Z historii mody w carskiej Rosji. Moda damska początku XX w. Moda dziecięca

Charakterystyczna dla XIX wieku sztuczna sylwetka (uformowana przez bieliznę strukturalną) ustąpiła miejsca nowym formom XX wieku, które podążały za kształtami kobiecego ciała, starając się podkreślić jego wyjątkowość.
Marcel Proust w swoich „Wspomnieniach straconego czasu” słusznie zauważył, że to na początku XX wieku całkowicie zmieniła się struktura ubioru kobiecego.
Do I wojny światowej kobiety pozostawały tajemnicze, a kobieca nagość nie była w modzie.

W drugim etapie, który trwał nieco dłużej, od 1901 do 1905 roku, ramiona uzyskały normalną szerokość, rozciągnięta część rękawa przesuwała się ku dołowi i przy zginaniu ramion tworzyła bufki.

Jedną z charakterystycznych dla tego okresu innowacji był wygląd sylwetki w kształcie litery S, która wyróżnia się podkreśleniem talii poprzez uformowanie obszernego, wystającego biustu i puszystego tyłu sukienki,w tym samym czasie wypukłość brzucha została zniszczonaFirmy produkujące bieliznę oferują kobietom kilka opcji gorsetów, które pomogą im uzyskać pełen wdzięku, szczupła talia zgodnie z modą (w skrajnych przypadkach sięgający nawet 37 cm!)

Zmiany kształtu i rozmiaru gorsetów damskich na przestrzeni 16 lat, przełom XIX i XX w.

Sukienki domowe miały cechy Empire i plisy a la Watteau.

W 1905 roku Jeanne Paquin stworzyła kolekcję obejmującą sukienki z wysokim stanem, co stanowiło poważne odejście od tradycji.

W 1906 roku ukazała się jej kolekcja w stylu japońskim.

Trzeci etap, krótszy, trwał od 1905 do 1907 roku.rękawy o tym samym kształcie co w 1900 r., z rozszerzonymi bufiastymi ramionami; później zaczęły przybierać najbardziej fantastyczne formy. Talia była nadal tak ciasno ściągnięta, jak to możliwe, wybrzuszenie bioder stało się bardziej umiarkowane.

Spódnicę skrócono, aby odsłonić czubek buta, a rąbek spódnicy stał się mniej ozdobny. Dodatkowo sylwetka stopniowo wracała do pozycji pionowej.

W roku 1906, w epoce edwardiańskiej, moda wchłonęła gusta angielskiej arystokracji tamtych lat, nabierając prostszej, neoklasycznej sylwetki.

Był bardziej szanowany w nawiązaniu do francuskiej secesji, a jego czarno-biała i pasiasta kolorystyka podkreślała wydłużenie i geometryczność.

Pierwszym projektantem mody, który nie był tylko krawcem, był (Charles Frederick Worth) (1826-1895). Zanim były Draper stworzył w Paryżu swój Dom Mody „Maison of Fashion”, tworzeniem mody i inspiracji zajmowały się w dużej mierze nieznane osoby, a haute couture wyewoluowało ze stylu noszonego na dworach królewskich. Sukces ceny był taki, że był w stanie dyktować swoim klientom, w co powinni się ubrać, zamiast podążać za ich przykładem, jak robili to wcześniej krawcy.

To właśnie w tym okresie wiele domów projektowych zaczęło zatrudniać artystów do rysowania lub pisania projektów odzieży. Tylko obrazy można zaprezentować klientom znacznie taniej niż wyprodukowanie rzeczywistej próbki odzieży w warsztacie. Jeśli klientowi spodobał się projekt, zamawiał go, a powstałe ubrania zarabiały dla domu. W ten sposób zapoczątkowana została tradycja projektantów odzieży szkicujących projekty zamiast przedstawiania gotowych ubrań na modelach klientów.

Początek 20 wieku

Na początku XX wieku praktycznie cała moda wywodzi się z Paryża i, w mniejszym stopniu, z Londynu. Magazyny modowe z innych krajów przesyłane do redakcji przedstawiają modę paryską. Domy towarowe wysyłały kupujących na paryską wystawę, gdzie kupowały ubrania do kopiowania (i otwarcie kradły innym styl linii i szczegóły wykończenia). Zarówno w salonach szytych na miarę, jak i w działach prêt-à-wear, prezentowane są najnowsze paryskie trendy, dostosowane do założeń sklepów dotyczących życia i portfeli docelowych klientów.

wawa Na początku XX wieku magazyny modowe zaczęły zamieszczać zdjęcia i zyskały jeszcze większy wpływ niż dawniej. W miastach na całym świecie czasopisma te cieszyły się dużym zainteresowaniem i wywarły ogromny wpływ na gusta społeczne. Utalentowani ilustratorzy – wśród nich Paul Iribe, Georges Lepape, Erte i George Barbier – narysowali do tych publikacji wspaniałe tablice modowe, które przedstawiają najnowsze osiągnięcia w świecie mody i urody. Być może najbardziej znanym z tych magazynów była La Gazette Du Bon Ton, założona w 1912 roku przez Luciena Vogela i wydawana regularnie do 1925 roku (z wyjątkiem lat wojny).

1900

Stroje noszone przez fashionistek Belle Epoque (ery, w której nazywano styl francuski) były uderzająco podobne do tych noszonych przez pioniera mody Charlesa Wortha w czasach rozkwitu mody. Pod koniec XIX wieku horyzonty w branży modowej ogólnie się poszerzyły, częściowo z powodu bardziej mobilnego i niezależnego stylu życia, jaki zaczęło przyjmować wiele zamożnych kobiet, oraz praktycznego ubioru, jakiego wymagały. Jednak moda La Belle Epoque nadal zachowała wyrafinowany, miękki styl w kształcie klepsydry z XIX wieku. Kobieta, która nie jest jeszcze modna, sama (lub potrafi) ubrać się lub rozebrać, bez pomocy osób trzecich. Ciągła potrzeba radykalnych zmian, które są obecnie niezbędne, aby moda przetrwała w istniejącym systemie, była dosłownie nie do pomyślenia.

Rzucające się w oczy marnotrawstwo i rzucająca się w oczy konsumpcja zdefiniowały modę dekady, a stroje ówczesnych projektantów były niezwykle ekstrawaganckie, złożone, ozdobne i starannie wykonane. Zakrzywiona sylwetka S-Bend dominowała w modzie aż do około 1908 roku. Gorset S-Bend był bardzo ciasno koronkowy w talii, przez co wypychał biodra do tyłu, a obniżone piersi jednoczęściowe wypychały do ​​przodu w akcję niezadowolonego gołębia tworzącego kształt litery S. Pod koniec dekady modna sylwetka stopniowo stawała się nieco prostsza i szczuplejsza, co częściowo można wytłumaczyć wysoką talią Paula Poireta w krótkiej spódnicy z linii odzieży Directory.

Maison Redfern jako pierwszy dom mody zaoferował kobietom garnitur wzorowany bezpośrednio na swoim męskim odpowiedniku, a niezwykle praktyczny i elegancki ubiór szybko stał się niezbędnym elementem garderoby każdej dobrze ubranej kobiety. Kolejnym istotnym elementem dobrze ubranej kobiety był designerski kapelusz. Modne wówczas kapelusze to albo małe słodycze umieszczane na czubku głowy, albo duże i szerokie rondy, obszyte wstążkami, kwiatami, a nawet piórami. Parasolki nadal służą jako dodatki dekoracyjne, a latem obsypane koronką dodadzą całości wyrafinowanej urody.

1910

Na początku lat 1910-tych modna sylwetka stała się znacznie bardziej elastyczna, płynna i miękka niż w latach 1900-tych. Kiedy w 1910 roku Ballets Russes wystawili w Paryżu Szeherezade, nastąpił szał na orientalizm. Couturier Paul Poiret był jednym z pierwszych projektantów, którzy przenieśli tę modę na świat mody. Klientki Poireta natychmiast przekształciły się w harem dziewcząt w zwiewnych pantalonach, turbanach i jaskrawych kolorach oraz gejsze w egzotycznych kimonach. Paul Poiret zaprojektował także pierwszy strój, który kobiety mogły nosić bez pomocy pokojówki. W tym czasie zaczął się rozwijać ruch Art Deco, którego wpływ był widoczny w projektach wielu ówczesnych projektantów. Po prostu fedory, turbany i chmurki tiulu zastąpiły popularne w XX wieku style nakryć głowy. Należy również zauważyć, że w tym okresie zorganizowano pierwsze prawdziwe pokazy za sprawą pierwszej kobiety-couturier, Jeanne Paquin, która była także pierwszą paryską projektantką, która otworzyła zagraniczne oddziały w Londynie, Buenos Aires i Madrycie.

Dwa z najbardziej wpływowych trybów światła odbitego. Jego szanowni klienci nigdy nie stracili zamiłowania do jego płynnych linii i delikatnych, przezroczystych materiałów. Przestrzegając imperatywów, które niewiele pozostawiały wyobraźni projektanta mody, Doucet był jednak projektantem o ogromnym guście i wyrafinowaniu, tej roli próbowało wielu, ale rzadko przy takim poziomie sukcesu Doucet.

Madrazo weneckiego projektanta Mariano Fortuny’ego miało ciekawą sylwetkę, z nielicznymi podobieństwami w każdym wieku. Do swojego projektu ubioru opracował specjalny proces plisowania i nowe metody barwienia. Nadał nazwę Delphos swoim długim, obcisłym sukienkom z kolorowymi falami. Każde ubranie zostało wykonane z jednego kawałka najlepszego jedwabiu, a jego niepowtarzalny kolor uzyskano poprzez wielokrotne zanurzanie w barwnikach, których odcienie nawiązywały do ​​światła księżyca lub wodnego odbicia laguny weneckiej. Słoma bretońska, koszenila meksykańska i indygo Daleki Wschód to tylko niektóre ze składników używanych przez Fortunę. Wśród jego licznych wielbicieli byli Eleanor Duse, Isadora Duncan, Cleo de Merode, markiza Casati, Emilienne d'Alencon i Lian de Pougy.

Nowe życie

radziecki moda została uformowana i pomaszerowała naprzód własną, specjalną trasą. Został stworzony przez utalentowanych profesjonalistów, którzy przetrwali lata zniszczeń i krwawego terroru, a poprawiany i kierowany przez funkcjonariuszy partyjnych i funkcjonariuszy bezpieczeństwa państwa. składała się z kunsztu krawców ubiegłego stulecia i nowatorskich pomysłów artystów młodego kraju Sowietów, z modeli ubiorów tworzonych przez specjalistów przeszkolonych na sowieckich uniwersytetach, z odzieży masowej produkowanej przez liczne fabryki odzieżowe, z sowieckich magazyn modowy z bratnich magazynów modowych legalnie wjeżdżających do kraju republiki socjalistyczne i burżuazyjnych wydawnictw zachodnich, które przybyły do ​​ZSRR zza „żelaznej kurtyny”, z opowieści osób przyjeżdżających za granicę, od krajowych rzemieślniczek kopiujących ubrania, które przywiozły „stamtąd”, od naśladownictwa wizerunków kina radzieckiego i zagranicznego .

Październikowa rewolucja socjalistyczna, która zniosła klasy szlachty i burżuazji oraz ustanowiła nowy skład społeczny społeczeństwa, nieuchronnie wpłynęła na kształtowanie się mody w kraju sowieckim, w którym nie było już miejsca na luksusowe toalety. Lud pracujący młodego kraju Sowietów musiał wyglądać tak, jak przystało na budowniczego nowego społeczeństwa, chociaż nikt nie wiedział dokładnie jak, a każdy, komu przeznaczone było przetrwać rewolucję październikową, musiał po prostu dostosować się do surowych cech wojska i wojska. praca cywilna i życie pierwszych lat porewolucyjnych.

