca, cabelos castanhos, que participasse de sessões de espiritismo e brilhasse como um anjo. Anteriormente, o rubor infantil e fresco tinha que desaparecer, e as mulheres desde tenra idade tentavam criar a impressão de experiência e conhecimento.

Pálida como uma estátua e mulher melancólica, vestida de gaze transparente e musselina, cercou-se no interior de cores claras, pastéis, semelhantes, onde tudo brilhava entre dourados, espelhos e luz do sol. Ela queria ser amada e aguardava o juramento de fidelidade.

Em 1913, começaram na Inglaterra protestos barulhentos de emancipadores, buscando direcionar a vida das mulheres para um caminho diferente. Mas a maioria das mulheres só queria se divertir e ser amada.

O desporto ainda não ocupava um lugar significativo na vida das mulheres, mas, no entanto, foi neste período que a influência do desporto na moda começou a manifestar-se com bastante força e, portanto, delineou-se uma viragem para a liberdade e a simplicidade.

Já não existiam tantas dobras e listras de tranças, e muitas das decorações usadas anteriormente. Os penteados ficaram mais lisos e baixos, expondo pescoço, braços e pernas.

A lingerie começou a sofrer enormes mudanças: anáguas, corpetes, camisas, pantalonas e capas.

O Tren desapareceu, as botas ficaram mais leves e foram substituídas por vários sapatos. As mulheres, exaustas pela escravidão dos espartilhos, livraram-se de boa vontade da terrível pressão no cinto. Uma grande variedade de formas de roupas apareceu.

Este e o período subsequente, que durou até 1923, são caracterizados por frequentes mudanças nas tendências da moda causadas pela busca de novos meios de expressão e conveniência.

As novas formas não só não enfatizaram a estrutura anatômica, como aconteceu em 1901-1907, mas também tentaram, ainda que timidamente, obscurecê-la.

O período entre 1908 e 1914 pode (teoricamente) ser distinguido em várias fases nas quais a moda foi influenciada por diferentes estilos.

A influência dos trajes gregos pode ser rastreada por volta de 1909, estilo Império - por volta de 1911, roupas orientais - por volta de 1913.

Vestidos baseados em roupas gregas:
1 - Modelo francês, projeto Poiret, 1903;
2 – Modelo polonês, 1911; 3 – Modelo inglês, 1910

Roupas baseadas em motivos orientais:
1 - vestido e cocar, desenho Poiret, 1911;
2 - vestido no estilo “moda estreita”, Paris, 1914;
3 - vestido com saia puxada na cintura, Polônia, 1914.

Vestidos estilo império:
1 – Modelo polonês; 2 – modelo francês;
3 - Modelo inglês.

1911-1914 trouxe amostras do retorno da “moda estreita”. Durante o período descrito, houve predominantemente soluções de pseudoestilo e a moda tornou-se cada vez mais incerta.

Moda 1911-1914 caracteriza-se pela suavidade das linhas, realçando a convexidade natural da silhueta e ao mesmo tempo conferindo-lhe um carácter feminino, mas não tão pronunciado como antes.

Tecidos leves, macios e esvoaçantes caíam livremente, conferindo às roupas um caráter específico, que na época era definido como moda lingerie.

Este período incluiu o abandono das camisas rígidas que se ajustavam ao pescoço; foi introduzido um decote que expunha os ombros (a chamada “moda nua”. Os forros de seda, que no período anterior fortaleciam até os tecidos muito finos, deixaram de ser utilizados.

A moderação se instalou nas linhas principais. O anterior formato de “sino” e linhas “curvas” deram lugar a linhas rígidas, e a silhueta passou a ser chamada de “sugestão”.

A cintura era alta, como na moda do Primeiro Império, e os arautos dessa virada eram cintos muito largos de tecido de seda; eles eram chamados de "bajadera".

Longe vão as mangas grandes; a manga ficou estreita, costurada suavemente abaixo do ombro, ou quimono. A assimetria era um dos alicerces da composição geral, que se expressava em cortinas assimétricas, abas, cunhas, bainhas extravagantes de túnicas, forros, etc.

A influência das roupas orientais se manifestava nos estofados que estendiam o vestido abaixo dos quadris e no uso de tecidos caros, coloridos, transparentes e com enfeites fabulosos.

