Imagem medieval de um homem. Retrato da Idade Média

Que conquistas na arquitetura e na tecnologia de construção tornaram os antigos romanos famosos?

Como eram a basílica cristã primitiva e a igreja com cúpula cruzada?

Que edifícios decoravam as cidades-comunas medievais?

Um anjo sorridente é a personificação do céu.

Estátua do portal da Catedral de Reims. Século XIII 1.

Arquitetura. Os construtores do início da Idade Média adotaram muito da arquitetura rígida dos antigos romanos e, portanto, os edifícios até os séculos XI-XIII eram chamados de românicos (de “Roma” - Roma). O templo românico é um edifício maciço com paredes quase lisas, torres altas e decoração lacónica. Os contornos do arco semicircular se repetem em todos os lugares - nas abóbadas, nas aberturas das janelas e nas entradas do templo. Ao mesmo tempo, com o seu poder, as igrejas românicas assemelham-se a castelos. E, de fato, muitas vezes serviram de refúgio para a população da região.

Ao mesmo tempo, o templo românico está repleto de um apelo à boa reflexão e à oração. A sua estrutura interna também é tipicamente medieval. É composto por três ou cinco naves; a nave central eleva-se acima das laterais. Em planta, o templo românico tem a forma de uma cruz, no centro da qual se encontra uma torre que termina em pirâmide. Do século XI até Europa Ocidental grande construção começou. A rica igreja aumentou o número e o tamanho das igrejas e reconstruiu edifícios antigos.

A partir de meados do século XII, foram construídos estabelecimentos comerciais, salas para reuniões de oficinas e guildas, hospitais e hotéis nas cidades livres. As principais decorações da cidade eram a Câmara Municipal e principalmente a catedral. Os edifícios dos séculos XII-XV foram mais tarde chamados de góticos. Agora, a abóbada leve e pontiaguda é sustentada internamente por feixes de colunas estreitas e altas, e externamente por maciços pilares de sustentação e arcos de conexão. Os salões são amplos e altos, recebem mais luz e ar, são ricamente decorados com pinturas, esculturas e baixos-relevos.

Diagrama seccional do templo românico

Interior da igreja românica de Saint-Sernin em Toulouse. França. Séculos XI-XIII

Graças às amplas passagens e galerias, um grande número de janelas enormes e esculturas em pedra rendadas, as catedrais góticas parecem transparentes. Formas repetidas de um arco pontiagudo, telhados inclinados, torres altas torres sineiras - tudo cria a impressão de uma subida rápida.

Durante muito tempo, a catedral foi o maior edifício da cidade, muitas vezes acomodava todos os habitantes da cidade. Não só manteve serviço religioso, mas também organizou reuniões,

representações religiosas „ „

Catedral de Reims. Fa ocidental

tópicos, assistiu palestras do professor %France. xsh _ início do século XIV.

lixo Na enorme e elegante catedral, entre sua beleza e grandiosidade, uma pessoa estava imbuída da alegria do feriado, sentindo-se

Esquema de um templo gótico no interior de uma catedral gótica em um bairro de Bourget. França. Século XIII

com o poder de Deus, ele dirigiu seus pensamentos e sentimentos para ele.

(imera. Fragmento da Catedral de Basada 1ª Dama. Paris

As catedrais medievais ainda nos encantam com a beleza primorosa, a arte e a imaginação de seus criadores. As catedrais foram construídas e decoradas ao longo de muitas décadas e, às vezes, séculos. Muitos artesãos participaram na sua construção, por vezes de países diferentes. Durante a construção, todos os artesãos se uniram em um artel sob a liderança do arquiteto.

O templo foi construído de forma que fosse visível para todos e em todos os lugares. O sino o lembrou dele com seu som medido. O ritmo dos sinos, afrescos de igrejas, vitrais, esculturas e ícones serviram de medida e modelo para os medievais nos dias de semana e feriados. 2.

Escultura. Na Idade Média, a escultura era inseparável da arquitetura e da pré-

Notas sobre edifícios góticos

Nesses edifícios criavam tantas saliências, quebras e curvas que privavam suas coisas de qualquer proporcionalidade e, muitas vezes, empilhando uma coisa sobre a outra, atingiam uma altura tal que o topo da porta tocava o telhado. Esta forma foi inventada pelos godos, porque depois que os edifícios antigos foram destruídos e as guerras destruíram os arquitetos, os sobreviventes começaram a construir desta forma, enchendo toda a Itália com Deus sabe que tipo de edifícios... Deus proíba qualquer país de pensamos em obras deste tipo, tão informes... (G. Vasari, pintor, arquiteto, historiador de arte italiano. Século XVI.)

Fiquei muito surpreso quando me aproximei da Catedral de Estrasburgo. Fiquei surpreso com sua integridade e grandeza. A catedral consistia em milhares de partes separadas e harmoniosamente combinadas; trazia deleite e admiração, mas era impossível compreender ou explicar para si mesmo. (I.V. Go-?, escritor alemão. Século XIX.)

e 1. Como as atitudes em relação à arte gótica mudaram ao longo dos séculos? Com a ajuda de literatura adicional, descubra por que o estilo gótico causou tanta rejeição entre as pessoas do século XVI. 2. Como Vasari explica a origem do nome “Gótico”? Descubra se ele está certo.

3. Como você pessoalmente concorda ou discorda das opiniões aqui apresentadas? era principalmente dedicado a temas religiosos: retratava cenas descritas em livros cristãos, fortalecia a fé e assustava com os tormentos do inferno. Os templos eram decorados por dentro e por fora com centenas, senão milhares, de relevos e estátuas representando Deus e a Virgem Maria, apóstolos e santos, bispos e reis. Por exemplo, na catedral de Chartres (França) havia até 9 mil estátuas, sem contar os relevos.

Margrave Ekkehard e sua esposa Uta. Estátuas da catedral de Naumburg. Alemanha. Por volta de 1250

Já no estilo românico são visíveis técnicas de decoração de igrejas desenvolvidas na Idade Média. A maior atenção foi dada à fachada oeste, onde ficava a entrada principal: a rica decoração da fachada parecia convidar a entrar no templo. Os portais (entradas) da catedral marcavam a fronteira de dois mundos - o pecaminoso, o terreno e o sagrado, o celestial: a catedral os separava e os conectava.