Na ulicach miasta pojawili się mężczyźni i kobiety w skórzanych kurtkach komisarskich, skórzanych czapkach i żołnierskich tunikach, przepasanych skórzanymi pasami. Satynowe koszule noszone do miejskich marynarek stały się najpopularniejszą odzieżą męską. Kobiety ubrane były w suknie płócienne, proste spódnice z żołnierskiego materiału, perkalowe bluzki i marynarki materiałowe. Tuniki męskie, które przeniosły się do damskiej garderoby, podkreślały równość praw sowieckich kobiet i radzieckich mężczyzn.

Znakiem nowych porewolucyjnych czasów stała się czerwona chusta – symbol wyzwolenia kobiety, teraz zaciągnięta na czoło i zawiązana z tyłu głowy, a nie, jak to było dawniej tradycyjnie, pod brodą. Obuwie męskie i damskie składało się z botków, butów, płóciennych pantofli i butów gumowych.

Członkowie Komsomołu zakładali „Jungsturm” – paramilitarny strój zapożyczony od niemieckiej młodzieżowej organizacji komunistycznej „Red Jungsturm”, będący tuniką lub kurtką w różnych odcieniach zieleni, z wywijanym kołnierzem i naszywanemi kieszeniami, noszonym z paskiem i mieczem pasek i czapkę na głowę. Dziewczęta nosiły młode buty szturmowe z prostą spódnicą ciemny kolor. Na podstawie Młodej Burzy opracowano jednolity mundur dla członków Komsomołu. Jak napisała gazeta „Krasnaja Zwiezda”: „Komitet Centralny Komsomołu zaleca, aby organizacje lokalne wprowadziły w drodze dobrowolności ujednoliconą formę Komsomołu. Jako próbkę należy wziąć mundur moskiewskiego Komsomołu - khaki (ciemnozielony). Komitet Centralny uważa za pożądane wprowadzenie tej formy we wszystkich organizacjach miejskich do XIV Międzynarodowego Dnia Młodzieży.

Rzeczy robiono z płótna, grubego lnu, perkalu, sukna żołnierskiego, flaneli, waty, grubej wełny. Począwszy od lat 1921-1922, kiedy ogłoszono w kraju przejście do Nowej Polityki Gospodarczej (NEP) i rozpoczął się proces odbudowy przedsiębiorstw tekstylno-odzieżowych, pojawiły się pierwsze tkaniny z drukowanymi wzorami, głównie bawełniane - perkal, satyna, flanela.

Jednym z pierwszych kostiumów produkowanych masowo był mundur Armii Czerwonej. W 1918 roku powołano specjalną komisję do opracowania munduru Armii Czerwonej i ogłoszono konkurs na najlepsze przykłady ubioru wojskowego, w którym wzięli udział tacy artyści jak Wiktor Wasniecow i Borys Kustodiew. Podstawą munduru Armii Czerwonej był rosyjski kostium historyczny. Rok później jako nowy mundur zatwierdzono hełm, płaszcz, koszulę i skórzane łykowe buty. Charakterystyczne dla starożytnych mundurów wojskowych obszycie dziurki na guziki sąsiadowało z czerwonymi mankietami, kołnierzami i gwiazdą na hełmie, która powtarzała starożytną rosyjską formę sholom z aventailem, podkreślając w ten sposób heroizm i romantyzm obrazu. Nowy hełm Armii Czerwonej, który wkrótce został nazwany hełmem Budenovki, istniał do początku Wielkiej Wojny Ojczyźnianej.

Wydawałoby się, że straszny, krwawy upadek starego świata i bolesna budowa nowego powinny były skazać na zagładę takie zjawisko jak moda. Po co i komu to potrzebne w kraju sowieckim? Ale wbrew wszystkiemu lata 20 Wiek XX stał się jednym z najciekawszych okresów w historii mody domowej.

W carskiej Rosji końca XIX w. w produkcji gotowych sukienek prym wiodą Moskwa, Petersburg, Kijów, Niżny Nowogród i Kazań. Odzież produkowali głównie rzemieślnicy z małych warsztatów. Dużych przedsiębiorstw szwalniczych było niewiele. Realizowali głównie zamówienia rządowe, produkując umundurowanie, wyposażenie i bieliznę dla jednostek wojskowych i inżynieryjnych. Ale ponadto wielu producentów państwowych wyrobów odzieżowych było właścicielami znanych sklepów z gotową odzieżą, obuwiem i galanterią.
Największymi zakładami produkującymi odzież w Rosji były: partnerstwo „Mandl i Reitz”, który oprócz fabryki miał dom handlowy gotowych sukienek na Twerskiej (po nacjonalizacji przedsiębiorstwa - fabryka nr 31 trustu Mosshvey, następnie Doświadczalna Fabryka Techniczna im. K. Zetkina, a w 1930 „CNIISHP” – Centralny Instytut Badawczy Przemysłu Odzieżowego, istniejący do dziś); „Dom handlowy K. Thiel and Co”, która zrzeszała fabryki skór i lakierów, siodła wojskowego, amunicji i mundurów, filcu, rękawiczek, wyrobów pończoszniczych, która po bankructwie w 1912 roku przeszła do moskiewskiej spółki akcyjnej „Dostawca” (znacjonalizowanej w 1918 r. i przemianowanej na „Czerwony Dostawca”, następnie która przekształciła się w Moskiewską Fabrykę Filcu Technicznego i Moskiewskie Stowarzyszenie Fulling and Felt (obecnie ZAO Horizont); „Partnerstwo manufaktur Timofeya Katsepova i synów”- przedsiębiorstwo przemysłowe o solidnym obrocie gotówkowym, od 1930 roku zostało przekształcone w Fabrykę Filcu Woskresensk im. 9 stycznia (nowoczesne JSC „Fetr”).
Były duże firmy z gotową odzieżą i bielizną: dom handlowy „M. i ja Mandl”, dom handlowy „Bracia N. i F. Petuchow” na Ilyince; legendarna spółka handlowo-przemysłowa „Mur i Meriliz”, będąca właścicielem jednego z najsłynniejszych domów towarowych w Moskwie na Petrovce, sprzedająca odzież, obuwie, biżuterię, perfumy, artykuły gospodarstwa domowego (znacjonalizowana w 1918 r., od 1922 r. Centralny Dom Towarowy TSUM); Pasaż Pietrowski, położony pomiędzy ulicami Pietrowka i Neglinnaja, należał do Wiery Iwanowna Firsanowej, następczyni słynnego moskiewskiegodynastia kupiecka Firsanowów. Pasaż zgromadził pod swoimi łukami ponad pięćdziesiąt różnych pawilonów handlowych, w tym sklepy znanych domów handlowych: „Markuszewicz i Grigoriew. Tkaniny jedwabne i wełniane”, „Wikula Morozow, Konszyn i synowie”, „Weselkow i Taszyn - modne materiały na sukienki damskie", "Louis Kreutzer" - bielizna i krawaty", „Matilda Barish - gorsety i parasolki” itp. Dużymi ośrodkami handlowymi były pasaż Popowa na Moście Kuznieckim, pasaż Postnikowa na ulicy Twerskiej, pasaż Lubyański na Łubiance, sklep z towarami jedwabnymi braci Sapożnikowów na Iljince, domy handlowe Ludwiga Knopa, K. Malyutina i jego synowie i wiele innych. Jedna z odnoszących największe sukcesy firm produkujących bieliznę była firma „Bracia Alschwang” oraz dom handlowy przy ul. Nikolskiej „Kandyrin i Spółka”, do którego należała fabryka bielizny. Słynne sklepy z odzieżą męską w przedrewolucyjnej Moskwie - „Aye” na Tverskaya, „Bracia Alekseev” na Rozhdestvence, „Bracia Chistyakov” na placu Lubyanskaya, „Dellos” na Sretence, „Georges” na Tverskaya, „Duchar”, „Smith i Synowie” na Kuznetsky Most. Modną odzież damską produkowały i sprzedawały „Miasto Lyon” na Łubiance, „Louis Kreutzer” i „Madame Josephine” na Petrovce itp.
Wielu rosyjskich producentów tkanin zasłynęło nie tylko w swoim kraju, ale zyskało popularność na całym świecie. Szczególnie udaną produkcją była manufaktura Trekhgornaya, założona przez kupca Wasilija Prochorowa, stąd jej druga nazwa - Prochorowska (po rewolucji została znacjonalizowana, w 1936 r. nadano jej imię F. E. Dzierżyńskiego); Iwanowo-Woznesenskie manufaktury Graczewów, Garelinów, Iwana Jamanowskiego, Diodora Burylina i innych.Słynna manufaktura perkalu „Emil Tsindel w Moskwie” działała do 1915 roku. W czasach sowieckich przedsiębiorstwo to zaczęto nazywać „Pierwszą Fabryką Druku Calico”. Największymi przedsiębiorstwami tekstylnymi były manufaktury Morozowa. Największym przedsiębiorstwem Morozowa jest fabryka Nikolskaya w Orekhovo-Zuevo. Znane manufaktury tamtych czasów - fabryki Alberta Gübnera, Michaiła Titowa, fabryka Thorntona w Petersburgu, Krushe i Endera, Michajłow i Syn, P. Malyutin i Synowie itp. Odegrała nieocenioną rolę w wyposażeniu wielu tekstyliów przedsiębiorstw w Moskwie, ówczesne biuro barona Ludwiga I. Knopa. Jego główną działalnością jako przedstawiciela angielskiej firmy De Jersey była dostawa nowoczesnego sprzętu tekstylnego z Niemiec, Francji i Anglii do Rosji. Wyroby rosyjskich manufaktur eksportowano i ceniono na całym świecie. W przedrewolucyjnej Rosji noszenie gotowej sukienki było uważane za osobę o ograniczonych środkach; bogaci woleli zamawiać ubrania. Szycie w domu to długa i szanowana tradycja Imperium Rosyjskie i był uważany za ważny element edukacji kobiet.
Absolwenci szkół krawieckich i krawieckich oraz klas rzemieślniczych otrzymywali certyfikaty uprawniające do pracy w charakterze krojarzy, otwartych szkół prywatnych i kursów szycia. W jednym z takich warsztatów krawieckich popularnej wówczas moskiewskiej modystki Madame Voitkevich, po ukończeniu szkoły krawiectwa i szycia O. Saburovej, podjęła pracę młoda krojarka Nadya Lamanova, która później stała się najsłynniejszą krawcową w carskiej Rosji. Wybitne osiągnięcia w dziedzinie projektowania odzieży uczyniły Lamanovę postacią numer jeden w historii krajowego projektowania odzieży. Nadieżda Łamanowa położyła podwaliny pod modelowanie radzieckie. Mottem kreatywności projektantów mody do dziś jest słynna formuła Lamanovej – cel, wizerunek, tkanina.
W 1885 roku Lamanova otworzyła swój warsztat w domu Adelgeima przy Bolszai Dmitrowce. Legendarny Nadieżda Łamanowa, przed rewolucją dostawca na Dwór Cesarski, „ubierał” rodzinę królewską, elitę arystokratyczną i artystyczną. Po rewolucji nie tylko projektowała modele dla żon wysokich urzędników, ale także tworzyła modę masową. Wykonywała kostiumy do filmów Eisensteina i Aleksandrowa oraz do wielu sowieckich przedstawień teatralnych. Jej klientami były Vera Kholodnaya, Maria Ermolova, Olga Knipper-Czechowa. W jej domu swoje pokazy organizował wielki francuski projektant mody Paul Poiret. Po rewolucji modelki Lamanowej, która nadal pracowała jako radziecka projektantka mody, zdobywały nagrody na międzynarodowych wystawach, ubrania Lamanowej pokazywały muza Władimira Majakowskiego Lilya Brik, jej młodsza siostra, francuska pisarka Elsa Triolet i aktorka Alexandra Khokhlova. Przedrewolucyjna Rosja mogła poszczycić się mnóstwem domów mody, pracowni i warsztatów. W samym Petersburgu w XX wieku było ich ponad 120. Słynnym domem mody w Petersburgu był Dom Brisaca, który był dostawcą dworu i pracował wyłącznie dla rodziny cesarskiej, obsługując wielkie księżne i dworskie damy dworu. Na najwyższe polecenie cesarzowej Dom Brisaca mógł służyć dwóm klientom, którzy nie należeli do dworu - baletnicy Annie Pavlovej i piosenkarce Anastazji Vyaltsevej.
Kolejnym dużym domem mody w Petersburgu z XX wieku był Dom Hindusów. Anna Grigorievna Gindus studiowała w Paryżu w firmie słynnej francuskiej projektantki mody Madame Paquin, z którą później utrzymywała kontakt.