Nome parisiense - Leon Bakst. Em 1910, Paris viu o balé “Scheherazade” no programa das “Estações Russas” organizado por Sergei Diaghilev. O balé foi encenado pelo famoso Mikhail Fokin, e o cenário e os figurinos foram feitos de acordo com os esboços de Lev Bakst. Ele cria seu próprio estilo Bakstian especial. Paris esqueceu que Bakst é estrangeiro, que as suas raízes estão na Rússia. O nome Leon Bakst começou a soar como o mais parisiense de todos os nomes parisienses. Suas produções começaram a ser imitadas, suas ideias variaram infinitamente. O artista dos balés de Diaghilev foi parceiro pleno do diretor e coreógrafo. Assim, Bakst trabalhou em estreita colaboração com o famoso Fokine e depois com o não menos famoso Nijinsky ao encenar os balés de Stravinsky. Seus princípios de design pictórico foram aceitos incondicionalmente pela crítica. Bakst projeta performances não apenas em Paris, mas também em Londres e Roma.

Os criadores de tendências da moda parisiense começaram a promover o “estilo Bakst”. As pessoas o abordavam com pedidos de esboços de fantasias. Isso fascinou muito o artista, que criou uma série de trajes magníficos, além de desenhos em tecidos. “...Bakst foi capaz de capturar aquele nervo indescritível de Paris que governa a moda, e sua influência agora é sentida em toda Paris - tanto em vestidos femininos quanto em exposições de arte”, escreveu M. Voloshin em 1911.

Paul Poiret começou a trabalhar para Doucet and Worth e, em 1903, abriu sua própria grife.

Poiret criou império poderoso moda. Hoje em dia, as casas de moda produzem produtos diferentes sob a mesma marca, mas isso diferia nitidamente das normas geralmente aceitas.

A silhueta que ele criou libertou a mulher do espartilho: saia esvoaçante que não chegava ao chão, cintura alta. Isso ia contra as regras da decência. Mas apenas dois anos se passaram e esta inovação foi aceita. Em 1909, Sergei Diaghilev “traz” para a Europa Arte russa, incluindo balé. Graças à primeira temporada parisiense do Ballet Russo, a França descobriu o encanto do Oriente. O balé “Cleópatra” foi dominado por uma profusão de cores: uma combinação de roxo e esmeralda, rosa com amarelo e preto. Este acontecimento cultural influenciou o trabalho de Paul Poiret: ele incluiu motivos orientais em suas coleções e começou a criar roupas com novas cores em uma nova silhueta - calções, turbantes, cores e padrões brilhantes: rosa, dourado, amarelo canário, verde venenoso, azul azul. Nunca antes as roupas foram tão coloridas. Era mais do que exótico. Paul Poiret conquistou o público.

Paul Poiret inventou a túnica abajur, uma peça de roupa semelhante a uma túnica, aproximadamente na altura do joelho. Outra de suas invenções foi a saia “manca” - afilada abaixo do joelho. Só era possível percorrê-lo em pequenos passos, por isso recebeu esse nome.

Poiret renovou com sucesso a moda da combinação de calças e saia, calças e túnica.

A inspiração e musa de Paul Poiret foi sua esposa Denise.

Dois dos melhores ilustradores trabalharam com Paul Poiret - Paul Irib e Georges Lepape, que encarnaram os modelos de Poiret em ilustrações.

Em 1911, Paul Poiret lançou o primeiro perfume de grife, “Rosina” (em homenagem a sua filha mais velha). Tudo do início ao fim: criação da fragrância, design do frasco, embalagem, publicidade, distribuição - foi inventado e executado pelo próprio estilista. Isto significou a invasão de um novo mercado, que na época era monopólio dos perfumistas franceses. Paul Poiret e Raoul Doofy estão trabalhando ativamente na criação de tecidos. Paul Poiret disse uma vez: “O costureiro, assim como o tecido, fala muitas línguas com um objetivo - glorificar a beleza feminina”. Paul Poiret era um admirador apaixonado da arte moderna e teve contato próximo com gênios do século XX como os artistas Henry Matisse e Pablo Picasso, e o poeta Jean Cocteau. Paul Poiret era um filantropo. Em 1911, abriu o ateliê Martina em Paris (em homenagem à sua filha mais nova). Lá, meninas de famílias pobres aprendiam não apenas costura e bordado, mas também história da arte e desenho.

Paul Poiret tornou-se uma lenda durante sua vida. Compreender a relação entre moda e publicidade, organizando eventos e performances. Ele era mais do que apenas um costureiro. Poiret tornou-se o fundador do conceito moderno de “moda como estilo de vida”. Ele praticamente inventou e utilizou estratégias de marketing e RP (Relações Públicas), que agora se tornaram uma prática comum e a norma. Suas casas, salões, feriados que organizou viraram performances e espetáculos incríveis, onde foram tocadas suas obras - vestidos papel principal. Um exemplo: para divulgar sua grife, ele contratou modelos, vestiu-as com seus trajes e levou-as pela Europa e pela Rússia. Tudo isso foi acompanhado por artigos de destaque na imprensa e reportagens fotográficas.

