Maurice Bejart: “Sou uma mulher pública”. O mundo e a juventude de Maurice Bejart Maurice Bejard pessoal

Quando no ano passado, no palco do ortodoxo Teatro Bolshoi e do não menos ortodoxo Palácio do Kremlin, o mundialmente famoso coreógrafo e ex-dançarino, Maurice Bejart, um homem mais do que alheio à ortodoxia em tudo, mostrou dois de seus balés a um casa cheia, falava-se sobre sua orientação sexual e casos amorosos, não havia menos conexões do que sobre seu trabalho, até porque este último é profundamente permeado pelo tema do amor. Já escrevemos sobre a visita de Bejart (ver “Amor” nº 9 (42) “98), e hoje publicamos o pensamento desta pessoa extraordinária, extraído de seu livro autobiográfico e dedicado ao amor, erotismo, sexo na vida de uma pessoa de arte.

Toda a vida é amor. O amor é teatro. E o teatro é um bordel

A artista (tanto performer quanto escritora) não está muito distante da mulher pública. Aproximar? Por que está perto? A artista é uma mulher pública! Se ele gosta, a satisfação é grande, mas não é necessária. Ele não tem o direito de exigir isso. Não é por isso que ele está aqui. Ele deve satisfazer o cliente – o público. “Meu querido público”, disse Anna Magnani, estendendo as mãos para ela...

O facto de ter dormido lado a lado com o meu pai dos sete aos nove anos, ou seja, entre a morte da minha mãe e o momento em que fui expulso pelo novo casamento do meu pai, deu-me sensações eróticas, cuja vivacidade Eu embelezei. No divã do Dr. Freud eu provavelmente teria sido forçado a dizer isso, mas preferia todos os teatros do mundo a este divã estreito.

A cronologia da minha vida é a cronologia dos meus balés? Tenho convicção de que minha vida foi marcada por tudo que amei, principalmente pelas pessoas. Minha vida, se essas duas palavras fazem algum sentido, é uma luva de amor que torço e transformo em performance. Nesse caso, minhas performances são minhas novelas de romance, desgastado do avesso? Sim.

O amor está morto. Viva o amor!

Recuso-me a catalogar meus romances; não sou arquivista. Tenho afirmado invariavelmente: o amor que acabou está morto para mim e não há risco de ressuscitar. Fui acusado de ser frio e de coisas muito piores. Mas a culpa é minha? O que está morto está morto. Olho para o outro como se nada tivesse acontecido. Terrível? Acho que essa é uma atitude saudável.

O que é verdade sobre o engano de novas reuniões? “Nunca amei ninguém tanto quanto amo você” - uma mentira da qual você quer transformar a verdade, compartilhando-a confidencialmente com amigos raros: “Parece estúpido dizer isso, mas, realmente, esse novo amor é definitivamente o primeiro - eu nunca não amei!"

Histórias sobre casos amorosos são ainda mais chatas do que filmes pornográficos. É verdade que, se isso for escrito, há pelo menos tempo para imaginar - o que os filmes, infelizmente, não oferecem. O desejo principal. Os filmes pornográficos seriam muito mais emocionantes se o que mostrassem em cada quadro e desde o primeiro segundo acontecesse apenas no último. Que tipo de alegria é receber imediatamente algo que você ainda nem teve tempo de desejar?

Dança da paixão e paixão da dança

Quase sempre adorei dançarinos. Eu não poderia amar ninguém estranho à minha profissão. No amor, adoro me identificar e me identificar de forma mais plena e alegre com a dançarina, e não com a dançarina. No entanto, aos vinte e poucos anos, compartilhei meus dias e noites com várias mulheres. Mas uma mulher dotada de um gênio organizacional (eu não teria nada contra as mulheres à frente de todos os estados) nunca possui, em minha opinião, nem o dom do devaneio inconsciente, nem o amor pela brincadeira que é inerente ao homem. Digo isso porque penso assim.

De qualquer forma, gosto de me identificar e, repito, gosto de me identificar com os homens. Gostaria de me tornar Nijinsky ou Richard Wagner ou Molière. Adorei Stravinsky, Webern e Mahler. Ao estudar a partitura, tento me tornar a pessoa que a escreveu. Eu me dedico ao amor sem parar. Costumo dizer que a coreografia é um assunto entre duas pessoas, assim como o amor. No trabalho coreográfico, o bailarino é mais importante que o coreógrafo. A obra existe graças à dançarina. Sou apenas um organizador. Se eu não tivesse uma dançarina comigo, o que eu poderia fazer? Apenas entregue-se a sonhos vagos.