Trzecim głównym domem mody był Dom Olgi Buldenkowej, który był także dostawcą na dwór cesarski. Jej obszarem działania były specjalne stroje mundurowe, regulowane przez Statut Sądu, zatwierdzony specjalnym dekretem cesarskim jeszcze w latach trzydziestych XIX wieku.

Oprócz dużych domów moda Działało ponad sto małych domów i pracowni mody, które realizowały zarówno indywidualne zamówienia, jak i produkowały kolekcje seryjne. Ale żaden z rosyjskich domów nie organizował pokazów mody. W 1911 roku Paul Poiret sprowadził swoją kolekcję do Petersburga. A pierwszy pokaz mody odbył się w Petersburgu w 1916 roku.

Nowa era, która nadeszła, w dużej mierze zmieniła zarówno sam kostium, jak i podejście do mody. W drugiej dekadzie XX wieku, po I wojnie światowej, na całym świecie nastąpiło uproszczenie ubioru i przejście do masowej, przemysłowej produkcji odzieży, której początki w dużej mierze wiązały się z ugruntowaną produkcją mundurów wojskowych. Jednak w Rosji Sowieckiej na ten globalny trend nałożyła się rola ideologii socjalistycznej.

W 1923 r. Utworzono „Centrum Rozwoju Nowego Kostiumu Radzieckiego”, przemianowane później na „Atelier Mody”, którego oficjalnym dyrektorem była Olga Senicheva-Kashchenko. W jednym z wywiadów Olga Senicheva opowiedziała, jak w „Moscowswing” ona, szesnastoletnia dziewczyna, otrzymała dokumenty do pożyczki i zobowiązała się do pokrycia kosztów „Atelier Mody” - remontu lokalu (na Petrovce 12, obecnie Salon Sztuki) w ciągu półtora roku i tkaniny zdobyte do pracy. Nowe centrum moda rozdawał materiały skonfiskowane z magazynów, których właściciele w czasie rewolucji uciekli za granicę. Pracownia dysponowała brokatem, aksamitem i jedwabiem. Piękne tkaniny, przechowywane w wilgotnych magazynach, uległy znacznemu zniszczeniu, dlatego część z nich postanowiono wykorzystać na zasłony i tapicerkę w przedpokoju, w którym planowano zaprezentować modele odzieży. Po pierwsze, aby zwrócić państwu wszystkie pieniądze przekazane na kredyt, w pierwszej radzie „Pracownia mody” zaczęli tworzyć modele nie z perkalu i lnu, ale z brokatu i aksamitu dla Nepmenów, aby później mogli rozwijać modę masową i tworzyć modele odzieży dla ludzi pracy. Na pierwsze pokazy mody zaproszono elitę partyjną, gwiazdy i liderów przemysłu lekkiego.

• W eksperymentalnym „Atelier mody” wraz z Nadieżdą Łamanową, która kierowała pracą twórczą, pracowali tak wybitni artyści jak Wiera Mukhina, Aleksandra Ekster, Nadieżda Makarowa (siostrzenica Lamanowej) i specjalistka od sztuki użytkowej Evgenia Pribylskaya. ukazał się numer magazynu Atelier, w którym wzięło udział wielu znanych artystów.

• W 1923 r. Na Pierwszej Ogólnorosyjskiej Wystawie Artystycznej i Przemysłowej modele opracowane w Pracowni Mody przez N. Lamanową, E. Pribylską, A. Extera, V. Mukhinę otrzymały nagrody.

• Modele Nadieżdy Łamanowej i Wiery Muchiny, wystawione na Wystawie Światowej w Paryżu w 1925 roku, otrzymały Grand Prix za tożsamość narodową w połączeniu ze współczesnymi trendami mody. Do każdego modelu ubioru koniecznie dołączono nakrycie głowy, torbę i biżuterię wykonaną ze sznurka, sznurka, słomy, haftowanego płótna oraz koralików z muszli i kamieni.

Pracownia eksperymentalna, istniejąca zaledwie kilka lat, nie zrealizowała w pełni swojej głównej misji, jaką było tworzenie próbek odzieży do masowej produkcji i realizacja indywidualnych zamówień ludności. Jednym z największych zamówień rządowych w 1923 roku było opracowanie munduru wyjściowego dla Armii Czerwonej. Aby zarobić pieniądze, atelier funkcjonowało jako kosztowna pracownia krawiecka na zamówienie, skierowana do aktorek, dla których zapewniano specjalne zniżki, oraz ludzi zamożnych. Nad stworzeniem modeli pracowało dziesięciu projektantów i dziesięciu artystów. Modele uszyły stu pięćdziesięciu pracowników 26. fabryki trustu Moskvoshvey. Szycie jednej sukienki trwało średnio dwadzieścia dni, a praca samych rzemieślników kosztowała sto rubli za każdy model. Była tak droga, że ​​nawet dwa lata po otwarciu wiele sukienek nadal nie zostało sprzedanych.

W 1923 roku pierwszy radziecki krajowy magazyn modowy„Atelier”, powstałe w innowacyjnym „Atelier Maud”. W redakcji określono główny cel i zadania: „Aktywne i niestrudzone dążenie do identyfikacji tego wszystkiego, co twórczo piękne, co zasługuje na największą uwagę w obszarze kultury materialnej”. O wielkości pomysłu przesądziła dopiero lista gwiazd, które zgodziły się na współpracę w magazynie. Wśród gwiazd są artyści Jurij Annenkow, Borys Kustodiew, Kuzma Petrov-Vodkin, Aleksander Golovin, Konstantin Somov, Igor Grabar, rzeźbiarz Vera Mukhina, poetka Anna Achmatowa, historyk sztuki Nikołaj Punin i wielu innych. Magazyn ilustrowano wstawkami z kolorowymi rysunkami.

Na stronach zaczęły pojawiać się nazwiska artystów magazyn modowy XX wieku, kiedy sztuka ilustracji modowej przeżywała swój rozkwit. W 1908 roku w Moskwie zaczęło ukazywać się czasopismo artystyczne. magazyn modowy, rękodzieło, gospodarstwo domowe „Paryskie” z frontyspisem artysty Mścisława Dobużyńskiego. Okładka nowego wydania została specjalnie zamówiona przez Konstantina Somowa, lecz ze względów technicznych magazyn zaczął ukazywać się w nowej okładce dopiero w 1909 roku. Okładkę magazynu o modzie męskiej „Dendy” wykonał Viktor Zamirailo, a rysunki przedstawionych na niej modeli wykonali znani petersburscy graficy Alexander Depaldo i Alexander Arnshtam. Zamierzała także rozpocząć wydawanie Magazynu dla Pań. W 1915 roku słynna petersburska krawcowa Anna Gindus próbowała wdrożyć podobne plany. W tym samym czasie architekt Iwan Fomin zaczął także wydawać magazyn o pięknym życiu zatytułowany „Lustro”. Plany te, i to nawet częściowo, miały zostać zrealizowane dopiero w latach dwudziestych XX wieku.

Pierwszy radziecki magazyn modowy miał zwracać szczególną uwagę na „szczegółowe opracowanie pytań dotyczących nowego stroju kobiecego”, a także odzwierciedlać „całą różnorodną twórczość Atelier Maud”, a ponadto zapoznawać czytelników z nowościami z dziedziny sztuki , teatru i sportu.

W magazynie ukazał się artykuł artystki Alexandry Ekster „O konstruktywnych ubraniach”, odzwierciedlający główny kierunek rozwoju modelingu w tamtym czasie – prostotę i funkcjonalność. „Przy wyborze formy ubioru – pisała autorka – „należy brać pod uwagę naturalne proporcje sylwetki; Odpowiednio projektując odzież, możesz mieć pewność, że będzie ona dopasowana do kształtu i rozmiaru Twojej sylwetki. Odzież robocza powinna zapewniać swobodę ruchów, a więc nie może być obcisła. Jednym z głównych wymagań stawianych takiemu kombinezonowi jest łatwość użytkowania.” Exter zwracał szczególną uwagę na dobór tkanin, sugerując, że projektując konkretną formę garnituru, powinniśmy kierować się właściwościami plastycznymi materiału. Dlatego jej zdaniem przy tworzeniu modeli z grubej wełny pionowe fałdy są niewłaściwe, a miękka wełna o dużej szerokości, wręcz przeciwnie, pozwoli stworzyć złożoną, obszerną sylwetkę. Exter zaprojektował złożony, wielofunkcyjny komplet przypominający japońskie kimono, wykorzystując różne materiały w kontrastujących kolorach. Kolejny zestaw indoor/outdoor składał się z koszulowej sukienki z rozcięciami po bokach, obszytej aplikacją. Okładkę magazynu Atelier ozdobił szkic autorstwa Alexandry Ekster, wydłużona sylwetka modelki ubranej w outdoorową pelerynę z jasnoniebieskiej tafty jedwabnej, bez szwów, z powiększonym kołnierzem. Na głowę zakłada małą, obcisłą czapkę z pomponem.

W pierwszym numerze „Atelier” pojawił się także słynny szkic sukni pączkowej autorstwa Very Mukhiny. Słynny rzeźbiarz został tu przedstawiony jako projektant mody. Zaproponowana przez nią sukienka została sklasyfikowana jako „różnorodna”. Puszyste draperie białej, materiałowej spódnicy przypominały płatki kwiatów. Elegancka sylwetka kobieca w czerwonym kapeluszu z szerokim rondem i z laską w dłoni była wspomnieniem rokoka, połączona z motywami suprematyzmu.

Na stronach pierwszego numeru „Atelier” znalazło się mnóstwo fotografii moskiewskich aktorek i modelek w luksusowych toaletach, nie gorszych od francuskich strojów. Ze zdjęć zamieszczonych w czasopiśmie wynika, że ​​kolekcja z lat 1922–1923, mimo trudności ekonomicznych, wykonywana była z drogich tkanin. Literacko-dziennikarskie refleksje na temat współczesności moda reżyser i dramaturg Nikołaj Jewreinow („Wizerunek paryżanki 1923”), rosyjski filantrop Władimir von Meck, który po rewolucji pracował nad tworzeniem szkiców scenografii i kostiumów w Teatrze Małym („Kostium i rewolucja”) , M. Yuryevskaya („Kostium i rewolucja”), rozkoszowała się łamami magazynu. O wpływie tańca na modę”).

Jako uzupełnienie artykułu Jurjewskiej artyści Atelier zaproponowali model „różnorodnej sukni do tańców ekscentrycznych”, wykonanej z czarnego aksamitu i tafty, z długim trenem („ogonem”). W talii przewiązany szerokim pasem z pomarańczowego futra, na ramieniu pomarańczowa wstążka pasująca do futra, a nakrycie głowy z czarnego jedwabiu ze stojącymi pawimi piórami.

Magazyn Atelier ukazał się w nakładzie 2000 egzemplarzy i odniósł ogromny sukces. Jak napisała redaktor naczelna Olga Senicheva: „Czytelnikom brakuje artystycznych, pięknie zaprojektowanych publikacji. Papier powlekany, dobry druk, kolorowe ilustracje i co może najważniejsze: nietypowy jak na tamte czasy temat - moda– przyciągnął wielu, a nakład szybko się wyprzedał.” Dużym zainteresowaniem cieszył się fakt, że na końcu numeru zamieszczono „Przegląd trendów w modzie z magazynów zagranicznych”. Jednak pierwszy numer magazyn modowy okazał się ostatnim. W czasopiśmie „Człowiek Szycie” ukazał się artykuł „Jak nie być artystą”, w którym cała działalność „Atelier” została poddana najostrzejszej krytyce. W 1925 roku do zarzutów ideologicznych doszły trudności gospodarcze, a pierwszy radziecki dom mody przeszedł dramatyczne zmiany. Powołano nowego dyrektora, zredukowano personel, a słynna moskiewska „Atelier Mody” zamieniła się w zwykły warsztat mody nomenklaturowej, szyjący imprezowe żony i celebrytki.