Centauros, quimeras e outras criaturas de contos de fadas foram retratados nos capitéis das colunas, telhados e acima das portas. Eles são herdados de crenças pagãs e da arte popular - contos de fadas, fábulas, canções.

Bênção de Cristo.

Estátua da catedral de Amiens. França por volta de 1220

Ao contrário da arte antiga, que glorificava a beleza do corpo humano, os artistas da Idade Média procuravam revelar a riqueza da alma, dos pensamentos e dos sentimentos do homem, a sua intensa vida interior.

Há mais movimento nas estátuas góticas de santos: suas figuras finas e alongadas transmitem de maneira especialmente vívida a verdadeira aparência das pessoas.

A principal figura decorativa do templo, da cela monástica e do quarto dos leigos era a imagem de Cristo crucificado. A impecabilidade e a exaltação através do sofrimento e da misericórdia são a ideia principal da arte medieval.

Muitas imagens da Mãe de Deus - a Virgem Maria, a Madona - foram preservadas. Eles a amavam desinteressadamente, rezavam para ela com paixão; ela era vista como uma intercessora do povo diante do Filho. Mas os mestres procuraram glorificar o poder sacrificial do amor materno na representação de Nossa Senhora com o Menino nos braços.

A entrada principal da Catedral de Chartres. França. Final do século XII

Fragmento do yurtal da catedral e Chartres 3.

Pintura. As paredes das igrejas românicas estavam cobertas de pinturas. Mas havia pouco espaço para eles nas paredes das catedrais góticas. As enormes janelas estavam repletas de vitrais - pinturas ou padrões feitos de pedaços de vidro colorido, presos com aros de chumbo. Através dos vitrais, a luz penetrava no templo, brincando nas colunas, arcos e pedras do chão com reflexos coloridos, o que dava a tudo um aspecto elegante e festivo.

Uma grande conquista da pintura foram as miniaturas de livros. Muitos desenhos luminosos refletiam toda a vida de pessoas de diferentes origens e rendas: como se vestiam e penteavam os cabelos, mobiliavam suas casas, trabalhavam e passavam seus momentos de lazer, em que acreditavam e do que tinham medo. As famosas “Grandes Crônicas” descrevem em imagens toda a história da França, desde os Merovíngios até o século XIV. As ilustrações do livro alemão de canções de amor retratam a vida dos cavaleiros com torneios, caçadas e adoração à Bela Dama.

O exemplo mais famoso de miniatura é o “Calendário do Duque de Berry”.

Foi feito no início do século XV pelos três irmãos Limburg que trabalharam na França. As miniaturas do calendário refletiam uma nova atitude em relação à natureza: as pessoas desejavam admirar sua beleza.

Imagens de pessoas em

minutos de trabalho, descanso, nos relacionamentos, conexões com

a natureza, a transmissão da luz, o uso do claro-escuro - essas foram as inovações nas miniaturas de livros.

"Outubro". Miniatura do século XV.

Que clima a miniatura cria em você?

Cenas cotidianas também foram retratadas em afrescos, o que é especialmente típico das igrejas alemãs e escandinavas dos séculos XIV-XV.

1. Com base no texto e nas ilustrações, componha uma história sobre as catedrais românicas e góticas. 2. Desenvolva uma tabela para comparar catedrais românicas e góticas de acordo com partes individuais de sua planta, elementos arquitetônicos e decoração interior. 3. Que pensamentos e sentimentos os arquitetos e escultores medievais se esforçaram para expressar em suas obras? Por que meios eles conseguiram isso? 4. Qual foi o efeito do uso de vitrais em uma igreja gótica? 5. Que novidades o final da Idade Média introduziu nas miniaturas de livros e nos afrescos?

E1. Que impressão as catedrais góticas medievais que sobreviveram até hoje causam no observador moderno? 2. Explique o significado da frase: “O gótico é filho da cidade”. 3. Descubra quais eram as semelhanças e quais as diferenças na arquitetura e decoração de interiores de igrejas católicas e Igrejas ortodoxas Idade Média. Use literatura adicional e recursos online. 4. Como mudou a imagem do homem na arte medieval em comparação com a arte antiga? 5. Escreva um ensaio em nome de uma pessoa que entrou pela primeira vez em uma catedral gótica. Que sentimentos o templo evocará nele com sua decoração externa e interna?

Normalmente, quando a frase “Idade Média” é pronunciada, castelos góticos sombrios aparecem diante dos olhos, tudo é escuro, negligenciado, monótono... Este é um estereótipo que por alguma razão se desenvolveu na mente das pessoas. A pintura deste período prova o contrário - não só não é monótona, mas também muito colorida.

Arte da Idade Média: características e tendências

A Idade Média representa o período que vai do século V ao XVII. O próprio termo originou-se na Itália; acreditava-se que desta vez era um declínio cultural: a Idade Média era constantemente comparada com a Antiguidade - e a comparação não era a favor da primeira.

As características da arte da Idade Média são diversas, e todas elas estão intimamente relacionadas com os fundamentos e tradições que prevaleciam na sociedade da época. Assim, a igreja e os dogmas religiosos eram fortes - por isso a religião se tornou algo comum para a cultura da época. Além do mais, características características foi o ascetismo, a rejeição das tradições antigas e ao mesmo tempo o compromisso com a antiguidade, a atenção à mundo interior homem e sua espiritualidade.

A era geralmente é dividida em vários períodos: início da Idade Média(antes do século XI), desenvolvido (antes do século XV) e posteriormente (antes do século XVII). Cada um desses intervalos, novamente, tem suas próprias tendências. Como um exemplo - início da Idade Média distinguiu-se por uma rejeição total das tradições antigas, a escultura caiu no esquecimento, a arquitetura em madeira e o chamado estilo animal floresceram. As pessoas, via de regra, não eram retratadas e a arte era “bárbara”. Foi dada especial atenção à cor.