E os dançarinos? Trabalhei com dançarinos maravilhosos. Eu preciso de mundo das mulheres. Dei vida ao palco a Romeu e Julieta, à Laura de Petrarca e à amada Matilda de Wagner. Digamos que vejo Romeu com meus próprios olhos e Julieta através dos olhos de Romeu.

No campo de batalha que escolhi para mim - na vida da dança - dei aos bailarinos aquilo a que eles tinham direito. Não deixei espaço para a dançarina afeminada e de salão. Devolvi os cisnes ao seu gênero - o gênero de Zeus, que seduziu Leda. Estava farto dos cisnes do “Lago dos Cisnes” e criei o balé “Cisnes”, onde três bailarinos com torsos nus encarnavam o pássaro mítico.

Espelhos, sombras, duplos, máscaras - através de tudo isso o amor penetra no meu trabalho.

O brilho e a pobreza do sexo

Quanto ao sexo, às vezes é o ponto focal do mundo, o lingam (símbolo fálico associado ao culto de Shiva) do hinduísmo, e às vezes algo insignificante, o objeto da decepção de X e da paixão de Y.

Fiquei feliz em fazer Orfeu porque estava feliz por ser Orfeu nele. Aqui realmente não valia a pena dizer nada: Orfeu sou eu. Não houve pretensão aqui, suponho, já que fiz Orfeu homem moderno, livrando-o de todo o lixo e simbolismo que se acumulou ao longo dos séculos e sobrecarregou a lenda.

Trabalhando sobre um mito (Orfeu), que invade a área da relação entre arte e homem, acabei mostrando a relação entre o homem e sua vida: solidão, viagens, sexo, ódio, amor, morte. E, em vez de repetir palavras tão estúpidas como pérolas falsas, dançar deu-me uma feliz oportunidade de falar com os nossos corpos e despertar os corpos do público.

Para uma apresentação de balé deve ser percebido com o corpo e não com os olhos.

Faça amor não faça guerra!

Não há morte. Há aqueles que morrem. Sou indiferente à minha morte, não penso nisso, vai acontecer, só isso. Para se proteger da morte, você pode introduzi-la nos balés. Mas isso nunca me atraiu. Não gosto de acabar morto. Eu adoro avivamento. Quando encenei “Romeu e Júlia”, depois da morte, necessariamente de acordo com a trama, trouxe todos para o palco para que gritassem: “Amor - não lute!” No final de “Nijinsky”, ouve-se uma frase do diário de Nijinsky: “Não há nada terrível, tudo é alegria”, e uma mão estende uma rosa.

Em 1953, Maurice Béjart organizou (junto com Jean Laurent) sua própria trupe - "Balés românticos". Em 1954 deu-lhe um nome diferente - "Ballet Estrela", sob a qual existiu até 1957. Já os primeiros trabalhos de Bejart são caracterizados pelo seu estilo característico: ele não usa roupas tradicionais de balé e professa o minimalismo na cenografia. Em sintonia com os tempos, a sua paixão pela filosofia e pela literatura existencialista reflecte-se na sua obra. Aborda temas atuais e música contemporânea.

Em meados dos anos 50. a fama chega ao jovem coreógrafo, que em breve se transformará em verdadeira fama. Tudo começou com os balés “Symphony for a Lonely Man” de P. Henri e P. Schaeffer (1955) e “High Tension” de M. Constant e P. Henri (1956).

Em 1957-60. trabalhou com sua nova trupe Teatro de Balé de Paris, para o qual encenou os balés “Alien” com música de E. Villa Lobos, “Pulcinella” de I. Stravinsky (ambos de 1957), “Orpheus” de P. Henri (1958), “Temas e Variações” para música jazz (1959).

Em 1959, criou um de seus balés mais famosos, que se tornou um clássico do século XX, “A Sagração da Primavera”. A apresentação foi encenada no palco do Royal Theatre de La Monnaie (Bruxelas) e contou com a participação de artistas de três companhias de balé - o próprio Bejart, Milord Miskovich e o Theatre de La Monnaie.

Após o sucesso triunfante desta produção, Bejart foi convidado a trabalhar no Théâtre de La Monnaie, onde em 1960 nasceu a trupe mundialmente famosa com elenco internacional. Balé do século 20. Ela viajou muito e foi convidada bem-vinda nos maiores teatros e festivais do mundo.