Pomysł stworzenia magazynu o modzie z udziałem artystów i pisarzy oraz zaangażowania malarzy i grafików w rozwój modeli ubiorów powstał już jakiś czas temu. Publikacje modowe, które pojawiały się w epoce NEP-u, wzywały mistrzów pędzla i pióra do zabrania głosu na temat kształtowania się nowoczesności moda.

• W 1929 r. ukazywało się nowe czasopismo „Przemysł Odzieżowy”, w którym poruszano problemy masowej, przemysłowej produkcji odzieży. Rozpoczął się etap industrializacji kraju. W tych samych latach otwarto techniczne szkoły krawieckie, szkoły techniczne i wydziały krawieckie w przedsiębiorstwach tekstylnych, które kształciły specjalistów dla przemysłu lekkiego.

• Ponadto w latach 20. „Magazyn Mody”, „Moda Sezonu”, „Świat Mody”, „Moda”, „Modele Sezonu”, „Cztery Pory Roku”, „Fashion Herald”, „Magazyn Kobiet”, pojawił się itp. Tylko wiek magazyn modowy były krótkie, zamknięto je z powodu „braku pomysłów”, a niektóre istniały przez wiele lat.

W 1932 roku przy Ludowym Komisariacie Przemysłu Lekkiego ZSRR otwarto radzieckie wydawnictwo „Gizlegprom”, publikujące literaturę na tematy przemysłu lekkiego, tekstylnego i lokalnego oraz usług konsumenckich, wydając czasopisma z modnymi modelami odzieży. Wiele fabryk odzieży w latach 30. zaczęło publikować własne magazyn modowy. Modele odzieży publikowano w magazynach kobiecych, takich jak „Rabotnitsa”, „Chłopka” itp.

W latach dwudziestych toczyło się wiele dyskusji na temat restrukturyzacji życia narodu radzieckiego. W 1928 r. na łamach gazet regularnie pojawiały się artykuły polemiczne na ten temat. Dyskutowali, jakich domów i mieszkań potrzebowali robotnicy, jakie powinny być meble, jak urządzić wnętrze osoby radzieckiej, czy istnieje alternatywa dla koronkowych serwetek, porcelanowych figurek, słoni i innych atrybutów mieszczańskiego życia. Duże miejsce w tej dyskusji zajmowało pytanie, jaki powinien być strój członka Komsomołu, a komunisty? Problem kształtowania się stylu sowieckiego moda był jednym z centralnych. Na przykład w „Komsomolskiej Prawdzie” można przeczytać następujące dyskusje na ten temat: „istnieje wyraźna potrzeba zestawienia próbek „najlepszych ubrań” ze sklepów na Pietrowce i Kuznieckim Moście z niektórymi naszymi, sowieckimi, „komsomolskimi” modami .” W spór włączył się także świat teatralny, na scenach teatrów można było zobaczyć eksperymentalne projekty ubiorów codziennych i roboczych, mebli oraz racjonalnie zaprojektowanego domu dla osoby sowieckiej.

Wkrótce, w wyniku ciągłej krytyki artystów, którzy nie robili nic po swojemu, rozpoczęło się ich stopniowe wycofywanie ze sztuki kostiumowej. Otwarty w 1934 roku Moskiewski Dom Mody ostatecznie uczynił projektowanie kostiumów artystycznych całkowicie niezależną działalnością. Pojawiło się nowe pokolenie artystów, dla których tworzenie modnej odzieży stało się zawodem. Zakończył się okres pięknej utopii kształtowania się nowego stylu życia, sztuka kostiumowa przeszła z idyllicznie myślących artystów w praktyczne ręce projektantów mody.

• W NEP Moskwa pojawiła się duża liczba warsztatów krawieckich. Najbardziej znane to „Maison de Luxe” na Petrovce, „San Rival” na Pokrovce, dom warsztatu sióstr E.V. i G.V. Kołmogorowa, warsztat „Plisse” A. Tusznowa, pracownia Griszczenki, Koppar, Nefedova , Dellos.

• W latach dwudziestych w Moskwie rozpoczęła działalność szkoła haftu artystycznego „ARS”, której właścicielką była Varvara Karinskaya. Wkrótce Karinskaya otworzyła pierwszy salon Houte Couture dla moskiewskich elit, w którym żony komunistycznej „elity” i mężczyźni NEP-u zamawiały kosmetyki. Ponadto zamożni fashionistki poszli kupić biżuterię w salonie z antykami prowadzonym przez pasierbicę Barbary Karinskiej, Tatianę. W 1928 r. Karinskaya wyemigrowała do Niemiec.

Producenci odzieży, krawcy, szewcy i kapelusznicy w okresie NEP-u stali się nieformalną elitą społeczeństwa radzieckiego. W Rosji Radzieckiej zaczęły pojawiać się pracownie, w których pracowali rzemieślnicy wysokiej klasy, dostępne tylko dla członków rządu i przywódców partii. Panie Kremla zaczęły aktywnie korzystać z usług krawców i projektantów mody. Zwłaszcza wśród nich w połowie lat dwudziestych toalety „z Lamanowej” uznano za najwyższy szyk.

Lata dwudzieste w nowym państwie sowieckim, niesamowity czas, połączenie awangardowych idei konstruktywizmu, strojów zwykłych ludzi pracy – czerwonych szalików, długich bezkształtnych spódnic, sukiennych butów z pajęczynami i strojów pań, które w pełni korzystały z korzyści płynące z Nowej Polityki Gospodarczej i ubrani na modłę europejskich klapsów. Pierwsze szokujące plany pięcioletnie już się rozpoczęły, a duch Charlestona wciąż unosił się w powietrzu.

Oczywiście w kraju sowieckim zawsze występował nierówny podział terytorialny moda. Koncentracja radzieckiego przemysłu modowego koncentrowała się w stolicy. Przepaść pomiędzy stolicą a prowincją była ogromna. W dziedzinie mody Moskwę i prowincje powiązano jako kultury „odniesienia” i „naśladownictwa”. A jeśli w główne miasta Przecież można było kupić, albo, jak to się mówiło, „zdobyć” dobre rzeczy lub skorzystać z usług atelier, wówczas dla mieszkańców wsi koncepcja „ moda„po prostu nie istniało. Dlatego mówiąc o modzie młodego kraju radzieckiego, należy opisać ubrania, które nosili przede wszystkim mieszkańcy Moskwy i dużych miast.

Fashionistki lat 20. miały te same ideały, co wyemancypowane kobiety na całym świecie - szczupła sylwetka, która pozwalała im nosić sukienki do kolan z niskim stanem, jednak wśród sowieckich pań to marzenie nie zawsze było realizowane, a w modnych sukienkach do noszenia na raczej pulchnych figurach. W modzie są sztuczne kwiaty, sznury pereł – prawdziwych lub sztucznych, owinięte wokół szyi, wysokie sznurowane kozaki, boa z futra lisa lub lisa polarnego, astrachańskie kurtki. Ważnym dodatkiem ówczesnych fashionistek były kapelusze, które w pierwszych latach porewolucyjnych były krytykowane jako wyraźny znak burżuazyjne i zostały aktywnie zastąpione czerwonymi szalikami.

W męskim stroju modnym szykiem były botki typu shimmy lub jimmy oraz spodnie typu oxford – krótkie, sięgające kostki i obcisłe. W połowie lat dwudziestych te rzeczy są stosunkowo niedrogie. Tak więc poeta Daniil Charms napisał w swoim dzienniku we wrześniu 1926 roku: „Kupiłem buty Jima w Gostiny Dvor, Nevskaya Side, sklep 28”. Popularne są getry (białe zamszowe lub lniane pokrowce noszone na męskich butach), francuskie kurtki, jodhpury i czapsy (specjalny rodzaj miękkich butów męskich).

Ponieważ nie wszyscy mieli dostęp do usług krawców, wysokiej jakości tkanin czy dobrych wyrobów gotowych, modne toalety musieli wymyślać z improwizowanych materiałów. We wspomnieniach pisarki Nadieżdy Teffi można przeczytać o przedsiębiorczości kobiet - używano zasłon i zasłon, prześcieradeł i innej bielizny pościelowej i stołowej, obrusów i narzut. Teak na materac w paski był bardzo popularny, podobnie jak inne tkaniny używane w gospodarstwie domowym. Dużą popularnością cieszyły się tanie futra - królik i tymianek. W tamtych czasach najpopularniejszym futrem z królika było farbowane.

Ciąg dalszy nastąpi ( Historia mody radzieckiej – część druga Lata 30 )

Powielanie tego materiału jest zabronione -

Nowe stylizacje dekady bazują na elementach mody przedwojennej. Przeciwnie do Kryzys ekonomiczny, rosnącą inflację oraz dotkliwy niedobór tkanin i dodatków, zadziwiają swoim luksusem.

Wydarzenia społeczne okresu 1910-1920, które miały największy wpływ na rozwój mody:
Pierwsza wojna światowa 1914-1918

Sylwetki 1910-20:

Zniknął:
Gorsety.
Spódnice „kuleje”.
Skomplikowane fryzury.
Duże kapelusze.
Haft, aplikacja, koronka.
Spódnice zostały skrócone.

Pojawił się:
Detale funkcjonalne odzieży wojskowej: wysokie stójki lotnicze, naszywane kieszenie, wywijane kołnierze (jak we francuskich kurtkach).
Garnitur: pełna spódnica zapinana z przodu + luźna marynarka z naszywanemi kieszeniami i wykładanym kołnierzem lub stójką typu lotnik.
Puszysta spódnica + marynarka w stylu militarnym - z dużą ilością sznurowania, wysokimi mundurowymi kołnierzami, formalnymi klapami i metalowymi guzikami.

Ręcznie robiona dzianina - kurtki, kardigany, swetry, szaliki, czapki.
Casualowe sukienki sięgały jedynie do łydek i noszono je z wysokimi, sznurowanymi butami.
Peplumy (dodatek przypominający małą spódniczkę, wszyty wcześniej do męskiego dubletu lub kamizelki, później do kobiecego gorsetu, nieco wydłużający ubranie poniżej linii talii). Inna nazwa: baskijska.
Sylwetka w kształcie beczki.
Ocieplacze na nogi, filcowe czapki, szaliki.
Krótkie włosy dla kobiet.

Na codzienne projekty mody wpływały mundury wojskowe. Eleganckie modele zachowały elementy przedwojennej mody:
Turbany z aigrette z piór.
Sukienki w stylu orientalnym z wysokim stanem (ich spódnice stały się szersze i krótsze).
„Krynoliny wojskowe” to szerokie spódnice w kształcie dzwonu, których uszycie wymagało dużej ilości materiału. Zamiast tradycyjnych obręczy krynolinowych zastosowano tu liczne halki. Cena takiego produktu była dość wysoka pomimo niskiej jakości materiału i wykończenia. „Krynoliny wojskowe” są przejawem stylu romantycznego, powstałego w wyniku zmęczenia wojną.
Spódnica Pannier - szeroka w biodrach, płaska z przodu i z tyłu (koszyk Panier po francusku).
Styl hiszpański (Hiszpania nie walczyła i wszystko, co hiszpańskie kojarzyło się ze spokojnym życiem): wysokie grzebienie i mantyle, buty do tanga z pajęczynami i krawatami, hiszpańskie sukienki w stylu flamenco.

Sukienki w stylu tych noszonych w czasach króla Ludwika XV: bardzo wąski stanik i szeroka spódnica z marszczeniami po bokach, podkreślającymi linię bioder.