A Idade Média desenvolvida, ao contrário, concentrou-se na arte aplicada - tapetes, peças fundidas e miniaturas de livros estavam na moda.

Na era de final da Idade Média Os estilos românico e gótico começaram a dominar, em particular, predominaram na arquitetura, que era a principal forma de arte deste período.

Em geral, é geralmente aceita a seguinte periodização da arte da Idade Média: arte celta, cristã primitiva, arte do período de migração dos povos, arte bizantina, pré-românica, românica e gótica. A seguir, nos deteremos mais detalhadamente nos gêneros, estilos, técnicas e temas da pintura medieval. Vamos relembrar os famosos mestres.

Pintura da Idade Média

Em diferentes períodos da Idade Média, diferentes tipos de arte ganharam destaque - seja escultura ou arquitetura. Não se pode dizer que a pintura ficou à margem. Com o tempo e sob a influência das mudanças na sociedade, ela também mudou, com o que as pinturas se tornaram mais realistas e os artistas surgiram novas técnicas, temas e perspectivas de criatividade. Assim, por exemplo, apesar de a tendência de pintar telas com temas religiosos ter permanecido popular na pintura medieval de qualquer período (no entanto, a partir do século XIII começou a ocorrer com muito menos frequência), com o aumento da educação tornaram-se mais comum as chamadas pinturas seculares - conteúdo cotidiano, refletindo a vida simples pessoas comuns(incluindo a nobreza, é claro). Foi assim que surgiu a pintura realista, atípica da época. início da Idade Média. As pinturas começaram a retratar não o mundo espiritual, mas o mundo material.

As miniaturas de livros se espalharam - desta forma procuraram melhorar e decorar os livros, tornando-os mais atrativos para potenciais compradores. Surgiram também pinturas murais, assim como mosaicos, que decoravam as paredes externas e internas das igrejas - por isso devemos agradecer à Ordem Franciscana, para a qual foi construída. um grande número de estruturas semelhantes. Tudo isso aconteceu depois do século XIII - antes da pintura não receber tanta atenção, ela desempenhava um papel secundário e não era considerada algo importante. Os quadros não foram pintados - foram “pintados”, e esta palavra reflete plenamente a atitude em relação a este tipo de arte naquela época.

Com o apogeu da pintura na Idade Média, percebeu-se que pintar telas artísticas era o destino de quem realmente conhece e ama esse ofício. As pinturas já não eram “pintadas”; a sua criação já não era tratada como um passatempo divertido e acessível a todos. Via de regra, cada pintura tinha seu cliente, e essas encomendas eram feitas exclusivamente para algum fim - compravam-se telas para casas nobres, para igrejas e assim por diante. É característico que muitos artistas da Idade Média não assinassem suas obras - esse era um ofício comum para eles, assim como fazer pãezinhos para um padeiro. Mas os pintores desse período tentavam aderir a regras tácitas: influenciar emocionalmente quem olhava para a tela; ignorar tamanhos reais- para dar maior efeito; retratam diferentes períodos de tempo com o mesmo herói na imagem.

Iconografia

Flamengos

O século XV trouxe glória à Flandres - foi nesta área que surgiu uma nova técnica única, que teve um enorme impacto em toda a arte e a certa altura se tornou popular. Estamos falando da invenção das tintas a óleo. Graças à adição de óleo vegetal à mistura de corantes, as cores ficaram mais saturadas e as próprias tintas secaram muito mais rápido do que a têmpera que os pintores usavam anteriormente. Tendo tentado aplicar camada após camada, os mestres ficaram convencidos das possibilidades e perspectivas que se abriram para eles - as cores brincavam de uma forma completamente nova e os efeitos assim obtidos eclipsavam absolutamente todas as conquistas anteriores.

Não se sabe ao certo quem exatamente é o inventor das tintas a óleo. Muitas vezes o seu surgimento é atribuído, talvez, a o mestre mais famoso do Flamengo escola - Jan van Eyck. Embora antes dele Robert Campin, que, na verdade, é considerado o fundador da pintura flamenga, fosse bastante popular. No entanto, foi graças a van Eyck que as tintas a óleo se tornaram tão difundidas em toda a Europa.

Artistas proeminentes

A pintura medieval deu ao mundo muitos nomes maravilhosos. Já mencionado acima, Jan van Eyck é um excelente retratista, cujas obras se diferenciam das demais pelo interessante jogo de luz e sombra. Característica Suas telas são cuidadosamente registradas nos mínimos detalhes. Outro flamengo, Rogier van der Weyden, não estava tão atento aos detalhes, mas desenhou contornos muito claros e focou em tons coloridos e brilhantes.

Entre os mestres italianos, além dos citados acima, vale destacar Duccio e Cimabue, os fundadores do realismo, e Giovanni Bellini. Além disso, o espanhol El Greco, o holandês Hieronymus Bosch, o alemão Albrecht Durer e outros deixaram uma grande marca na arte.

A palavra “miniatura” vem de minium - este é o nome latino para minium, que era usado para escrever letras maiúsculas em textos na Idade Média.
Modelo para pintura " última Ceia"Leonardo da Vinci tornou-se um bêbado comum.
A cada novo século, a quantidade de alimentos nas naturezas mortas aumentava.
A pintura de Ticiano “Amor Terrestre e Amor Celestial” os mudou quatro vezes antes de receber tal nome.
O artista Giuseppe Arcimboldo compôs suas telas a partir de vegetais, frutas, flores e assim por diante. Muito poucas de suas obras chegaram até nós.

A pintura da Idade Média, como toda a cultura deste período, é uma camada única que pode ser estudada durante séculos. Além disso, esta é verdadeiramente uma obra-prima do património, que é nossa responsabilidade direta preservar para a posteridade.

Lição 2. Já é hora

A imagem do homem é um dos conceitos mais controversos da história mundial. cultura artística. Ao longo de diferentes épocas, as pessoas se percebiam de maneira diferente. E a partir dessa percepção seu modo de vida mudou. Hoje quero traçar um paralelo entre épocas históricas e mostrar como essa imagem mudou.