Entre os balés mais famosos criados por Maurice Béjart para esta trupe está o Bolero de M. Ravel, em que uma mulher (1961) e um homem dançam a parte solo (1977) e o corpo de balé é inteiramente masculino ou feminino. Na parte solo, a parte de Melody, o grande bailarino Jorge Donne, estrela do Ballet do século XX, atuou com particular sucesso. Em 1977, em Bruxelas, Maya Plisetskaya estreou-se no papel de Melody, que depois repetiu esta actuação em Moscovo na sua noite criativa no Teatro Bolshoi (1978), cuja programação incluía também o ballet “Isadora”, criado especialmente para ela de Bejart, ao som da música combinada (a estreia aconteceu em 1976 em Monte Carlo).

Em 1978, o Ballet do Século XX percorreu Moscou com sucesso triunfante. Participaram da turnê os principais artistas da trupe de balé do Teatro Bolshoi: Maya Plisetskaya (“Isadora”), Ekaterina Maksimova (“Romeu e Julia” ao som de G. Berlioz, parceiro H. Donne), Vladimir Vasiliev, que se apresentou o papel-título no balé “Petrushka”, composto por Bejart para ele em 1977. Em 1987, a mesma turnê sensacional da trupe aconteceu em Leningrado, onde colaborou ativamente com o Teatro de Ópera e Ballet. Kirov (agora Mariinsky) e Vilnius.

Para Plisetskaya também encenou o dueto “Swan and Leda” com música de C. Saint-Saëns e música folclórica japonesa (1978), o balé “Kurazuka” de P. Mimran, T. Mayuzumi e Y. Le Bar (1995) , número coreográfico "Ave, Maya!" com música de I.S. Bach-C. Gounod (2000). E. Maksimova e V. Vasiliev dançaram repetidamente um dueto do balé “Romeu e Júlia”.
Para o Ballet do Século XX encenou os balés “Nona Sinfonia” com música de L. van Beethoven (1964), “Webern - Opus V” (1966), “Bhakti” com música folclórica indiana (1968), “Songs of a Aprendiz errante" de G. Mahler (1971), "Nijinsky, God's Clown" com música de P. Tchaikovsky e P. Henri (1972), "Our Faust" com música de J. S. Bach e tangos argentinos (1975), “ Eros-Thanatos” com música de I.S. Bach, G. Berlioz, F. Chopin, M. Hadjidakis, P. Henri, G. Mahler, N. Rota, I. Stravinsky, P. Tchaikovsky (1980), “Dionísio” com música de R. Wagner e M. Theodorakis (1984, dedicado a F. Nietzsche), “Competição” à música de Le Bar e trechos de balés clássicos (1985), “Kabuki” de M. Toshiro (1986), “Malraux, ou Metamorfoses dos Deuses” em música de L. van Beethoven e Le Bar (1986) e muitos outros.

Em 1987, Bejart, juntamente com os principais bailarinos, mudou-se para Lausanne, onde no mesmo ano organizou uma nova trupe Béjart Ballet Lausanne (Béjart's Ballet Lausanne), para o qual encenou os balés “Memórias de Leningrado” ao som de P. Tchaikovsky e do grupo “Os Residentes” (1987), “Muitas vezes tentando sair, fiquei” ao som de G. Mahler (1988), “Ring around the Ring" com música de R. Wagner e E. Cooper (encenado para o Béjart Ballet em Lausanne e a Deutsche Oper/Berlim, coreografia 1990), "Mr. ao som de C. Chaplin (1992), “The Wonderful Mandarin” de B. Bartok (1992), “A casa do padre não perdeu o encanto e o jardim não perdeu o luxo” ao som da música de V.A. Mozart e o grupo “Queen” (1997), “Metamorphoses” (“Mutation X”) ao som de J. Gleason, J. Zorn, Le Bar (1998), “The Nutcracker” de P. Tchaikovsky e J. Moutet (1998), “Brel e Barbara” com música de I.S. Bach, J. Brel, Barbara (2001) e muitos outros.

Diretor artístico: Gilles Roman
Site oficial: http://www.bejart.ch

Uma trupe mundialmente famosa, criação do grande gênio da coreografia do século XX, que se tornou sua voz, pernas e mãos, um reflexo espelhado de sua filosofia de dança. O Béjart Ballet Lausanne é um raro exemplo de uma simbiose única entre criador, repertório e intérpretes, que existe há mais de um quarto de século.