W 1909 roku Chanel rozpoczęła swoją działalność w świecie mody, oferując kobietom:
Dżersejowe sukienki sportowe.
Swetry.
Blezery.
Plisowane spódnice do łydki.
Sukienki koszulowe.
Angielskie bawełniane bluzki
Garnitury wykonane z dzianiny.
Piżama, w której można zejść do schronu przeciwbombowego.

Był to czas kultu operetki, która nie tylko była dobrą rozrywką, ale także wprowadziła nowe rodzaje ubioru. Obok operetki i zawsze modnych teatrów dramatycznych, podobną rolę spełniały rewie i kabarety ze znanymi artystami, jak na przykład Mistenget w Paryżu czy Lucina Messal w Polsce. Wprowadzili nie tylko taniec tango argentyńskie, ale także – wraz z nim – kulotę.

Warto także wspomnieć o roli baletu w kształtowaniu mody i nowych podejściach do projektowania ubioru. Pułapka przeszłości i balet klasyczny, który przekształcił choreografię w znaki graficzne, w tzw. pisarstwo taneczne, które inspirowało wielu artystów XIX wieku (Degas, Toulouse-Lautrec i in.), w XX wieku zeszło na dalszy plan wiek.

Nowe teorie głosiły, że wartość nie leży w wyszukanym projekcie, ale w naturalnych, wyrazistych ruchach ciała. Ucieleśnieniem tej nowej idei była twórczość Isadory Duncan, która wywarła znaczący wpływ na modę swoich czasów.

Chęć reform i uproszczeń w ubiorze najwyraźniej przejawiała się w balecie, który zaskakująco mocno wpływał na gusta publiczności.

Rewolucję w modzie wywołało tournée rosyjskiego baletu Diagilewa w Paryżu ze słynnym tancerzem Niżyńskim i baletnicą Karsawiną. Kostiumy do baletu, wykonane według szkiców Baksta, wyróżniały się dużą oryginalnością, a także scenografią baletów.

Spektakle te zapoczątkowały reformę teatralną i koniec dramatyzacji naturalistycznych. Muzyka Debussy’ego, Ravela, Prokofiewa i Strawińskiego, fantastyczne kostiumy i nowe inscenizacje dzieł „Szeherezady”, „Różanej wróżki”, „Pietruszki”, „Tamary” i innych były wspaniałymi lekcjami, którymi bawiono się na salonach aż do I Wojna światowa.

Specjaliści od kostiumów Bizet i Radius napisali, że rok 1909, w którym te balety pojawiły się na scenie, stał się znaczącą datą w historii mody. W tym roku nastąpił wybuch entuzjazmu w tworzeniu bogato haftowanych tkanin i stosowaniu przezroczystych, przydymionych muślinów.

Wraz z tym wzniósł się sztandar orientalnego luksusu, bogactwa pałaców sułtanów i ogrodów kalifów. Już w 1910 roku zauważalny był ich wpływ na modę. Egzotyczne elementy pojawiały się nie tylko w samej kompozycji ubioru, ale także w całej sztuce zdobniczej.

Później, w latach 20., narodziła się miłość do tkanin dekoracyjnych, co było wyraźnym echem tych wpływów.

Kostium zaprojektowany przez L. Baksta do baletu „Daphnis i Chloe” w inscenizacji Diagilewa, 1912. Model ubioru paryskiego, inspirowany kostiumami zaprojektowanymi przez L. Baksta

Nowe teorie głosiły, że wartość nie leży w wyszukanym projekcie, ale w naturalnych, wyrazistych ruchach ciała.

Ucieleśnieniem tej nowej idei był taniec bosej tancerki Isadory Duncan, Amerykanki z urodzenia, która przybyła do Europy w 1900 roku w wieku 22 lat i zrewolucjonizowała zarówno sztukę choreograficzną, jak i kostium teatralny (na który wcześniej składały się tutu, czyli tzw. zakładane na nie spodnie i spódnice z gazy, których liczba czasami sięgała dwudziestu).

Najpierw tańczyła boso, ledwo ubrana w przezroczystą koszulę i szal. Techniki plastyczne czerpano z rzeźb klasycznych, z wizerunków na starożytnych amforach greckich i etruskich oraz z płaskorzeźb na frontonach świątyń. W żywej plastyczności i rytmie Isadora Duncan ucieleśniała swoją koncepcję zaczerpniętą z rytualnych tańców westalek.

Jej taniec był rzeźbą, melodią i ruchem, podkreślonym ewolucją przezroczystego szala. Taniec ten stał się podstawą teorii tańców rytmicznych.

Już początkowe arcydzieła zostały nagrodzone wielką sławą. Podróżując po Europie od 1900 roku, na początku swojej kariery artystycznej wyłącznie w prywatnych domach i pałacach, a później na scenach teatrów, Isadora Duncan, wykonując tańce klasyczne w antycznym stroju i z urzekającą osobowością, zaszczepiła zamiłowanie do starożytnej prostoty .

Jej taniec wpłynął na to, że pierwsze kostiumy nowej, rygorystycznej linii, wprowadzonej przez Paula Poireta, miały stylizowany na antyczny charakter. Chęć reform i uproszczeń w ubiorze najwyraźniej przejawiała się w balecie, który zaskakująco mocno wpływał na gusta publiczności.

Rozkwitowi egzotycznych elementów w modzie sprzyjała znajomość przez Europejczyków sztuki ludowej krajów kolonialnych, krajów Bliskiego i Dalekiego Wschodu, co doprowadziło do nowego podejścia do zdobnictwa tkanin i pojawienia się różnych szali, chust szaliki, szaliki itp.

Egzotyka znalazła także odzwierciedlenie w tańcach tamtych czasów. Brazylijska maksyma i spacery po czarnych ciastach położyły podwaliny pod wiele nowych tańców, które ostatecznie obejmowały tango. Charakterystyczną cechą muzyki tych tańców było śpiewanie rytmu.

Tango argentyńskie, które stało się wówczas modne w Europie, zrodziło się z tańca egzotycznego, który swoją formę zawdzięcza w dużej mierze Hiszpanom.

Tango w procesie swojego rozwoju przeszło wiele zmian, aż w końcu otrzymało swoją znajomą formę, tak odmienną od pierwotnej.

W omawianych latach, podobnie jak w XVIII i XIX wieku, tango wywołało ogromny protest konserwatywnej części społeczeństwa europejskiego. Taki protest wywołał walc, uważany za taniec bezwstydny, w latach 20. XX wieku – Charleston, a później rock and roll.

Tango było początkowo jedynie tańcem scenicznym i stare stroje nie nadawały się do jego wykonania. Do tego tańca wymyślono specjalny kostium w postaci spodni typu tureckiego lub drapowanej spódnicy, której krój odsłaniał nogi.

Dom mody Drecol i Bechoff w Paryżu zademonstrował w 1911 roku różne modele sukienek spodniowych, na przykład tzw. jupe-culotte (spódnica spodniowa), która jednak nie wszędzie się przyjęła. Występowały w nich wyłącznie tancerki, w związku z czym nowy taniec tango nazwano „tańcem spodni”.

Niewielka liczba kobiet, które odważyły ​​się pojawić na ulicy w tych sukienkach, została wyśmiana, dlatego taki kostium szybko zniknął.

Zgodnie z ogólną modą próbowali także nosić same spodnie, ale też nie przyjęło się to, gdyż było to sprzeczne z przyjętymi normami moralności publicznej.

W latach 1908-1914. ideałem była kobieta o białej matowej skórze, z brązowymi włosami, która brała udział w seansach spirytystycznych i błyszczała jak anioł. Wcześniej świeży, dziecięcy rumieniec musiał zniknąć, a kobiety od najmłodszych lat starały się sprawiać wrażenie doświadczenia i wiedzy.

Blada jak posąg i melancholijna kobieta, ubrana w przezroczystą gazę i muślin, otoczyła się we wnętrzu jasnymi, pastelowymi, podobnymi kolorami, gdzie wszystko błyszczało od złoceń, luster i słońca. Chciała być kochana i czekała na przysięgę wierności.

W 1913 roku w Anglii rozpoczęły się hałaśliwe protesty emancypantów, chcących skierować życie kobiet na inną ścieżkę. Ale większość kobiet chciała tylko dobrze się bawić i być kochana.

Sport nie zajmował jeszcze znaczącego miejsca w życiu kobiet, niemniej jednak to właśnie w tym okresie wpływ sportu na modę zaczął się dość mocno ujawniać, dlatego zarysowano zwrot w stronę wolności i prostoty.

Nie było już tylu fałd i pasków warkoczy, a wielu stosowanych wcześniej ozdób. Fryzury stały się gładsze i niższe, odsłaniając szyję, ramiona i nogi.

Ogromnym zmianom zaczęła ulegać bielizna: halki, gorsety, koszule, pantalony i narzutki.

Tren zniknął, buty stały się lżejsze i zostały zastąpione różnymi butami. Kobiety, wyczerpane wiązaniem gorsetów, chętnie pozbywały się straszliwego ucisku w pasie. Pojawiła się szeroka gama form odzieży.

Ten i kolejny okres, który trwał do 1923 roku, charakteryzuje się częstymi zmianami trendów w modzie, spowodowanymi poszukiwaniem nowych środków wyrazu i wygody.

Nowe formy nie tylko nie podkreślały budowy anatomicznej, jak to miało miejsce w latach 1901-1907, ale także próbowały, choć nieśmiało, ją zaciemnić.

Okres 1908-1914 można (teoretycznie) podzielić na kilka etapów, w których na modę wpływały różne style.

Wpływ strojów greckich można prześledzić około 1909 r., stylu empire - około 1911 r., ubioru orientalnego - około 1913 r.

Sukienki wzorowane na strojach greckich:
1 - model francuski, projekt Poireta, 1903;
2 - model polski, 1911; 3 - model angielski, 1910 rok

Ubrania oparte na motywach orientalnych:
1 - suknia i nakrycie głowy, projekt Poireta, 1911;
2 - sukienka w stylu „wąskiej mody”, Paryż, 1914;
Nr 3 - sukienka ze spódnicą podwiniętą w biodrach, Polska, 1914 rok.

Sukienki w stylu Empire:
1 - model polski; 2 - model francuski;
3 - model angielski.

1911-1914 przywiózł próbki powrotu „wąskiej mody”. W opisywanym okresie przeważały rozwiązania pseudostylowe, a moda stawała się coraz bardziej niepewna.

Moda 1911-1914 charakteryzuje się miękkością linii, podkreślającą naturalną wypukłość sylwetki i jednocześnie nadającą jej kobiecy charakter, ale nie tak wyrazisty jak dotychczas.

Miękkie, zwiewne, lekkie tkaniny swobodnie opadały, nadając ubraniom specyficzny charakter, który wówczas określano mianem bielizny modowej.

Okres ten obejmował rezygnację ze sztywnych koszul przylegających do szyi, wprowadzono dekolt odsłaniający ramiona (tzw. „moda nago”. Zaprzestano stosowania jedwabnych podszewek, które w poprzednim okresie wzmacniały nawet bardzo cienkie tkaniny.

W głównych liniach zapanował umiar. Poprzedni kształt „dzwonka” i „zakrzywione” linie ustąpiły miejsca surowym liniom, a sylwetkę zaczęto nazywać „wskazówką”.

Talia podnosiła się wysoko, jak na modę Pierwszego Cesarstwa, a zwiastunami tego zwrotu były bardzo szerokie pasy z jedwabnej tkaniny; nazywano ich „bajaderami”.

Zniknęły duże rękawy; rękaw stał się wąski, wszyty gładko poniżej ramienia, czyli kimono. Asymetria była jednym z fundamentów całości kompozycji, która wyrażała się w asymetrycznych draperiach, klapach, klinach, fantazyjnych obszyciach tunik, podszewkach itp.

Wpływ ubioru orientalnego przejawiał się w wyściółce sięgającej poniżej bioder oraz w stosowaniu drogich tkanin, kolorowych, przezroczystych i z bajecznymi zdobieniami.