Estilo Art Déco. ERTE (nome verdadeiro e sobrenome ERTE Roman Petrovich TYRTOV 1892 - 1990) - Artista russo, representante da Art Nouveau, luminar do design gráfico e famoso estilista. Abandonando a carreira tradicional da família, estabeleceu-se em Paris em 1912, tornando-se correspondente da revista Ladies' Fashions de São Petersburgo. Ele não recebeu uma educação artística sistemática, frequentou brevemente a Academia de R. Julien. Ele criou o pseudônimo “Erte” a partir das primeiras letras de seu nome e sobrenome. Morou em Paris e Monte Carlo.
O estilo Art Déco é uma abreviatura do nome da exposição "L"Exposition Internationale des Arts Decoratifs et lndu-striels Modernes" - "Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas", realizada em 1925 em Paris) - Estilo de arte design de interiores, artes decorativas e aplicadas, joias, design de roupas, bem como design de produtos industriais e gráficos aplicados.

Coco Chanel - com a ajuda de Capel, em 1910 Coco abriu sua primeira boutique em Paris - o famoso salão da Rue Cambon, e três anos depois - a primeira filial em Deauville. Logo ela tinha uma verdadeira casa de moda no elegante resort de Biarritz. Qual foi o segredo desse sucesso? Antes da Chanel, as mulheres eram enterradas sob quilômetros de tecidos e rendas: saias justas, anquinhas enormes, caudas que varriam a poeira e chapéus gigantes que mais pareciam bolos. A própria Chanel não era adequada para vestidos que enfatizassem cintura de vespa e busto cheio - ela não tinha nada para enfatizar. Além disso, esses banheiros dificultavam a circulação. Ela ofereceu às mulheres roupas completamente novas e inéditas, muitas vezes emprestadas do guarda-roupa masculino. Por exemplo, um terno de marinheiro com decote profundo e gola larga ou uma jaqueta de couro estilo jóquei. Ela sempre foi inspirada por aquilo que ela pessoalmente gostava e com o que se sentia confortável. Foi uma verdadeira revolução. Chanel criou a moda de novo, independentemente do que foi aceito e do que não foi.

Roupas femininas "masculinas" - final da década de 1910

“Uma vez coloquei um suéter de homem, só porque estava com frio... amarrei com um lenço (na cintura). Naquele dia eu estava com os britânicos. Nenhum deles notou que eu estava de suéter...” Surgiu assim uma nova moda feminina - blazers de flanela, saias largas, suéteres longos de jersey, ternos de marinheiro e o famoso terno (saia + jaqueta).

“Acorrentada a um espartilho, seios para fora, bumbum à mostra, puxada na cintura como se fosse cortada em duas partes... manter uma mulher assim é o mesmo que administrar um imóvel” - Chanel sabia do que estava falando. Mulheres trabalhadoras, independentes e ativas simplesmente não podiam usar espartilhos e babados.

Regras do vestidinho preto Chanel:
- o vestido deve cobrir os joelhos
- o vestido não deve ter detalhes decorados: babados, bordados, rendas
- certifique-se de dar uma ênfase clara ao corte na cintura
- sapatos - escarpins fechados (não sandálias!)
- sem grandes decorações
- bolsa pequena

1914 - Primeira Guerra Mundial

Descrevendo a moda de 1915-1923, podemos dizer com segurança que foi uma continuação da busca por novos meios de expressão, necessários para formas que mudavam rapidamente. A principal característica A moda desses anos era uma espécie de liberdade (“flacidez”) e fantasia. As blusas caíam frouxamente sobre os ombros; seus peplums e cintos largos não abraçavam a cintura. Havia mangas curtas e largas, às vezes de formatos fantásticos, alongadas na frente, lembrando as góticas. Saias e aventais com babados, caudas, xales, lenços, etc., presos a eles, pendiam.

A amplitude nas roupas, que em 1922 atingiu Ponto mais alto, mascarou o contorno natural da figura. Uma mulher daquela época “pendurou” um vestido em si mesma. Este efeito foi potencializado pela utilização de tecidos macios, cujas propriedades plásticas determinaram a criação de formas suaves e vagas. Tudo isto foi uma resistência complexa às formas rígidas e refinadas do vestuário do início do século XX.