A história do Lausanne Bejart Ballet começou em 1987. Até então, a trupe de Maurice Bejart se chamava “Ballet do Século 20” e estava localizada na Bélgica. Mas no final de junho de 1987, em Bruxelas, a cortina caiu pela última vez para a apresentação do “Ballet do Século XX” e seis meses depois começaram os ensaios para o “Béjart Ballet Lausanne”. Construíram-se estúdios para a trupe praticar, desenvolveram-se roteiros turísticos, reformularam-se balés antigos, criaram-se novos... Foram “mudanças no quadro da continuidade”. As primeiras produções da trupe renovada foram as performances “Souvenir de Leningrado” (“Memórias de Leningrado”), “Prélude à l’Après-midi d’un Faune” (“Prelúdio à Tarde de um Fauno”). Posteriormente, o Bejart Ballet apresentou ao público uma ou duas novas apresentações completas e várias pequenas produções.

O projeto inovador de Bejart e seu balé foram performances sintéticas nas quais dança, canto e pantomima se fundiam. A implementação deste projeto exigiu a ampliação do tamanho das áreas de atuação. Bejar foi o primeiro coreógrafo a utilizar as enormes áreas da arena esportiva para apresentações de balé. Durante a apresentação, uma orquestra e um coro ocuparam o palco gigante. As cenas poderiam ser representadas em qualquer área da arena ou em várias áreas ao mesmo tempo. A descoberta deste diretor tornou todos os espectadores participantes da ação teatral. Para completar o espetáculo, havia um enorme telão no palco que exibia imagens de artistas individuais. Estas técnicas e efeitos não só atraíram o público, mas também deram às actuações da trupe uma originalidade, inimitabilidade e choque especiais. Uma dessas performances inovadoras, baseadas na síntese de vários géneros teatrais, foi o ballet “O Tormento de São Sebastião” (1988).
As turnês do Bejart Ballet começaram literalmente desde o momento de sua fundação: Rússia, Japão, Israel, Bélgica, Espanha, Alemanha, Turquia, Grécia, Brasil... Mais de 120 apresentações por ano. Na primavera de 1989, cerca de 150.000 espectadores assistiram às apresentações da trupe em Paris. Nenhuma outra companhia de dança da época teve tamanha intensidade de trabalho.
Em 1990, outra obra única de Bejart nasceu em Berlim - o balé sintético “Ring around the Ring” (“Ring um den Ring”). A performance é baseada na saga Nibelungen da mitologia germano-escandinava e na tetralogia de Wagner “O Anel do Nibelungo”. “Ring Around the Ring” é uma ação teatral verdadeiramente impressionante, cheia de decisões ousadas de direção e lógica filosófica interna que encantou o próprio Wagner. A peça contém temas sobre a passagem do tempo e a inevitabilidade do fim de todas as coisas. “The Ring” foi seguido por outras produções em grande escala: “Pyramide” (1990), “Death in Vienna” (“Tod in Wien”) (1991).

Em 1992, a trupe Béjart Ballet foi renovada e era composta por 25 pessoas. Também em 1992, faleceu Jorge Donn, um dos principais dançarinos da trupe e favorito de Bejart. A famosa dançarina morreu de AIDS em uma clínica em Lausanne. A morte de Jorge Donne foi uma tragédia para Bejart, que se transformou numa cascata de novas criações para ele e para a trupe: “Noite da Transformação” (“La Nuit Transfiguret” (1992), “Mr. COM." sobre Charlie Chaplin, com Anna-Emilia Chaplin (1993), “Episodes” (“Les Episodes”) e “Sissi – Queen of Anarchy” (“Sissi, L'Impératrice Autriche”) com Sylvie Guillem (1993), “The Magic Mandarim” (“Le Mandarin Mervelleau”) (1993), “Rei Lear-Prospero” (“Rei Lear-Prospero”) (1994). Os dançarinos da crescente trupe do Béjart Ballet são treinados na escola Béjart “Rudra” (l’Ecole-atelier Rudra Béjart), inaugurada especialmente em Lausanne em 1992. O Béjart Ballet continua em digressão, aumentando a sua popularidade e surpreendendo o público com as suas produções. Todos os principais bailarinos do mundo se esforçam para trabalhar com a trupe, e seu diretor foi eleito membro da Academia de Belas Artes da França (1994).

Durante uma viagem pela América Latina em Buenos Aires, onde nasceu Jorge Donne, a famosa “Casa do Padre” (“Le Presbytère…”) foi realizada com particular sucesso. Isso aconteceu em 1997 – ano em que o Ballet Béjart de Lausanne comemorou sua primeira década. A apresentação ao som de Mozart e do grupo “Qween” foi dedicada à memória de Jorge Donna e Freddie Mercury. Nele, o coreógrafo falou sobre um problema urgente do nosso tempo - o problema da AIDS.