A era da antiguidade.
A era da antiguidade é considerada a era do iluminismo. A naturalidade era considerada o principal fator na percepção do mundo pelas pessoas, e corpo humano serviu como padrão no mundo da arte. Com base na semelhança da construção das proporções do corpo humano, as pessoas ergueram edifícios. Deus era homem e o homem era deus. Os deuses foram dotados de paixões humanas e vícios e estátuas foram erguidas para as pessoas, como deuses. O corpo humano era um templo. O escultor recriou em mármore cada movimento e cada dobra da roupa. Cada músculo estava em seu lugar, criando a impressão de um momento congelado na pedra, como aquele capturado pelo olhar da górgona Medusa.

Não só a escultura reproduziu o corpo humano. Os afrescos nas paredes traziam para a sala o que as pessoas queriam ver - paisagens, cenas de festas, danças, motivos mitológicos, cenas de natureza erótica. E tudo foi retratado da mesma forma - com grande precisão.

Nos séculos I-III dC, após a captura do Egito por Alexandre o Grande, foram feitos retratos funerários na cidade egípcia de Fayum, que se distinguiam pela notável semelhança com uma pessoa viva e pela técnica de execução que lembra as pinturas renascentistas. As pessoas aprenderão a escrever assim novamente somente depois de mil anos.

A idade média.
A Idade Média, segundo várias estimativas, durou de oitocentos a mil e duzentos anos em diferentes regiões da Europa. Foi um período de tempos conturbados, com muitos marcos, tanto na história quanto na arte. Deus tornou-se o principal para o povo europeu. O corpo se transformou em um rudimento, uma algema para a alma humana imortal. Afinal, a alma é imortal, mas o que é o corpo? O corpo, claro, quer alguma coisa constantemente: precisa comer, dormir, precisa de calor, precisa de carinho. Jesus sofreu por nós na cruz, e devemos sofrer domesticando nossos corpos para purificar nossas almas. Uma pessoa é concebida em pecado, nasce em pecado, e pelo resto da vida tenta expiar esse pecado para entrar no Reino dos Céus.

Como no Egito, existe um culto à vida após a vida, mas, ao contrário do Egito, para uma pessoa medieval, a vida deveria ter começado somente após a morte. E, como o corpo é tão frágil e, na verdade, desnecessário, não adianta tentar retratá-lo lindamente. No início, os artistas aprenderam a desaprender a desenhar pessoas, depois, séculos depois, tentaram aprender novamente.

O homem era pequeno e insignificante, mas o que se desenvolveu foi a arte e a arquitetura do templo. O período conturbado da guerra deu lugar à paz - o estilo românico da arquitetura, com suas grossas paredes fortificadas e pequenas janelas vazadas, foi substituído pelo gótico, e se tornou o primeiro estilo a unir toda a Europa. Na época gótica, a Igreja deixou de ser uma estrutura defensiva, onde muitas pessoas eram protegidas por Deus (e grossas paredes), todas mais pessoas começaram a visitar igrejas, e os arquitetos foram obrigados a ter mais espaço interno para acomodar todos os paroquianos. Isso foi decidido distribuindo o peso do edifício na estrutura em arco interna e nos arcobotantes e contrafortes externos. O próprio nome “Gótico” veio da zombaria de que o desenho em arco das catedrais se assemelhava em aparência às casas construídas pelas tribos góticas, ligando as copas das árvores para criar uma habitação abobadada. A distribuição do peso do edifício resolveu o problema das paredes grossas e permitiu aos arquitetos projetar enormes vãos de janelas, que foram preenchidos com vitrais, que surgiram ao mesmo tempo. A abundância de decoração completava o quadro - tudo o que existe no mundo foi feito pelo Criador - o que significa que não há nada de errado em usá-lo em todos os lugares. Imagine só: um homem simples da aldeia vem à cidade para ir à igreja e uma bela e enorme estrutura aberta fica à sua frente. Ele entra e vê raios de luz iridescente nas aberturas das janelas, representando santos e cenas da Bíblia. E ele entende que Deus realmente existe.

Renascimento.

Após a Idade Média, vem o Renascimento, quando as pessoas começaram a escavar cidades antigas, a encontrar objetos de arte antigos e a compreender que as coisas já foram diferentes. O enfraquecimento do poder da Igreja leva ao fato de a sociedade se tornar mais secular. Os artistas estão aprendendo a pintar uma pessoa novamente, só que para isso precisam abri-la para descobrir onde estão localizados os músculos e os ossos e como desenhar corretamente uma silhueta a partir disso. Eles continuam a escrever sobre temas religiosos, mas, ao mesmo tempo, as pessoas os encomendam para pintar os seus retratos como santos, o que mostra o quanto a igreja perdeu o seu poder nas suas mentes. Os artistas experimentam técnicas, inventam novas cores, novos estilos. Sabe-se que Leonardo da Vinci foi um dos primeiros a pintar a óleo. Sua contribuição para a pintura "O Batismo de Cristo" de Verrocchio, um anjo ajoelhado, revelou-se tão brilhante e viva que Verrocchio, segundo a lenda, trocou a pintura pela escultura, dizendo que o aluno, na primeira vez, superou o professor, e ele não tinha nada para lhe ensinar.

Época barroca.
Após o Renascimento, mas de caráter diferente, vem a era barroca. As pessoas da era barroca se afastam da antiga naturalidade em sua ideia de beleza e se esforçam para deformar, modernizar seus corpos e dar-lhes uma forma nova e ideal. Espartilhos, rostos branqueados com “manchas” pintadas e perucas empoadas nas quais enxameavam piolhos e ratos entraram na moda. A propósito, as perucas masculinas encaracoladas foram introduzidas na moda pelo rei Luís XIV. Vivendo pelo princípio de “manter os amigos por perto e os inimigos ainda mais próximos”, cercou-se de ministros e líderes militares, que com o tempo se transformaram em bajuladores, tentando chamar a atenção do governante e repetindo suas mudanças de roupa. Quando Louis começou a ficar careca, ele colocou uma peruca. Todos ao seu redor fizeram o mesmo.