Imię paryskie - Leon Bakst. W 1910 roku Paryż zobaczył balet „Szeherezada” w programie „Porów Rosyjskich” zorganizowanych przez Siergieja Diagilewa. Balet wystawił słynny Michaił Fokin, a scenografię i kostiumy wykonał według szkiców Lwa Baksta. Tworzy swój własny, bakstiański styl. Paryż zapomniał, że Bakst jest obcokrajowcem, że jego korzenie sięgają Rosji. Imię Leon Bakst zaczęło brzmieć jak najbardziej paryskie ze wszystkich paryskich imion. Zaczęto naśladować jego produkcje, jego pomysły zmieniały się bez końca. Artysta w baletach Diagilewa był pełnoprawnym partnerem reżysera i choreografa. I tak Bakst ściśle współpracował ze słynnym Fokinem, a następnie z nie mniej znanym Niżyńskim przy wystawianiu baletów Strawińskiego. Jego zasady projektowania malarskiego zostały bezwarunkowo zaakceptowane przez krytyków. Bakst projektuje spektakle nie tylko w Paryżu, ale także w Londynie i Rzymie.

Paryscy trendsetterzy mody zaczęli promować „styl Baksta”. Ludzie zwracali się do niego z zamówieniami na szkice kostiumów. To bardzo zafascynowało artystę, który stworzył serię wspaniałych kostiumów, a także projekty tkanin. „...Bakstowi udało się uchwycić ten nieuchwytny nerw Paryża, który rządzi modą, a jego wpływ jest obecnie odczuwalny w całym Paryżu - zarówno w strojach damskich, jak i na wystawach sztuki” – napisał M. Wołoszyn w 1911 roku.

Paul Poiret rozpoczął pracę dla Doucet and Worth, a w 1903 roku otworzył własny dom mody.

Stworzył Poireta potężne imperium moda. Obecnie domy mody produkują różne produkty pod jedną marką, ale wtedy znacznie odbiegało to od ogólnie przyjętych norm.

Stworzona przez niego sylwetka uwolniła kobiety od gorsetu: zwiewnej spódnicy sięgającej do podłogi, wysokiej talii. Było to sprzeczne z zasadami przyzwoitości. Ale minęły dopiero dwa lata i ta innowacja została zaakceptowana. W 1909 r. Siergiej Diagilew „przywozi” do Europy Sztuka rosyjska, w tym balet. Dzięki pierwszemu paryskiemu sezonowi Baletu Rosyjskiego Francja odkryła urok Wschodu. W balecie „Kleopatra” dominowała burza barw: połączenie fioletu i szmaragdu, różu z żółcią i czernią. To wydarzenie kulturalne wpłynęło na twórczość Paula Poireta: włączył do swoich kolekcji motywy orientalne i zaczął tworzyć ubrania w nowych kolorach na nowej sylwetce - Bloomers, turbany, jasne kolory i wzory: różowy, złoty, kanarkowy żółty, trująca zieleń, lazur niebieski. Nigdy wcześniej ubrania nie były tak kolorowe. To było więcej niż egzotyczne. Paul Poiret zachwycił publiczność.

Paul Poiret wynalazł tunikę z abażurem, przypominającą tunikę część garderoby sięgającą mniej więcej do kolan. Kolejnym jego wynalazkiem była „kulawa” spódnica – zwężana poniżej kolan. Można było po nim chodzić jedynie małymi kroczkami i stąd wzięła się jego nazwa.

Poiret z sukcesem odnowił modę na połączenie spodni i spódnicy, spodni i tuniki.

Inspiracją i muzą Paula Poireta była jego żona Denise.

Z Paulem Poiretem współpracowało dwóch najlepszych ilustratorów - Paul Irib i Georges Lepape, którzy ucieleśniali modele Poireta na ilustracjach.

W 1911 roku Paul Poiret wypuścił pierwsze designerskie perfumy „Rosina” (nazwane na cześć swojej najstarszej córki). Wszystko od początku do końca: stworzenie zapachu, projekt butelki, opakowanie, reklama, dystrybucja - zostało wymyślone i zrealizowane przez samego projektanta mody. Oznaczało to inwazję na nowy rynek, który w tamtym czasie był monopolem francuskich perfumiarzy. Nad tworzeniem tkanin aktywnie pracują Paul Poiret i Raoul Doofy. Paul Poiret powiedział kiedyś: „Couturier, podobnie jak tkanina, mówi wieloma językami w jednym celu – gloryfikować kobiece piękno”. Paul Poiret był zagorzałym wielbicielem sztuki współczesnej i miał bliski kontakt z takimi geniuszami XX wieku, jak artyści Henry Matisse i Pablo Picasso oraz poeta Jean Cocteau. Paul Poiret był filantropem. W 1911 roku otworzył w Paryżu pracownię Martina (nazwaną na cześć swojej najmłodszej córki). Tam uczono dziewczęta z biednych rodzin nie tylko szycia i haftu, ale także historii sztuki i rysunku.

Paul Poiret już za życia stał się legendą. Rozumienie związku mody z reklamą, organizowanie eventów i performansów. Był kimś więcej niż tylko projektantem mody. Poiret stał się twórcą nowoczesnej koncepcji „mody jako stylu życia”. Praktycznie wymyślił i stosował strategie marketingowe i PR (Public Relations), które obecnie stały się powszechną praktyką i normą. Jego domy, salony, święta, które organizował, stały się niesamowitymi spektaklami i spektaklami, podczas których grano jego dzieła – sukienki główna rola. Jeden przykład: aby zareklamować swój dom mody, zatrudnił modelki, ubrał je w swoje stroje i oprowadzał po Europie i Rosji. Wszystkiemu towarzyszyły głośne artykuły w prasie i reportaże fotograficzne.

Styl Art Deco. ERTE (prawdziwe imię i nazwisko ERTE Roman Petrovich TYRTOV 1892 - 1990) - rosyjski artysta, przedstawiciel secesji, luminarz projektowania graficznego i znany projektant mody. Porzucając tradycyjną karierę rodzinną, w 1912 roku osiadł w Paryżu, zostając korespondentem petersburskiego magazynu Ladies' Fashions. Nie otrzymał systematycznego wykształcenia artystycznego, krótko uczęszczał do Akademii R. Juliena. Z pierwszych liter swojego imienia i nazwiska stworzył pseudonim „Erte”. Mieszkał w Paryżu i Monte Carlo.
Styl Art Deco to skrót od nazwy wystawy „L”Exposition Internationale des Arts Decoratifs et lndu-striels Modernes” – „Międzynarodowa Wystawa Nowoczesnej Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej”, która odbyła się w 1925 roku w Paryżu) - Styl artystyczny projektowanie wnętrz, sztuka dekoracyjna i użytkowa, biżuteria, projektowanie odzieży, a także projektowanie wyrobów przemysłowych i grafiki użytkowej.

Coco Chanel – przy pomocy Capela, w 1910 roku Coco otworzyła swój pierwszy butik w Paryżu – słynny salon przy Rue Cambon, a trzy lata później – pierwszy oddział w Deauville. Wkrótce miała prawdziwy dom mody w modnym kurorcie Biarritz. Jaki był sekret takiego sukcesu? Przed Chanel kobiety były pogrzebane pod kilometrami tkanin i koronek: obcisłe spódnice z kołami, ogromne gorsety, treny, które odgarniały kurz i gigantyczne kapelusze, które bardziej przypominały ciasta. Sama Chanel nie nadawała się do sukienek podkreślających talię osy i pełny biust – nie miała co podkreślać. Ponadto takie toalety utrudniały ruch. Zaproponowała kobietom zupełnie nowe, niespotykane dotychczas stroje, często zapożyczone z męskiej garderoby. Na przykład garnitur marynarski z głębokim dekoltem i szerokim wykładanym kołnierzem lub skórzana kurtka w stylu dżokeja. Zawsze inspirowało ją to, co osobiście lubiła i z czym czuła się komfortowo. To była prawdziwa rewolucja. Chanel stworzyła modę na nowo, niezależnie od tego, co zostało zaakceptowane, a co nie.

Odzież damska „męska” – koniec lat 10. XX w

„Kiedyś założyłam męski sweter, bo było mi zimno... przewiązałam go szalikiem (w pasie). Tego dnia byłem z Brytyjczykami. Żaden z nich nie zauważył, że mam na sobie sweter...” Tak pojawiła się nowa moda damska – flanelowe marynarki, luźne spódnice, długie swetry z jerseyu, garnitury marynarskie i słynny garnitur (spódnica + marynarka).

„Zakuta w gorset, z odsłoniętymi piersiami, odsłoniętą pupą, ściągnięta w talii jak przecięta na dwie części… Utrzymanie takiej kobiety to to samo, co zarządzanie nieruchomościami” – Chanel wiedziała, o czym mówi. Pracujące, niezależne, aktywne kobiety po prostu nie mogły nosić gorsetów i falbanek.

Zasady małej czarnej sukienki Chanel:
- sukienka musi zakrywać kolana
- sukienka nie powinna posiadać żadnych zdobień: falbanek, haftów, koronek
- pamiętaj o wyraźnym podkreśleniu wcięcia w talii
- buty - czółenka zakryte (nie sandały!)
- brak dużych dekoracji
- mała torebka

1914 - I wojna światowa

Opisując modę lat 1915-1923, można śmiało powiedzieć, że była to kontynuacja poszukiwań nowych środków wyrazu, niezbędnych przy tak szybko zmieniających się formach. Główną cechą Moda tamtych lat była rodzajem wolności („ugięcia”) i fantazji. Bluzki zwisały luźno na ramionach, ich baskinki i szerokie paski nie opinały talii. Miały krótkie i szerokie rękawy, czasem o fantastycznych kształtach, wydłużone z przodu, nawiązujące do gotyckich. Zwisały do ​​nich przyczepione spódnice i fartuchy z falbankami, treny, szale, szaliki itp.

Przestronność w ubiorze, która w 1922 r. osiągnęła najwyższy punkt, maskując naturalny zarys sylwetki. Ówczesna kobieta „powiesiła” na sobie sukienkę. Efekt ten został wzmocniony zastosowaniem miękkich tkanin, których właściwości plastyczne determinowały tworzenie miękkich, nieokreślonych form. Wszystko to stanowiło złożony opór wobec sztywnych i wyrafinowanych form ubioru początku XX wieku.

Okres ten przyniósł kobietom ważne osiągnięcia w walce o równość i w związku z tym nowe osiągnięcia w dziedzinie reformy ubioru. Powodem tego była I wojna światowa, która odegrała w walce o równość kobiet znacznie większą rolę niż wszystkie dotychczasowe wysiłki emancypantek. Pozostawione same sobie kobiety zmuszone były ponosić pełną odpowiedzialność za siebie i swoje rodziny; zajęli miejsce mężczyzn w przemyśle, w urzędach, szpitalach itp., czuli się pewnie w swoich siła fizyczna i wartość intelektualna.

Podczas I wojny światowej kobiety zaczęły prowadzić męski tryb życia, zostały konduktorkami tramwajów, spedytorami, a niektóre nawet dostały się do pomocniczej służby wojskowej i założyły odpowiednie mundury. Na przykład pielęgniarki i amerykańscy pracownicy poczty polowej nosili sportowe koszulki i czapki w kolorze khaki. Wraz z wybuchem wojny domy mody zostały zamknięte, a kobiety same mniej lub bardziej umiejętnie kierowały ruchem mody, uwalniając się od wielu absurdalnych fantazji, które narzucano im jako kanony mody. Zrezygnowano ze zbędnych ozdób, a odzież zaprojektowano tak, aby zapewniała niezbędny komfort pracy. Odzież codzienna w stylu reformowanym zyskała popularność i ugruntowała się na tyle, że krawcy, wracając do swojej pracy w 1917 roku i chcąc ponownie odgrywać dominującą rolę w ustalaniu mody, musieli przejąć te ubrania, a próby ponownego wprowadzenia krynoliny, czyli „szczupłej moda” nieudana porażka. W tym samym czasie zniknęły treny, sztywne gorsety i nadmierna biżuteria.