Este período trouxe conquistas importantes para as mulheres na luta pela igualdade e, em conexão com isso, novas conquistas no campo da reforma do vestuário. A razão para isto foi a Primeira Guerra Mundial, que desempenhou um papel muito mais significativo na luta pela igualdade das mulheres do que todos os esforços anteriores de emancipação. Deixadas sozinhas, as mulheres foram forçadas a assumir total responsabilidade por si mesmas e pelas suas famílias; ocupavam o lugar dos homens na indústria, nos escritórios, nos hospitais, etc., sentiam-se confiantes na sua força física e valor intelectual.

Durante a Primeira Guerra Mundial, as mulheres passaram a levar um estilo de vida masculino, tornaram-se condutoras de bonde, despachantes e algumas até ingressaram no serviço militar auxiliar e vestiram os uniformes correspondentes. Por exemplo, enfermeiras e funcionários dos correios americanos usavam camisas esportivas e bonés cáqui. Com a eclosão da guerra, as casas de moda foram fechadas e as próprias mulheres dirigiram com mais ou menos habilidade o movimento da moda, libertando-se de muitas fantasias absurdas que lhes foram impostas como cânones da moda. Ornamentos desnecessários foram descartados e as roupas foram desenhadas para proporcionar o conforto necessário ao trabalho. As roupas casuais no estilo reformista ganharam popularidade e se estabeleceram tão firmemente que os alfaiates, retornando ao trabalho em 1917 e querendo mais uma vez ter um papel dominante no estabelecimento da moda, tiveram que adotar essas roupas, e tentaram reintroduzir a crinolina ou "slim moda" fracassou na derrota. Ao mesmo tempo, as caudas, os espartilhos rígidos e o excesso de joias desapareceram.

O exército, não só europeu, mas também colonial, também teve grande influência na moda. Ela trouxe a atmosfera de países distantes e o exotismo da bela arte nativa. Surgiram tecidos decorativos estampados do Marrocos e da Tunísia, lindos xales, lenços e outras peças exóticas que cativaram a Europa. A moda absorveu imediatamente novos elementos de corte e decoração dos trajes chineses, árabes e indianos.

Pode parecer paradoxal que junto com o advento das roupas simples, práticas e racionais, o amor pela abundância de estampas, rendas, apliques, tricô, miçangas, etc., tenha aumentado novamente, o que se explica pela atuação dos alfaiates parisienses, que, não querendo perder completamente a influência, protestaram contra o corte simples e começaram a introduzir acréscimos fantásticos em vestidos de formatos simples. De um artigo de revista da época: “...vestidos de corte simples e sem enfeites causavam desagrado entre as senhoras. Tentavam influenciar os artistas que criavam os modelos para introduzirem enfeites, mesmo em quantidades excessivas. Tem sido uma há muito tempo que não se viam vestidos tão bordados, bordados com pérolas, bainhas debruadas com fitas franzidas, apliques de tecido, bordados com arame grosso e uma enorme quantidade de fitas finas, que formavam padrões complexos na parte inferior e nas mangas de lã vestidos e até cobriu aviões inteiros...". Alguns anos após o início da guerra, apesar da luta contínua na frente, a vida na retaguarda voltou ao normal; Bailes e recepções voltaram a ser realizados.

Os teatros de revista, sendo os mais rápidos e ousados ​​na adoção de novas formas de vestuário, tornaram-se a vanguarda da moda. Na revista surgiram grandes divergências sobre a necessidade de uma fantástica moldura de plástico, desenhada pelos mais famosos decoradores e alfaiates, que foram influenciados pelo balé russo e decidiram tudo no contraste do preto e das cores ricas. Em 1921, Poiret desenvolveu a cenografia e os figurinos da revista "Casino de Paris", utilizando principalmente o preto e o amarelo. Este fato levou à penetração generalizada do preto nos banheiros femininos. Um baile especial branco e preto foi estabelecido em Paris, o que causou violentos protestos de alfaiates. Via de regra, os figurinos imaginativos dos atores influenciaram o estabelecimento de certas formas de vestimenta na vida, mas a tentativa de reviver a moda das penas de avestruz, que preenchia todos os figurinos da revista, fracassou. Mas a moda do xale espanhol se enraizou graças à dançarina argentina Isabella Ruiz, que trocava de xale a cada dança.

As mudanças na moda ocorreram gradualmente. Durante a guerra, ternos eram usados ​​em todos os lugares. O formato das jaquetas mostrava evidente influência do uniforme militar, e as saias largas, pregueadas ou largas, revelavam botas até o topo. A manga moderadamente estreita foi abotoada até o punho, a cintura, um tanto baixa no início, voltou ao seu lugar. Os chapéus eram de tamanho médio. Em 1917, os ternos ficaram em segundo plano, as mulheres tiraram seus vestidos pré-guerra e por um tempo voltaram à moda dos anos anteriores à guerra. Houve tentativas de alongar os vestidos e até enfaixar as pernas, mas não pegou. As saias, que ficaram mais estreitas e compridas, ficaram arredondadas nos quadris e ficaram mais estreitas na parte inferior. A silhueta lembrava um fuso. A cintura estava marcada alta. Houve muita reunião em vestidos e casacos.