Na época barroca, grande amor era dado aos detalhes excessivos, às decorações esculpidas, à douração e às lâmpadas para um grande número de velas. E ilusões de ótica. O barroco italiano se destacou principalmente em termos de ilusões. E o pintor e arquiteto florentino Andrea Pozzo é considerado um mestre insuperável. As obras-primas de Pozzo são consideradas os afrescos da abside, do teto e da pintura do espaço sob a cúpula da igreja romana jesuíta de San Ignazio. Durante a construção da igreja, por falta de recursos, a cúpula não foi erguida. Os monges decidiram substituir a cúpula pela pintura e, para não ultrapassarem o orçamento e garantirem que tudo era feito de acordo com os cânones jesuítas, convidaram um dos seus monges, Andrea Pozzo, para fazer esta obra. Pozzo começou pintando uma pequena cúpula na abside do edifício. Os monges gostaram tanto deste trabalho que lhe ordenaram que pintasse o espaço sob a cúpula acima do altar.
Na maioria ponto alto- O próprio Santo Inácio, fundador da Igreja Jesuíta, e o Reino Celestial que o espera.

As pessoas começaram a fazer a pergunta “O que somos?” com mais frequência. O filósofo francês René Descartes, observando as estátuas das fontes da moda da época, que permaneciam imóveis e, quando uma pessoa se aproximava delas, ganhava vida e o encharcava com água, pensou - e se o movimento dos organismos vivos também dependesse de alavancas, engrenagens e pistões? Ele começou a buscar uma resposta, submetendo cada um de seus julgamentos à refutação e chegou à conclusão de que apenas o pensamento permanecia irrefutável. Foi assim que ele chegou à sua famosa frase posterior - “Cogito ergo sum”. “Penso, logo existo.”

A Era do Classicismo.
Na era do Classicismo, os artistas recorrem novamente às tradições antigas, tomando-as como padrão. Elementos de edifícios antigos aparecem na arquitetura - pórticos, colunas - na pintura - estátuas antigas, os personagens são frequentemente vestidos de maneira antiga. Daí emergirá posteriormente o academicismo - um estilo de arte contra o qual os impressionistas e outros rebeldes artísticos lutarão.

Duas partes diferentes do mundo.
E, para concluir, gostaria de falar sobre duas partes do mundo que são radicalmente diferentes nas suas visões sobre o que é a beleza. Estes são os países do Leste Asiático - Japão e China - e os Estados Unidos da América.
Falarei da China e do Japão em conjunto, porque a sua cultura tem muito em comum, embora com forte influência da mentalidade dos seus países. Na cultura chinesa não existe valor como tal vida humana- sempre foram muitos - um irá embora, outro virá em seu lugar. Como dizem os próprios chineses: “Não há valor na vida humana - existe um decreto do imperador” - se tiver que morrer, você morre. Mas, por outro lado, o objetivo de cada pessoa na vida é alcançar a felicidade pessoal, e ninguém tem o direito de privá-lo disso. Além disso, na cultura chinesa, cada símbolo possui um poder oculto. Eles até constroem arquitetura à semelhança de algum tipo de hieróglifo ou sinal, para que o próprio edifício funcione para atingir seu objetivo. Para o Japão é muito difícil. Yin e Yang são a unidade dos opostos, no branco há um pedaço de preto, na terra há um pedaço de céu - para eles é muito difícil. Tiraram da cultura chinesa o que consideravam suficiente - harmonia e naturalidade.
Os três principais conceitos de beleza na cultura japonesa são “yu-gen” – uma sugestão – “wabi” – vazio – e “sabi” – pátina, prova de finitude. A dica é shoji translúcido, luz passando por uma lanterna de papel. O que está aberto não é interessante. O que é interessante é o que está por trás da forma borrada. No Japão não existe tal atitude em relação à nudez como na Europa - isso é natural. E como é natural, significa que não há vergonha. A nudez não é excitante, a menos que seja essa a intenção. É muito mais interessante quando o corpo está escondido em camadas de roupa, como uma pérola, e você consegue adivinhar o que tem dentro. O mesmo se pode dizer da confeitaria japonesa, que tem um sabor muito delicado e leve. Doçura natural de pasta de feijão, ágar-ágar e frutas vermelhas adicionadas para decoração. Eles não adicionam açúcar porque o excesso não é divertido.
Na Europa o vazio é algo terrível, incompreensível, o vazio não é nada. No Japão, o vazio é a origem de tudo. Eles não pintam um tordo sobre uma peônia - eles pintam um vazio para realçar as próprias figuras. Basho, denotando silêncio, não escreveu “tão baixo”, ele escreveu “você pode ouvir o tique-taque do relógio”. Assim como o silêncio é enfatizado através do som silencioso, também aqui o artista deixa o vazio na tela ao colocar personagens ali.
Sem morte, a vida não pode ser compreendida. A morte faz parte da vida, então através dela você conhece a beleza da vida. Os japoneses chamam os europeus de unilaterais porque negam a morte e vivem para viver e se alegrar. Mas esquecendo que a vida é finita, é impossível desfrutar plenamente da sua plenitude. Sem o bem não há mal, sem privação você não compreenderá toda a beleza da aquisição. É a mesma coisa com uma coisa. Se já passou do tempo, se está rachado, desgastado - a sua fragilidade é visível - isso o torna ainda mais bonito - tem alma. Mesmo os selos novos têm um pedaço especialmente cortado para mostrar sua finitude, naturalidade – e, portanto, beleza. Nos tempos antigos, não eram permitidas lascas ou rachaduras - o objeto era finito e, portanto, não ideal. No Japão, ao contrário – já que tudo tem morte – ela é ainda mais valorizada. As flores de cerejeira são o epítome disso. Porque as pétalas caem das árvores em muito pouco tempo e você precisa aproveitar cada momento que as vê.