Duży wpływ na modę miała także armia, nie tylko europejska, ale i kolonialna. Przyniosła atmosferę odległych krajów i egzotykę pięknej rodzimej sztuki. Pojawiły się wzorzyste tkaniny dekoracyjne z Maroka i Tunezji, piękne szale, szaliki i inne egzotyczne przedmioty, które zachwyciły Europę. Moda natychmiast wchłonęła nowe elementy krojenia i ozdabiania strojów chińskich, arabskich i indyjskich.

Może wydawać się paradoksalne, że wraz z pojawieniem się ubrań prostych, praktycznych, racjonalnych, ponownie wzrosło zamiłowanie do bogactwa wzorów, koronek, aplikacji, robótek na drutach, koralików itp. Tłumaczono to działalnością paryskich krawców, którzy m.in. nie chcąc całkowicie utracić swoich wpływów, protestowały przeciwko prostemu krojowi i zaczęły wprowadzać fantastyczne dodatki do sukienek o prostych kształtach. Z artykułu z tamtego okresu: "...Suknie o prostym kroju i pozbawione ozdób wywoływały niezadowolenie wśród pań. Próbowano wpływać na artystów tworzących modelki, aby wprowadzali ozdoby, nawet w nadmiernych ilościach. Było to dawno nie widzieli sukienek tak haftowanych, haftowanych perłami, mereżką obszytą marszczonymi tasiemkami, aplikacjami z sukna, haftowanymi grubym drutem i ogromną ilością cienkich wstążek, które tworzyły skomplikowane wzory wzdłuż dołu i na rękawach wełny sukienki, a nawet zakrywały całe samoloty…”. Kilka lat po rozpoczęciu wojny, mimo toczących się walk na froncie, życie na tyłach wróciło do normy; Znów zaczęto organizować bale i przyjęcia.

Teatry rewiowe, najszybciej i najodważniej adaptując nowe formy ubioru, stały się awangardą mody. W rewii doszło do wielkich nieporozumień w poglądach na temat potrzeby fantastycznej ramy z tworzywa sztucznego, zaprojektowanej przez najsłynniejszych dekoratorów i krawców, którzy pod wpływem rosyjskiego baletu decydowali o wszystkim na podstawie kontrastu czerni i bogatych kolorów. W 1921 roku Poiret opracował scenografię i kostiumy do rewii „Casino de Paris”, używając głównie czerni i żółci. Fakt ten doprowadził do powszechnej penetracji czerni do kobiecych toalet. W Paryżu powstał specjalny biało-czarny bal, który wywołał gwałtowne protesty krawców. Z reguły pomysłowe kostiumy aktorów miały wpływ na ugruntowanie się w życiu pewnych form ubioru, jednak próba wskrzeszenia mody na strusie pióra, które wypełniały wszystkie kostiumy rewii, nie powiodła się. Ale moda na szal hiszpański zakorzeniła się dzięki argentyńskiej tancerce Isabelli Ruiz, która zmieniała szale w każdym tańcu.

Zmiany w modzie następowały stopniowo. W czasie wojny wszędzie noszono garnitury. Wpływ munduru wojskowego był widoczny w kształcie marynarek, a szerokie spódnice, plisowane lub rozkloszowane, odsłaniały buty aż do góry. Rękaw umiarkowanie wąski zapinany był aż do mankietu, talia, początkowo nieco niska, wróciła na swoje miejsce. Kapelusze były średniej wielkości. W 1917 roku garnitury zeszły na dalszy plan, kobiety zdjęły przedwojenne suknie i na chwilę powróciły do ​​mody z lat przedwojennych. Próbowano wydłużać suknie, a nawet przewijać nogi, ale to się nie przyjęło. Spódnice, które stawały się coraz węższe i dłuższe, zaokrąglały się w biodrach i stawały się węższe u dołu. Sylwetka przypominała wrzeciono. Talia była zaznaczona wysoko. W sukienkach i płaszczach było dużo zgromadzeń.

J. Lanvin oferowała swoim klientom sukienki koszulowe.
W latach 1917-1918 pojawiła się nowa sylwetka - sukienka z dwiema liniami talii: wysoką i niską, w biodrach.

W 1918 roku suknie ponownie skracano i poszerzano dzięki falbankom wszytym w poprzek spódnicy. Ekspansję zapewniały miękkie, luźne paski i marszczone baski, a także tuniki krótsze i szersze od spódnic (patrz rysunek).

„Śliczna dziewczyna”.

„Bezinteresowna matka”.

„Egzotyczna wampirzyca”.

Trzy zupełnie różne idealne obrazy.

W 1900 roku stosowanie makijażu było już powszechne. Zastosowali go jednak tak, aby efekt wyglądał jak najbardziej naturalnie. W tym momencie z pomocą przyszedł różowy puder Heleny Rubinstein, gdyż wcześniej twarze pokryte białym pudrem wyglądały zbyt sztucznie. W tym samym czasie jej amerykańska konkurentka Elizabeth Arden otworzyła swój pierwszy salon i wkrótce dwie królowe kosmetyków zaczęły walczyć o klientki, wypuszczając na rynek coraz więcej nowości. Zalecili kobietom regularne odwiedzanie salonów kosmetycznych. Zaczęliśmy od głębokiego oczyszczenia skóry za pomocą pary – tak jak dzisiaj.

W czasie wojny niepopularne stało się wydawanie czasu i pieniędzy na kosmetyki. Odrobina szminki na ustach, kropla brokatowej wazeliny na powiekach – to wszystko. Jej włosy, wcześniej skręcone w zalotne loki w stylu Mary Pickford, zaczęły być rozdzielane wyraźnym przedziałkiem. Mężczyźni na froncie musieli wiedzieć, że ich kobiety porzuciły wszelką kokieterię i są skromne i serdeczne, jak Lillian Diana Gish.

Zdjęcie: „Sweet Girl” Lillian Diany Gish w pełni wpisywała się w gusta tamtych czasów. Gwiazda kina niemego, która nigdy nie odnalazła się w filmach dźwiękowych, występowała na scenie od piątego roku życia.

Sprzedaż kosmetyków tym oddanym kobietom nie była łatwa. Dlatego też większość kosmetyków została uznana za korzystne dla zdrowia.

Wazelina, której używano do nadawania blasku ustom i powiekom, uważana była za maść; jednocześnie większość kobiet nie zdawała sobie jednak sprawy, podobnie jak dzisiaj, że problemem jest problem marketingu towaru. Ponieważ wszystko, co jest związane z medycyną, nie powinno wyglądać niepoważnie, kobiety częściej uciekały się do chirurgii plastycznej niż do stosowania kosmetyków. Powszechne stały się zabiegi chirurgiczne mające na celu wygładzenie zmarszczek poprzez wstrzyknięcie parafiny pod skórę.

Zdjęcie: Theda Bara - egzotyczna piękność o zachęcającym spojrzeniu i małych ustach w kształcie serca została uznana za ucieleśnienie grzechów i reprezentowała na ekranie ukryte fantazje prymitywnej Ameryki w obrazach Salome, Madame DuBarry i Kleopatry.

Po wojnie skończyła się cnota – każdy chciał wyglądać tajemniczo i fatalnie.

Zdjęcie: Gloria Swanson to anioł i diabeł w jednym. Wizerunek egzotycznego wampira. Jego idealnym wcieleniem była Gloria Swenson (1899-1983), która z jednej strony zachowywała się jak dama towarzystwa, a z drugiej bez skrępowania pojawiała się w erotycznych strojach, takich jak satynowa bielizna, jedwabne kimono i luksusowe futra. Grała skandaliczne i ryzykowne role, których tematem była zdrada, miłość w trójkącie i seksualna emancypacja kobiety. A wszystko to zrobiła z wielką elegancją.

Włosy obcięto po chłopcu, oczy podkreślono kredką do brwi, usta pomalowano bardzo jaskrawo, a egzotyka dodatków nie znała granic, do czego Poiret nawoływał w 1910 roku swoim haremowym stylem.

Od 1914 do 1918 roku kobiety i mężczyźni mieli tylko jeden ideał: bezinteresowną siostrę miłosierdzia. Dotyczyło to przede wszystkim sióstr z Czerwonego Krzyża, których mundur zaprojektował couturier Redfern. Podziw dla bezinteresownej służby sięgał tak daleko, że panie z towarzystwa uwieczniały się w przebraniu zakonnic lub sióstr miłosierdzia i wysyłały te zdjęcia swoim mężom na froncie.

Zdjęcie: Ida Rubinstein – pielęgniarka w paryskim szpitalu podczas I wojny światowej.

Styl: Secesja, Art Deco
Projektanci: Coco Chanel (początek), Jeanne Paquin, Jeanne Lanvin, Léon Bakst, Jacques Doucet
Ilustratorzy: George’a Barbiera, George’a Lepape’a
Muzyka: Tango, Walc Boston, Ragtime, Jazz (początek)
Sztuka: Balet Rosyjski, Fowizm, Kubizm, Dadoizm, Futuryzm.

Nie ma projektanta, który nigdy nie cytowałby swoich poprzedników. Nadawanie dobrze zapomnianego starego stylu w nowy sposób to ulubiona technika Jeremy’ego Scotta, Karla Lagerfelda i Nicolasa Ghesquière’a. Aby na pierwszy rzut oka po sylwetce i kroju odgadnąć aluzje projektanta, warto poznać historię mody ubiegłego stulecia.

Lata 1910-te: PARYŻ dyktuje nowy styl – ART DECO

Belle Epoque (w tłumaczeniu z francuskiego „piękna epoka”) z charakterystyczną sylwetką klepsydry zostaje zastąpiona przez Art Deco. Nowy kanon piękna to naturalne, nieograniczone formy kobiecego ciała. Europa ubiera się w egzotyczne stroje, inspirowane baletem „Szeherezada”, prezentowanym przez Diagilewa w ramach „Porów Rosyjskich” w Paryżu.

Projektant mody: Paul Poiret to reformator mody, to on wyzwolił kobiety od gorsetów i gorsetów, oferując luźne sukienki tuniki w stylu antycznej Grecji, a także peleryny, montosy i spodnie inspirowane Wschodem. Poiret wprowadził do mody egzotykę i orientalizm, kultywując luksus i obfitość ubioru: drogie tkaniny i mnóstwo dekoracji to znaki rozpoznawcze jego twórczości.

Style: sukienka z wysokim stanem, zwężana spódnica, spódnica do spodni, majtki, peleryna kimono, sukienka sari, turban, torba typu worek.

Tkaniny i dekoracje: brokat, jedwab, aksamit, tafta, orientalne ozdoby, hafty złotymi nićmi, kamienie szlachetne, batik.

Ikony stylu: Isadora Duncan rozsławiła na całym świecie luźną tunikę Poireta, występując na scenie w prześwitującym stroju – co było niespotykaną zuchwałością. Kolejna ikona mody tamtej epoki – Ida Rubinstein, gwiazda baletu „Szeherezada” – nawet poza sceną nie schodziła z wizerunku orientalnej piękności, wybierając na co dzień jedwabne kimona.

LATA 20. XX w.: EMANCYPACJA I JAZZ

Wyemancypowana kobieta prowadzi samochód, pisze powieści, pali i popisowo tańczy Charlestona w wygodnej prostej sukience z niskim stanem – symbolem epoki. Skromna elegancja Coco Chanel kontrastuje z ekscesami epoki jazzu: piórami, boa i frędzlami. Styl garcon (przetłumaczony z francuskiego jako „chłopiec”) współistniał z wciąż popularnym Art Deco.

Projektant mody: Coco Chanel ubrała kobiety w męskie ubrania i udowodniła, że ​​mała czarna sukienka uzupełniona sznurem pereł to wieczorowa propozycja nie gorsza niż strój z koralików. Jeanne Lanvin była odpowiedzialna za bardziej kobiecy kierunek mody.

Style: sukienka cylindryczna, futrzany moncot, marynarka, kardigan, luźne spodnie płócienne, piżama na plażę, kapelusz kloszowy, opaski i opaski do włosów z bogatym zdobieniem.