J. Lanvin ofereceu vestidos de camisa para seus clientes.
Em 1917-1918 surgiu uma nova silhueta - um vestido com duas cinturas: alta e baixa, na altura dos quadris.

Em 1918, os vestidos foram novamente encurtados e alargados graças aos babados costurados nas saias. A expansão foi proporcionada por cintos macios e soltos e bascos franzidos, além de túnicas mais curtas e largas que as saias (ver figura).

"Garota fofa".

"Mãe altruísta."

"Mulher vampira exótica."

Três imagens ideais completamente diferentes.

Em 1900, o uso da maquiagem já era generalizado. Porém, eles aplicaram para que o resultado parecesse o mais natural possível. Nessa época, o pó rosa de Helena Rubinstein veio a calhar, pois antes os rostos cobertos com pó branco pareciam muito artificiais. Ao mesmo tempo, sua concorrente americana Elizabeth Arden abriu seu primeiro salão, e logo as duas rainhas da cosmética começaram a brigar por clientes, lançando cada vez mais novos produtos. Eles recomendaram que as mulheres visitassem regularmente salões de beleza. Começamos com uma limpeza profunda da pele com vapor - como hoje.

Durante a guerra, tornou-se impopular gastar tempo e dinheiro em cosméticos. Um pouco de batom nos lábios, uma gota de vaselina brilhante nas pálpebras - só isso. Seu cabelo, que antes era enrolado em cachos sedutores à la Mary Pickford, começou a ser separado por uma mecha clara. Os homens da frente tinham de saber que as suas mulheres tinham abandonado toda a coqueteria e eram modestas e cordiais, como Lillian Diana Gish.

Foto: “Sweet Girl” de Lillian Diana Gish estava em plena sintonia com o gosto da época. A estrela do cinema mudo, que nunca se envolveu em filmes sonoros, se apresentou no palco desde os cinco anos de idade.

Vender cosméticos para essas mulheres dedicadas não foi fácil. Portanto, a maioria dos cosméticos foi declarada benéfica à saúde.

A vaselina, usada para dar brilho aos lábios e pálpebras, era considerada uma pomada; ao mesmo tempo, a maioria das mulheres não percebeu, tal como hoje, que o problema era o problema da comercialização dos produtos. Como qualquer coisa relacionada à medicina não deveria parecer frívola, as mulheres eram mais propensas a recorrer à cirurgia estética do que a usar cosméticos. A cirurgia para suavizar rugas por meio da injeção de parafina sob a pele tornou-se comum.

Foto: Theda Bara - uma beldade exótica com olhar convidativo e boquinha em formato de coração era considerada a personificação dos pecados e representava na tela as fantasias ocultas da recatada América nas imagens de Salomé, Madame DuBarry e Cleópatra.

Depois da guerra, a virtude acabou - todos queriam parecer misteriosos e fatais.

Foto: Gloria Swanson é um anjo e um demônio em um só. A imagem de um vampiro exótico. Sua personificação ideal chamava-se Gloria Swenson (1899-1983), que, por um lado, se comportava como uma dama da sociedade, e por outro, sem constrangimento, aparecia em trajes eróticos como lingerie de cetim, quimono de seda e peles luxuosas. Ela desempenhou papéis escandalosos e arriscados, cujo tema era a traição, o amor no sexo a três e a emancipação sexual de uma mulher. E ela fez tudo isso com muita elegância.

O cabelo era cortado como o de um menino, os olhos delineados com lápis de sobrancelha, os lábios pintados com muito brilho e o exotismo dos acessórios não tinha limites, o que Poiret apelou em 1910 com seu estilo de harém.

De 1914 a 1918, mulheres e homens tinham apenas um ideal: a altruísta irmã misericordiosa. Isso dizia respeito principalmente às irmãs da Cruz Vermelha, cujo uniforme foi desenhado pelo costureiro Redfern. A admiração pelo serviço altruísta foi tão longe que as senhoras da sociedade se imortalizaram sob o disfarce de freiras ou irmãs de misericórdia e enviaram essas fotos aos seus maridos na frente.

Foto: Ida Rubinstein - enfermeira em um hospital de Paris durante a Primeira Guerra Mundial.