Os EUA incutem sua cultura no mundo através de filmes. A cultura de um ideal inatingível – a cultura da transformação, de viver em sonhos. Até mesmo George Bush pai disse no seu discurso que “a missão sagrada confiada à América é fazer com que todos os outros pensem da mesma maneira que nós”. Foi da América que veio a moda da cirurgia plástica - a conquista de um ideal inexistente. Em um mundo perfeito nunca morre personagem principal. Num mundo ideal sempre há um final feliz. Não existem regras rígidas a serem seguidas, então você não encontrará documentários “históricos” confiáveis. Esta não é a história deles - não são eles que vão trabalhar todos os dias no Partenon - vestiram as pessoas com togas, ergueram colunas - esta é a Grécia. E não importa como as pessoas interagem. Portanto, cada um desses filmes nos mostra, americanos modernos, em ambientes diferentes. O principal é que é espetacular. O mesmo vale para estilos. A América é um país com estilos e formas próprios. Não há estilos artísticos, compreensível para nós - barroco, classicismo, art novo - existe um estilo palaciano, que contém tudo o que uma pessoa considera luxo: colunas, um vaso sanitário dourado, uma cama de dossel. Estilo marinho, tropical, industrial - e muito, muito mais.
Deve-se notar também que os americanos são pessoas que não gostam de ser considerados estúpidos, por isso não gostam de formas e metáforas complexas que não conseguem compreender. Isto também inclui comparações excessivamente simples – pela mesma razão. A maior parte das pessoas chega ao “meio-termo” entre esses pólos - em um espaço lindamente apresentado, velado apenas o suficiente para que a pessoa pareça ter adivinhado tudo sozinha. E tem gente que inventa e cria esse meio-termo para o cidadão comum.
A cultura americana é caracterizada pela ausência de folclore. Os colonos não tinham mitos próprios, não nasceram novos deuses - eles eram “adultos” demais para isso. É por isso que os americanos criaram seus próprios gênios e duendes. Eles têm super-heróis. A América é o único país que tem super-heróis. Afinal, o que é um super-herói? Uma pessoa ideal, criando um mundo ideal.

*material coletado de diversas fontes

Retrato Medieval, arte do retrato da Idade Média- uma fase de certo declínio na história do desenvolvimento do gênero retrato, manifestada na perda de realismo e no maior interesse pela espiritualidade dos retratados.

Nos retratos do início da era cristã, as reminiscências do realismo antigo permanecem por muito tempo. Mais tarde - nas épocas carolíngia e românica - as linhas entre o ícone e a imagem do retrato foram completamente apagadas. Durante a Idade Média madura, iniciou-se um processo inverso: o naturalismo começou a retornar às obras góticas, que lançariam as bases para o desenvolvimento do Renascimento.

Primeira Idade Média

Imperador Teodósio II - a escultura do imperador bizantino do século V pertence ao último período do desenvolvimento do retrato escultórico romano e demonstra claramente características que seriam relevantes no retrato da Idade Média - perda da semelhança do retrato, ênfase na olhos, pois refletem a vida espiritual

Ideologia

A arte medieval não conhecia o retrato em significado moderno este conceito, ou seja, “uma imagem confiável para a vida Individual rosto humano." Ao contrário dos mestres Antigo Egito, na antiguidade ou nos tempos modernos posteriores, os artistas medievais não perseguiram a tarefa de uma semelhança viva da imagem com o original. O princípio da “imitação da natureza” era estranho à natureza estética da Idade Média. Mas, como escreve Viktor Grashchenkov, desta vez não deve ser considerado uma “ruptura” na evolução do gênero retrato. Na Idade Média, o retrato encontrou, no entanto, o seu lugar (bastante modesto) e foi expresso em formas bastante modestas e convencionais. Este retrato parece incompleto, o que se deve a uma tarefa estética diferente dos mestres, para quem o mundo material com as suas formas individuais não era importante e permanecia apenas um reflexo, uma sombra do mundo supra-sensível. Em suas obras, os mestres medievais buscavam o absoluto e imitavam não a natureza, mas a imagem eterna da beleza humana. Além do significado literal, cada imagem também tinha um significado alegórico.

Visto que o homem foi criado “à imagem e semelhança de Deus”, a aparência individual de qualquer pessoa na terra foi o resultado de um desvio acidental – e portanto secundário – do ideal mais elevado causado pelo pecado original. Portanto, o artista, retratando uma pessoa, procurou transmitir não o que distingue uma pessoa de outra fisicamente, mas para representar aquela coisa comum que é típica para todas as pessoas em geral, unindo-as em sua essência espiritual e aproximando-as do protótipo concebido por Deus.

O artista medieval precisava de um número bastante limitado de meios visuais para cumprir sua tarefa - “refletir a diversidade que existe na uniformidade”. Ele não viu uma diferença fundamental na representação dos santos falecidos ou de seus contemporâneos; eles apenas ocupavam lugares diferentes na hierarquia espiritual.

Ao retratar um rosto, o mestre medieval utilizou um estereótipo desenvolvido de uma vez por todas, fazendo nele pequenas alterações à medida que trabalhava, necessárias para dar corpo aos personagens da trama. Este estereótipo (cânone) geralmente não dependia do artista, mas da tradição iconográfica e pictórica da própria escola de arte. À medida que o princípio individual cresce no pensamento criativo dos mestres, este cânone começará a refletir cada vez mais o estilo pessoal do artista.

À medida que a Idade Média chegar ao fim e o individualismo do sentimento religioso procurar uma fusão mais direta da personalidade (a personalidade do cliente) com a imagem sagrada, as imagens de uma pessoa tornar-se-ão cada vez mais “retrato”, dotadas de com características individuais.

Imperatriz Zoe

Falta de semelhança

Cristo, Imperatriz Zoe e Constantino IX Monomakh. Mosaico no coro de Sofia de Constantinopla

Por todas estas razões, “a imagem de uma personalidade humana real perdeu a sua individualidade vital na arte medieval. Quase se dissolveu na impessoalidade icónica, expressando-se numa forma artística que poderia ser definida como um “retrato simbólico”. Antes do advento de um certo naturalismo na arte gótica, os retratos medievais estavam longe da autenticidade documental. O princípio individual só ocasionalmente entrava no cânone e no estereótipo, e mesmo assim apenas como uma sugestão sutil, uma designação convencional.

Tipos de monumentos

A Igreja permitiu a representação de uma pessoa individual apenas em dois casos:

Ritual: anexado a imagens sagradas como lembrança de algum ato piedoso
Memorial: em uma lápide

Em ambos os casos, não se buscou a semelhança do retrato, a imagem poderia ser totalmente condicional e compensada por atributos ou inscrições.