Tkaniny i dekoracje: koronka, jedwab, aksamit, wełna, boucle, jersey; podstawowe kolory - czarny, biały, szary, kremowy, beżowy; biżuteria wykonana z pereł, minimum dekoracji - od Chanel, maksimum - od reszty (hafty, pióra, kokardki, trąbki).

Ikony stylu: Aktorka i tancerka kina niemego Louise Brooks zasłynęła nie tylko ze swojej wolności moralnej, ale także z zamiłowania do kapeluszy kloszowych. Tenisistka Suzanne Lenglet wprowadziła modę na damską odzież sportową.

LATA 30. XX w.: ZIMNA ZMYSŁOŚĆ HOLLYWOODU

Nowa era zdecydowanie porzuca androgyniczny styl ubioru, który skrywa zmysłowe krągłości. Projektanci mody głoszą inną sylwetkę - podkreśloną talię, z której wychodzi zwiewna długa spódnica. W ślad za sportowcami dziewczęta zaczynają nosić dzianiny. Odchodzi w zapomnienie luksusowy wystrój poprzedniej dekady – Wielki Kryzys i poczucie zbliżającej się wojny wprawiają w zupełnie inny nastrój.

Projektant mody: Elsa Schiaparelli projektuje sweterkową sukienkę, sweter z nadrukiem i po raz pierwszy wykorzystuje wiskozę i zamek błyskawiczny. Jest pierwszą prowokatorką i surrealistką mody. Wystarczy spojrzeć na sukienkę z homarem i pietruszką lub kapelusz w kształcie buta!

Style: sukienka do podłogi z podkreśloną talią, sukienka sweterkowa, sweter, plisowane spódnice tenisowe, sukienki polo, spodnie sportowe, rękawiczki jedwabne do łokci, treny, pierwsze stroje kąpielowe.

Tkaniny i dekoracje: tiul, jedwab, aksamit, wełna, dzianina; szlachetne, bogate i pastelowe kolory - granatowy, bordowy, perłowy; koronkowe wykończenie.

Ikony stylu: Kobiety o zimnej urodzie, gwiazdy Hollywood – Marlene Dietrich i Greta Garbo, kuszące z ekranów perfekcją i wyrafinowaniem.

Lata 40.: Czas wojny dyktuje własne zasady

Rozpoczyna się wojna, a dziewczyny zmuszone są porzucić swoje luksusowe, wyszukane stroje. Pojawia się odzież w stylu militarnym - odzież damska wykonana z tych samych tkanin, co mundury wojskowe. Podczas gdy moda w Europie jest ograniczona ograniczeniami II wojny światowej, Stany Zjednoczone tworzą własną „haute couture”.

Projektant mody: Głównym „wyznacznikiem trendów” dekady jest niedobór tkanin, guzików i elementów dekoracyjnych. To on determinuje innowacje w damska szafa: skraca długość spódnicy, zabrania puszystych falbanek ze względu na duże zużycie materiału, pozbawia pończoch i szpilek, a dziewczęta muszą nosić czapki i szaliki, aby ukryć niechlujne włosy.

Style: dopasowana marynarka z wyściełanymi ramionami, płaszcz dwurzędowy, spódnica ołówkowa, bluzka z bufiastymi rękawami, sukienka o kroju koszulowym z podkreśleniem talii, sukienka w stylu marynistycznym, kapelusz z welonem, pasek, broszki, koraliki.

Tekstylia: ciemnozielony, khaki, brązowy, szary, ciemnoszary, czarny, niebieski, biały, jasnożółty, czerwony; wełna, bawełna, flanela; kratka, nadruk w kropki.

Ikony stylu: Symbol seksu Ameryki Aktorka hollywoodzka Rita Hayworth oraz modelki pin-up Betty Grable i Bettie Page. Amerykańscy żołnierze tak bardzo pokochali wizerunki piękności, że powtarzali je nawet w samolotach.

Lata 50.: Narodziny paryskiej mody i nowa kobiecość

Paryż odzyskuje tytuł stolicy mody. Nowy wygląd - nowy wygląd kobiety, zaproponowany przez Christiana Diora, zyskuje na popularności. W latach wojny wszyscy byli zbyt zmęczeni trudami! Dziewczyny starają się wyglądać jak najbardziej kobieco i spędzają dużo czasu i pieniędzy na toaletach.

Projektanci mody: Christian Dior hojnie wydaje metry materiału na jedną pełną spódnicę z wysokim stanem (skandaliczny i zachwycający luksus!) i ponownie wkłada kobiety w gorsety. Cristobal Balenciaga podąża inną drogą i woli prostą sylwetkę i eksperymenty architektoniczne z nią od „pączków” i „klepsydry” Diora. Coco Chanel powraca do świata mody i prezentuje tweedową marynarkę ze spódnicą, a Hubert Givechy tworzy eleganckie, arystokratyczne stylizacje dla swojej muzy Audrey Hepburn.

Style: gorsetowa sukienka do podłogi, rozkloszowana plisowana spódnica, krótka marynarka z wąską talią, płaszcz w kształcie litery A z rękawami trzy czwarte, rękawiczki, mały kapelusz, kopertówka, szpiczaste buty, perły, naszyjniki.

Tkaniny i dekoracje: welur, flanela, wełna, jedwab, satyna, zamsz; haftowane kwiaty, koronka, drobny wzór kwiatowy, poziome paski.

Ikony stylu: Z ekranów modę dyktują Marilyn Monroe, Grace Kelly, Sophia Loren, Elizabeth Taylor i Audrey Hepburn, demonstrując najnowsze modele najpopularniejszych projektantów.

Lata 60.: Bunt w modzie i sztuce oraz rewolucja seksualna

Wolność moralności to modny hymn epoki! W damskiej garderobie pojawiają się spódniczka mini, dżinsy, garnitur do spodni, sukienki w kształcie litery A i płaszcze w kształcie litery A. Projektanci mody, podążając za współczesnymi artystami, eksperymentują ze wszystkich sił i tworzą ubrania z winylu i materiałów syntetycznych.

Projektanci mody: Angielska projektantka Mary Quant dała światu spódniczkę mini. Andre Courrèges i Yves Saint Laurent niemal jednocześnie zaprezentowali krótką sukienkę w kształcie litery A, która stała się absolutnym hitem. Oprócz Wysoka moda couturierzy zaczynają tworzyć gotowe kolekcje.

Style: spódniczka mini, spodnie z wysokim stanem, dżinsy, sukienka w kształcie litery A, płaszcz z okrągłym dekoltem, koszula w stylu chłopskim, sukienka, buty do kolan, torba z długim paskiem, kapelusze z szerokim rondem.

Tkaniny i dekoracje: bawełna, dżins, dzianina, wełna, wiskoza, paski, krata, kropki, drobne wzory; sznurki, kokardki, kołnierzyki, koronkowe wykończenia.

Ikony stylu: Brigitte Bardot sprawiła, że ​​zmysłowy look stał się niezwykle modny: jej potarganą fryzurę i jaskrawo czarne skrzydła kopiowano wszędzie. Jacqueline Kennedy w swoich stylowych stylizacjach pogodziła trendy z ponadczasową klasyką i stała się wzorem elegancji dla tysięcy kobiet z całego świata.

Lata 70.: Subkultury młodzieżowe wybierają swoich bohaterów

Boom na dżinsy ogarnia świat: niebieski i granatowy, podarty i postarzany dżins jest u szczytu popularności. Podążając za rosnącym ruchem hippisowskim, projektanci zwracają się ku folklorowi i pochodzeniu etnicznemu. Styl unisex zyskuje na popularności - mężczyźni i kobiety ubierają się w te same, proste i wygodne rzeczy. Obecna muzyka dyktuje swój własny dress code – tak powstaje styl disco. Szokujący punk – styl zbuntowanej młodości – przyjęła Vivienne Westwood. Pojawiają się nowe centra mody – na przykład Giorgio Armani, Gianni Versace i rodzina Missoni zaprezentowali swoje kolekcje podczas pierwszego Tygodnia Mody w Mediolanie.

Projektant mody: Yves Saint Laurent podarował modę damski smoking, przezroczystą bluzkę, styl safari, abstrakcyjne nadruki, afrykańskie motywy i wiele więcej. „Japończyk w Paryżu” Kenzo Takada wystąpił w roli apologety azjatyckiej zmysłowości i ulicznego stylu. Sonia Rykiel uszyła dla niej sweterkową sukienkę z cienkiej dzianiny wizytówka i Oscar de la Renta otworzyli markę firmową w Nowym Jorku.

Style: golfy, koszule, dżinsy, dzwony, sukienki, swetry z dzianiny, kardigany, czapki, poncza, torby płócienne, bombki, kombinezony.

Tkaniny i dekoracje: len, bawełna, wełna, jedwab, dżins, jasne kolory, kolorowe wzory, hafty, wzory orientalne i kwiatowe, koraliki.

Ikony stylu: Jane Birkin szokowała publiczność odkrywczymi stylizacjami, na przykład siatkową sukienką zakładaną na nagie ciało. Modelka Lauren Hutton pokazała, jak ubierać się w stylu safari na co dzień, a Jerry Hall, będący fanem stylu disco, radził dodać blasku każdej stylizacji.

Lata 80.: Wiek silnych kobiet

Kobieta biznesu to nowy ideał epoki. Projektanci wymyślają całą garderobę niezależnych i kobieta sukcesu. A potem idą dalej, prezentując prowokacyjnie seksowne stroje, które udowadniają władzę, jaką nad mężczyznami ma tzw. słabsza płeć.

Projektant mody: Karl Lagerfeld zostaje dyrektorem kreatywnym Chanel w 1983 roku i wprowadza na rynek pierwszą linię odzieży gotowej do noszenia. Japońscy projektanci Yohji Yamamoto i Rei Kawakubo deklarują zupełnie nowy kierunek w modzie – dekonstruktywizm, który przekształca i przełamuje utarte sylwetki ubrań.

Style: klasyczne spodnie z kantem, marynarki i smokingi z wyściełanymi ramionami, sukienki płaszczowe, sukienki i swetry z rękawami typu dolman, kurtki i płaszcze skórzane skórzane, legginsy, topy z gorsetem, skóry mini i midi, buty na platformie, kozaki za kolano.

Tkaniny i dekoracje: skóra, moher, welur, sztruks, zamsz, jedwab, satyna, wiskoza; bogate i neonowe odcienie, zwierzęce nadruki, pionowe paski.

Ikony stylu: Grace Jones, która nie zdradzała swojego dzieciństwa krótka fryzura i skórzane stroje. Madonna i jej agresywnie seksualny wizerunek.

Lata 90.: Minimalizm, teatralność i styl uliczny

Świat mody dzieli się na dwa obozy. Pierwsza z nich broni zasad minimalizmu, który wkroczył do branży wraz z kolekcją Jil Sander. Druga z entuzjazmem śledzi szalone eksperymenty Alexandra McQueena i Jean-Paula Gaultiera i wspiera ich szaleństwo couture. Rynek masowy rozprzestrzenia się po całym świecie, przenikając nawet do ZSRR - już upadłego, ale wciąż zamkniętego. Styl sportowy, grunge i punk są istotne dla młodych ludzi na całym świecie.

Projektanci mody: Marc Jacobs pokazuje kolekcję grunge podczas Fashion Week w imieniu marki Perry Ellis. John Galliano szokuje krytyków swoimi przedstawieniami teatralnymi. Calvin Klein przywraca modę na androgynię.

Style: T-shirty, swetry, kurtki dżinsowe, dżinsy z niskim stanem, spódnice dżinsowe, sukienki z cienkimi ramiączkami, bluzy i bluzy, trampki i trampki, szorstkie buty.

Tkaniny i dekoracje: bawełna, dżins, skóra, flanela, wiskoza, szyfon, wszystkie kolory, nadruki z logo i nazwami znanych firm.

Ikony stylu: Supermodelki Linda Evangelista, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Christy Turlington, Claudia Schiffer i Kate Moss, które stały się nie tylko twarzami epoki, ale wzorami do naśladowania dla milionów.