Estilo: Art Nouveau, Art Déco
Designers: Coco Chanel (início), Jeanne Paquin, Jeanne Lanvin, Léon Bakst, Jacques Doucet
Ilustradores: George Barbier, George Lepape
Música: Tango, Valsa Boston, Ragtime, Jazz (início)
Arte: Ballets Russes, Fauvismo, Cubismo, Dadoísmo, Futurismo.

Não há designer que nunca tenha citado seus antecessores. Colocar o velho esquecido em uma nova maneira é uma técnica favorita de Jeremy Scott, Karl Lagerfeld e Nicolas Ghesquière. Para adivinhar as alusões do costureiro à primeira vista na silhueta e no corte, vale a pena conhecer a história da moda do século passado.

Década de 1910: PARIS DITA UM NOVO ESTILO - ART DECO

Belle Epoque (traduzido do francês como “época bonita”) com sua silhueta característica de ampulheta está sendo substituída pela Art Déco. O novo cânone da beleza são as formas naturais e irrestritas do corpo feminino. A Europa veste trajes exóticos, inspirados no balé "Scheherazade", apresentado por Diaghilev no âmbito das "Estações Russas" em Paris.

Designer de moda: Paul Poiret é um reformador da moda; foi ele quem libertou as mulheres dos espartilhos e das anquinhas, oferecendo vestidos túnicas soltas no estilo grego antigo, além de capas, montos e calças inspiradas no Oriente. Poiret introduziu o exotismo e o orientalismo na moda, cultivando o luxo e a abundância nas roupas: tecidos caros e muita decoração são sinais de suas criações.

Estilos: vestido de cintura alta, saia cônica, saia-calça, calções, capa quimono, vestido sari, turbante, bolsa tipo bolsa.

Tecidos e decoração: brocado, seda, veludo, tafetá, enfeites orientais, bordados com fios de ouro, pedras preciosas, batik.

Ícones de estilo: Isadora Duncan tornou o vestido túnica solto de Poiret famoso em todo o mundo ao aparecer no palco com uma roupa translúcida - uma audácia inédita. Outro ícone da moda da época - Ida Rubinstein, estrela do balé "Scheherazade" - não saiu da imagem de uma beldade oriental nem fora do palco, escolhendo quimonos de seda para o dia a dia.

1920: EMANCIPAÇÃO E JAZZ

Uma mulher emancipada dirige um carro, escreve romances, fuma e dança elegantemente o Charleston em um confortável vestido reto de cintura baixa - um símbolo da época. A elegância modesta de Coco Chanel se justapõe aos excessos da Era do Jazz: penas, jibóias e franjas. O estilo garcon (traduzido do francês como “menino”) coexistiu com o Art Déco, que ainda era popular.

Designer de moda: Coco Chanel vestiu as mulheres com roupas masculinas e provou que um vestidinho preto, complementado com um colar de pérolas, não é uma opção de noite pior do que um vestido de miçangas. Jeanne Lanvin foi responsável por uma direção de moda mais feminina.

Estilos: vestido cilíndrico, macacão de pele, jaqueta, cardigã, calça larga de lona, ​​pijama de praia, chapéu cloche, tiaras e faixas de cabelo com farta decoração.

Tecidos e decoração: renda, seda, veludo, lã, boucle, jersey; cores básicas - preto, branco, cinza, creme, bege; joias feitas de pérolas, um mínimo de decoração - da Chanel, um máximo - do resto (bordados, penas, laços, clarins).

Ícones de estilo: A atriz e dançarina de cinema mudo Louise Brooks tornou-se famosa não apenas por sua liberdade moral, mas também por seu amor por chapéus cloche. A tenista Suzanne Lenglet apresentou a moda do vestuário esportivo feminino.

1930: A SENSUALIDADE FRIA DE HOLLYWOOD

A nova era abandona decididamente o estilo andrógino de vestir, que esconde curvas sensuais. Os designers de moda estão proclamando uma silhueta diferente - uma cintura acentuada, da qual sai uma saia longa esvoaçante. Seguindo os atletas, as meninas começam a usar malhas. A decoração luxuosa da década anterior foi esquecida - a Grande Depressão e a sensação de uma guerra iminente criaram um clima completamente diferente.

Designer de moda: Elsa Schiaparelli desenha um vestido suéter, um suéter estampado e usa viscose e zíper pela primeira vez. Ela é a primeira provocadora e surrealista da moda. Basta olhar para um vestido com lagosta e salsa ou um chapéu em forma de sapato!

Estilos: vestido até o chão com cintura acentuada, vestido suéter, suéter, saias tênis plissadas, vestidos pólo, calças esportivas, luvas de seda até os cotovelos, cauda, ​​​​os primeiros trajes de banho.