Na primeira categoria (inscritos na imagem sagrada), na maioria das vezes há imagens de imperadores, reis e outros monarcas, bem como de hierarcas espirituais - papas e bispos; isto é, fiéis defensores da Igreja, doadores (ktitors) e fanáticos da piedade.

Cristo coroa Rogério II, Martorana

Iconografia cristã primitiva: imperadores, patriarcas e cortesãos são representados ao lado de Cristo e dos santos como participantes da sagrada liturgia. O culto ao poder do imperador está intimamente ligado ao culto cristão, ainda novo. (Mosaicos de San Vitale em Ravenna, século IV).
Mais período tardio: os retratos dos governantes passam a ocupar um lugar mais modesto no sistema de decoração do templo, passando para o nártex, para o coro. Os imperadores começam a cair aos pés de Cristo e dos santos, orando por intercessão. Outra opção é colocar retratos de monarcas nas igrejas para lembrar aos paroquianos as suas origens divinas. poder secular. Nessas imagens, o monarca recebe a coroa das mãos de Cristo, aparece diante dele com toda a sua família (rei siciliano Rogério II nos mosaicos de Martorana em Palermo, século XII; imperadores em Hagia Sophia, Constantinopla; Yaroslav, o Sábio, com seu família em Kiev Sophia).
As imagens do monarca não estão relacionadas às imagens da igreja. Tais retratos sempre apareceram durante o surgimento da ideia do Sacro Império Romano e a intensificação do culto ao imperador (de Carlos Magno a Frederico II). Esta tradição remonta ao sistema de glorificação dos “grandes homens” que existia na antiguidade. Também foi usado pelos pontífices: o Papa Leão Magno ordenou que "retratos" de seus antecessores fossem pintados em San Paolo Fuori le Mura, duas séries semelhantes foram na Basílica de São Pedro e outra na Basílica de Latrão.
Um grupo separado pode ser distinguido autorretratos de mestres, também bastante condicional. Na maioria das vezes, são ilustrações em manuscritos que retratam o autor apresentando o manuscrito que ele criou ao cliente. Existem também exemplos mais raros de autorretratos criados por escultores - mestres de fundição (mestres de Magdeburgo no Portão Korsun de Sofia de Novgorod, século XII).

Retrato em estilo gótico maduro

No gótico, o retrato se tornará um fenômeno mais completo e bem-sucedido. A arte gótica será caracterizada pelo “naturalismo” (nas palavras de M. Dvorak), o que, claro, afetará a imagem do homem. Uma característica geral da arte gótica madura é o interesse em uma representação fiel da aparência humana.

Em primeiro lugar, este naturalismo manifestar-se-á na escultura redonda. Exemplos de monumentos:

Estátuas de Reims, Chartres e Bamberg (2º quartel do século XIII)
12 estátuas dos fundadores da Catedral de Naumburg (meados do século XIII), que, apesar de serem retratos póstumos, são bastante realistas.

As lápides, com suas características de gênero, também proporcionaram a oportunidade de preservação e desenvolvimento do retrato.

Frederico de Wettin

Siegfrido III de Eppenstein

Exemplos de representações de pessoas falecidas - geralmente membros do alto clero - na forma de relevos ou esculturas em túmulos de altar datam do início ou final da Idade Média: por exemplo, o túmulo do Arcebispo Frederico de Wettin (c. 1152) em A Catedral de Magdeburg, ou a de Siegfried III de Eppenstein (falecido em 1249) (Catedral de Mainz) é retratada coroando dois reis de tamanho reduzido.

As lápides medievais (por exemplo, as reais em Saint-Denis) demonstram a evolução: no início, as figuras dos falecidos eram feitas com uma interpretação idealmente convencional do rosto jovem na forma de uma máscara congelada, animada por um padrão “gótico sorria”, sem qualquer indício de semelhança com retrato. Mas no final do século XIII a situação começou a mudar. Os pesquisadores sugeriram (não provaram) que talvez nessa época os escultores tenham começado a usar máscaras mortuárias (por exemplo, para a estátua da rainha francesa Isabel de Aragão, Cosenza; lápide de Filipe, o Belo, Saint-Denis, 1298-1307). Essa versão se deve ao fato de que uma certa individualização começa a aparecer nos rostos.

Retrato gótico tardio

O nascimento do verdadeiro gênero do retrato ocorre durante o período gótico tardio, graças ao despertar espiritual da Europa, iniciado no final do século XII. Este processo teve um longo desenvolvimento e levou ao facto de que, no século XV, enquanto na Itália novas ideias humanísticas sobre o homem eram estabelecidas como base da cultura, o Norte da Europa se baseava na Nova Piedade (Devoção moderna) místicos do norte.

Com o tempo, o gótico penetrou na Itália e inicialmente retardou o desenvolvimento do Proto-Renascimento; então ela conseguiu enriquecê-lo. Ao mesmo tempo, as conquistas realistas de Giotto (na apresentação gótica de Siena e na pintura parcialmente florentina da 2ª metade do século XIV) penetraram na França e em outros países transalpinos e foram adotadas pela sua arte.

O gótico tardio passou por uma crise e por uma profunda necessidade de mudança, por isso abraçou ativamente o realismo do Trecento. Se no gótico maduro tudo se concentrava em torno da catedral, no século XIV começou o colapso desta unidade catedral estilo gótico Além das formas monumentais, estão se desenvolvendo gêneros de câmara (especialmente miniaturas de livros). A igreja e a comuna da cidade perdem o seu papel de liderança na vida artística, que é transferida para os soberanos seculares. Suas residências tornam-se uma concentração das melhores forças criativas.

Principais centros

Retrato da Idade Média italiana (Proto-Renascença)

Características e monumentos do Norte da Europa

Rudolf IV usando a coroa do arquiduque. O primeiro retrato de meia frente na Europa Ocidental.

O ponto culminante da arte gótica tardia é o gótico internacional. A evolução do retrato gótico tardio ocorre em parte sob influência italiana, e também em estreita ligação com o desenvolvimento de imagens de retratos em plástico, que já estão firmemente “de pé”.