Tecidos e decoração: tule, seda, veludo, lã, malhas; cores nobres, ricas e pastéis - azul escuro, bordô, pérola; guarnição do laço.

Ícones de estilo: Mulheres de beleza fria, estrelas de Hollywood - Marlene Dietrich e Greta Garbo, acenando nas telas com perfeição e sofisticação.

Década de 1940: Tempo de guerra dita suas próprias regras

A guerra começa e as meninas são forçadas a desistir de suas roupas luxuosas e elaboradas. Aparecem roupas de estilo militar - roupas femininas feitas com os mesmos tecidos dos uniformes militares. Enquanto a moda na Europa é limitada pelas restrições da Segunda Guerra Mundial, os Estados Unidos estão a criar a sua própria “alta costura”.

Designer de moda: O principal “criador de tendências” da década é a escassez de tecidos, botões e elementos decorativos. É ele quem determina as inovações em guarda-roupa feminino: encurta o comprimento da saia, proíbe babados fofos devido ao alto consumo de tecido, priva meias e salto agulha, e as meninas têm que usar chapéus e lenços para esconder os cabelos despenteados.

Estilos: jaqueta justa com ombros acolchoados, casaco trespassado, saia lápis, blusa com mangas bufantes, vestido de corte camisa com destaque para a cintura, vestido estilo náutico, chapéu com véu, cinto, broches, miçangas.

Tecidos: verde escuro, cáqui, marrom, cinza, cinza escuro, preto, azul, branco, amarelo claro, vermelho; lã, algodão, flanela; cheque, estampa de bolinhas.

Ícones de estilo: O símbolo sexual da América Atriz de Hollywood Rita Hayworth e as modelos pin-up Betty Grable e Bettie Page. Os soldados americanos adoraram tanto as imagens das belezas que até as repetiram em aviões.

Década de 1950: ascensão da moda parisiense e nova feminilidade

Paris recupera o título de capital da moda. Novo visual - o novo visual feminino, proposto por Christian Dior, está ganhando popularidade. Durante os anos de guerra, todos estavam cansados ​​demais das adversidades! As meninas se esforçam para parecer o mais femininas possível e gastam muito tempo e dinheiro em banheiros.

Estilistas de moda: Christian Dior gasta generosamente metros de tecido em uma saia cheia de cintura alta (luxo ultrajante e delicioso!) e coloca as mulheres de volta nos espartilhos. Cristobal Balenciaga segue um caminho diferente e prefere uma silhueta reta e experimentos arquitetônicos aos “botões” e “ampulheta” da Dior. Coco Chanel volta ao mundo da moda e apresenta uma jaqueta de tweed com saia, e Hubert Givenchy cria looks elegantes e aristocráticos para sua musa Audrey Hepburn.

Estilos: vestido corpete até o chão, saia plissada larga, jaqueta curta de cintura estreita, casaco corte A com mangas três quartos, luvas, chapeuzinho, bolsa clutch, sapatos pontudos, pérolas, colares.

Tecidos e decoração: veludo, flanela, lã, seda, cetim, camurça; flores bordadas, renda, pequeno padrão floral, listras horizontais.

Ícones de estilo: Nas telas, a moda é ditada por Marilyn Monroe, Grace Kelly, Sophia Loren, Elizabeth Taylor e Audrey Hepburn, demonstrando os últimos modelos dos estilistas mais populares.

Década de 1960: Rebelião na moda e na arte e a revolução sexual

A liberdade moral é o hino da moda da época! Minissaia, jeans, terninho, vestidos de corte A e casacos de corte A aparecem no guarda-roupa feminino. Os designers de moda, seguindo os artistas modernos, estão experimentando com todas as suas forças e criando roupas a partir de vinil e materiais sintéticos.

Estilistas de moda: A designer inglesa Mary Quant deu ao mundo a minissaia. Andre Courrèges e Yves Saint Laurent apresentaram quase simultaneamente um vestido curto em linha, que se tornou um sucesso absoluto. Além de Alta moda os costureiros começam a criar coleções de pronto-a-vestir.

Estilos: minissaia, calça de cintura alta, jeans, vestido evasê, casaco de gola redonda, camisa estilo camponês, vestido de verão, botas de cano alto, bolsa de alça longa, chapéus de abas largas.

Tecidos e decoração: algodão, jeans, malhas, lã, viscose, listras, xadrez, bolinhas, pequenos padrões; cordas, laços, golas, acabamentos em renda.

Ícones de estilo: Brigitte Bardot deixou o look sensual ultra fashion: seu penteado desgrenhado e asas pretas brilhantes foram copiados por toda parte. Jacqueline Kennedy conciliou tendências e clássicos atemporais em seus looks estilosos e serviu de modelo de elegância para milhares de mulheres de todo o mundo.

Década de 1970: subculturas juvenis escolhem seus heróis

O boom do jeans está varrendo o mundo: o jeans azul e azul escuro, rasgado e desgastado está no auge da popularidade. Seguindo o crescente movimento hippie, os costureiros estão se voltando para o folclore e a etnia. O estilo unissex está ganhando espaço - homens e mulheres se vestem com coisas iguais, simples e confortáveis. A música atual dita seu próprio código de vestimenta - é assim que surge o estilo disco. O punk chocante - o estilo da juventude rebelde - foi adotado por Vivienne Westwood. Novos centros de moda estão surgindo - por exemplo, Giorgio Armani, Gianni Versace e a família Missoni apresentaram suas coleções na primeira Milan Fashion Week.

Designer de moda: Yves Saint Laurent deu à moda um smoking feminino, uma blusa transparente, estilo safári, estampas abstratas, motivos africanos e muito mais. "Japonês em Paris" Kenzo Takada atuou como um apologista da sensualidade asiática e do estilo de rua. Sonia Rykiel fez um vestido suéter com malhas finas para ela cartão de visitas e Oscar de la Renta abriram uma marca exclusiva em Nova York.

Estilos: gola alta, camisas, jeans, calças boca de sino, vestidos de verão, suéteres de malha, cardigãs, chapéus, ponchos, bolsas de lona, ​​bugigangas, macacões.

Tecidos e decoração: linho, algodão, lã, seda, jeans, cores vivas, padrões coloridos, bordados, padrões orientais e florais, perolização.

Ícones de estilo: Jane Birkin chocou o público com roupas reveladoras, por exemplo, um vestido de malha usado sobre o corpo nu. A modelo Lauren Hutton demonstrou como se vestir no estilo safári no dia a dia, e Jerry Hall era fã do estilo disco e aconselhou adicionar glamour a qualquer look.

Década de 1980: a era das mulheres fortes

A mulher de negócios é o novo ideal da época. Os designers criam um guarda-roupa completo de peças independentes e mulher de sucesso. E vão além, apresentando looks provocantes e sensuais que comprovam o poder que o chamado sexo mais fraco tem sobre os homens.

Designer de moda: Karl Lagerfeld torna-se diretor criativo da Chanel em 1983 e lança a primeira linha de pronto-a-vestir da casa. Os designers japoneses Yohji Yamamoto e Rei Kawakubo estão se declarando uma direção completamente nova na moda - o desconstrutivismo, que transforma e quebra as silhuetas usuais das roupas.

Estilos: calças clássicas com pregas, jaquetas e smokings com ombros acolchoados, vestidos justos, vestidos e suéteres com mangas dólman, jaquetas e gabardinas de couro, leggings, tops corpete, couro mini e midi, sapatos plataforma, botas over the knee.

Tecidos e decoração: couro, mohair, veludo, veludo cotelê, camurça, seda, cetim, viscose; tons ricos e neon, estampas de animais, listras verticais.

Ícones de estilo: Grace Jones, que não traiu sua infância cabelo curto e roupas de couro. Madonna e sua imagem agressivamente sexual.

Década de 1990: Minimalismo, teatralidade e estilo de rua

O mundo da moda está dividido em dois campos. A primeira defende os princípios do minimalismo, que entrou na indústria com a coleção Jil Sander. O segundo segue com entusiasmo as experiências malucas de Alexander McQueen e Jean-Paul Gaultier e apoia o seu frenesim pela alta-costura. O mercado de massa está se espalhando pelo mundo, penetrando até na URSS - já em colapso, mas ainda fechado. O estilo esportivo, o grunge e o punk são relevantes para os jovens de todo o mundo.

Estilistas de moda: Marc Jacobs apresenta coleção grunge na Fashion Week em nome da marca Perry Ellis. John Galliano choca a crítica com seus espetáculos teatrais. Calvin Klein está trazendo a androginia de volta à moda.

Estilos: Camisetas, pulôveres, jaquetas jeans, jeans de cintura baixa, saias jeans, vestidos de verão com alças finas, moletons e moletons, tênis e tênis, botas ásperas.

Tecidos e decoração: algodão, jeans, couro, flanela, viscose, chiffon, todas as cores, estampas com logos e nomes de empresas famosas.

Ícones de estilo: As supermodelos Linda Evangelista, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Christy Turlington, Claudia Schiffer e Kate Moss, que se tornaram não apenas rostos da época, mas modelos para milhões de pessoas.