Retratos de perfil no estilo de Simone Martini, principalmente de Matteo Giovannetti de Viterbo, serviram como exemplo direto para artistas góticos do norte. Podem ser não apenas imagens de doadores e afrescos, mas também imagens de cavalete que não chegaram até nós. O estilo dos retratos da corte francesa desenvolveu-se sob sua influência. O primeiro exemplo é um retrato de João II, o Bom, pintado c. 1360, que se acredita ser de Girard d'Orléans (Louvre). Segundo a tradição italiana, o fundo é dourado, a imagem é de perfil e na altura do peito. Mas utiliza um contorno expressivo e detalhes finos do rosto, que transmitem a semelhança sem a idealização tão característica dos modelos italianos. Ele revela uma clareza e uma imparcialidade verdadeira que se tornará o princípio programático de todo o retrato do Norte da Europa.

Enquanto o retrato italiano manterá uma ligação com o estilo e as formas generalizadas dos afrescos, o retrato francês revela uma dependência direta da arte das miniaturas góticas. Por exemplo, veja os retratos de doadores de Carlos V e Joana de Bourbon em composição monocromática com caneta sobre seda - “Vestido Norbonne”, (c. 1375, Louvre).

Mestre Teodorico (?). Imagem votiva do Arcebispo Jan Oczko, fragmento com a imagem do Imperador Carlos

"Walton Diptych": Rei Ricardo II com Santos. Edmundo, o Mártir, Eduardo, o Confessor e João Batista aparecem diante de Nossa Senhora

Os retratos de Avignon são apenas uma das fontes que alimentaram o retrato gótico de cavalete. Havia necessidade desse gênero no gótico tardio, e ele teria surgido sem influências italianas. Assim, ao mesmo tempo, um tipo completamente diferente de retrato de cavalete apareceu entre os mestres alemães e tchecos - o modelo não é retratado de perfil, mas em três quartos. O primeiro exemplo é um retrato do arquiduque Rodolfo IV da Áustria (c. 1365, Viena, Catedral e Museu Diocesano). O autor desconhecido foi guiado pelo estilo do Mestre Teodorico de Praga (a capela do Castelo Karlštejn, c. 1365, onde as meias figuras dos santos são representadas em três quartos de volta). O mesmo são os retratos do imperador Carlos IV e de seu filho Venceslau no retábulo encomendado pelo arcebispo Jan Oczko (c. 1371-75, Praga, Galeria Nacional, atribuído ao Mestre Teodorico). Aparentemente, esta solução para a composição do retrato surgiu graças à escultura.

Mestre Boucicaut. Carlos VI conversando com o chanceler Pierre Salmon na presença dos príncipes. 1412. "Diálogos de Pierre Salmon", Genebra, Biblioteca Pública e Universitária

No retrato do arquiduque Rodolfo IV, o mestre tenta reproduzir o espaço tridimensional em um plano com espontaneidade ingênua, desconhecendo as regras de redução de perspectiva. A construção do nariz e dos olhos corresponde aproximadamente ao giro da cabeça, a boca é reta e a coroa é aplicada com apliques. O retrato dá a impressão de uma miniatura ampliada.

Esse novo tipo as imagens têm potencialmente maior potencial para transmitir individualidade. Mas numa fase inicial permanece primitivo, inferior em integridade ao retrato de perfil tradicional. Ambas as opções existirão em igualdade de condições na pintura e nas miniaturas até ao primeiro quartel do século XV, interrompidas apenas com a vitória dos princípios realistas ars nova.

O retrato rapidamente se tornou um gênero independente nas condições da cultura da corte. Ele ganha um papel importante na vida privada e pública. Os retratos são coletados, enviados a tribunais amigos das embaixadas e servem como documentos para a celebração de contratos de casamento. Além dos retratos de João Bom e Rodolfo, todas as outras obras mencionadas nas fontes não sobreviveram. Sua perda é compensada por retratos em imagens religiosas (por exemplo, o Díptico Walton do Rei Ricardo II, c. 1395, Londres, National Gallery) e miniaturas.

Nas miniaturas, os retratos tinham caráter doador, e também eram incluídos em alguma cena social. Desenvolvem técnicas composicionais únicas, que irão influenciar a construção da imagem nos retratos de cavalete. Grashchenkov sugere que o aparecimento no retrato franco-borgonhês do século XV de composições de semifiguras de perfil, que já incluem mãos, pode ser explicado pela utilização de motivos de miniaturas da época com cenas da vida na corte. Tais obras incluem as obras dos irmãos Limburg (mais notavelmente o seu Magnífico Livro de Horas, 1413-16) e miniaturas do Mestre Boucicaut (1412, Genebra). Um exemplo típico dessa tendência são as miniaturas que representam a apresentação de manuscritos iluminados do artista ou cliente ao rei ou outro patrono, bem como cenas de orações e serviços religiosos.

Retratos do Círculo Franco-Flamengo

Retrato de Luís II de Anjou (artista desconhecido, c. 1412-15, Paris, Biblioteca Nacional)

Artista desconhecido do círculo franco-borgonhês. Retrato de uma mulher, ca. 1410-1420. Washington, Galeria Nacional.

Vários retratos do círculo franco-flamengo-borgonhês foram criados nas décadas de 1400-1420. (chegou em originais e cópias). Todos eles são perfilados e escritos sob a influência dos irmãos Limburg e Jean Maluel. Entre eles, um retrato em aquarela de Luís II de Anjou (artista desconhecido, c. 1412-15) se destaca um pouco, o que dá continuidade direta à tradição “italianizante” da escola parisiense. Mas a tendência realista estabelecida pelos Limburg rapidamente se dissolve na estilização gótica dos artistas da corte de João, o Destemido - ver, por exemplo, o retrato do próprio duque, preservado em uma cópia (Louvre): alongamento desproporcional do figura, cabeça pequena, gestos manuais educados, falta de profundidade espacial, silhueta plana. O retrato caligraficamente estilizado de uma mulher de Washington é igualmente fofo e sofisticado.