Em 1998, após uma pausa de vinte anos, Bejart retornou ao Bolshoi com uma nova trupe (em 1978 Bejart juntou-se Grande Teatro URSS no âmbito da digressão “Twentieth Century Ballet”) para criar o seu próprio “MutationX” (ou “Metamorfose”), um ballet sobre a ameaça nuclear e, ao mesmo tempo, sobre o facto de que há sempre esperança de salvação. Também no enorme e lotado salão do Palácio do Kremlin, foi exibida “A Casa do Padre”. E então “MutationX” e “Priest’s House” foram apresentados em São Petersburgo.

“The Rite of Spring”, “Firebird” e “Bolero” continuam a actuar com sucesso constante. Especialmente para a próxima turnê pelo Japão no verão de 1998, Bejart complementa este tríptrico ganha-ganha nas obras de Stravinsky e Ravel com o balé “Dialogue of a double shadow” (“Dialogue de lombre double”) com música de Pierre Boulez .

O famoso balé autobiográfico de Bejart, “O Quebra-Nozes”, também foi encenado em 1998. A performance combinou fragmentos do balé clássico e episódios da infância da coreógrafa. Um lugar especial na trama é dado à mãe de Maurice Bejart, que ele perdeu aos 7 anos...

No esforço de tornar as apresentações de sua trupe acessíveis ao maior público possível, em 1999, no México, Bejar organizou uma apresentação ao ar livre, que dezenas de milhares de espectadores vieram ver. No dia 9 de junho do mesmo ano estreia o novo projeto “ Rota da Seda”, onde se cruzam os motivos do Oriente e do Mediterrâneo. E já em agosto, retornando de outra turnê, Bejar dedicou-se à preparação da peça “O Sobretudo” baseada na história de Gogol. O balé estreou em Kyiv.

As criações subsequentes mais populares do grande maestro e sua trupe foram: “Child King” (“Enfant-roi”) (Versalhes, 2000), “Tangos” (Gênova, 2001), “Manos” (Lausanne, 2001), “ Madre Teresa e as Crianças do Mundo” (“Mère Teresa et les enfants du monde”) (2002), “Ciao Federico” (“Ciao Federico”), em memória de Federico Fellini (2003), “Amor e dança” ( “L'Amour - La Danse”) (2005), “Zarathoustra” (“Zarathoustra”) (2006), “Obrigado, Gianni, com amor” (“Grazie Gianni con amore”), em memória do famoso costureiro Gianni Versace, “A volta ao mundo em 80 minutos” (“Le Tour du monde en 80 minutos”) (2007).
Trabalhando em sua última produção, Volta ao Mundo em 80 Minutos, Bejart pegou a ideia de Júlio Verne de uma turnê mundial e a ampliou com o roteiro de sua última turnê com a companhia. Nesse momento, o estado de saúde do coreógrafo piora e ele é internado no hospital. A preparação da apresentação foi continuada por Gilles Roman, o dançarino principal da trupe, que trabalha com Maurice Bejart desde 1979. No entanto, Bejar continua a frequentar os ensaios, apesar de se sentir mal.

Em 22 de novembro de 2007, Maurice Bejart morreu, deixando seus artistas e estudantes “órfãos”. Gilles Roman assumiu toda a liderança da trupe.

Gilles Roman conseguiu manter a empresa em excelente forma, honrando sagradamente as tradições do Professor. Durante a sua vida, Béjar proibiu a execução das suas produções por artistas que não pertencessem à sua trupe sem obter a devida autorização, explicando isso pela impossibilidade de compreender a sua coreografia sem colaboração pessoal. Agora Gilles Roman supervisiona a preservação do estilo coreográfico. Dando continuidade às tradições de Bejart, Roman também encena suas próprias apresentações, o que dá aos dançarinos e à trupe a oportunidade de se desenvolverem ainda mais.

Hoje, o Béjart Ballet Lausanne é composto por 39 pessoas de 15 países. Os artistas da trupe preservam com cuidado e zelo as tradições do Mestre na dança, apresentando até 100 apresentações anualmente. E os espectadores dos melhores teatros e locais do mundo continuam a aplaudir as brilhantes criações do Grande Béjar.

Maurice Bejart é o maior coreógrafo do nosso tempo, é chamado de “o poeta da dança livre, forte e masculina, um clássico vivo, um guru do balé”. Dançarinos profissionais dizem que M. Bejar é o coreógrafo mais cruel do século XX. O fato é que as danças coreografadas por M. Bejar são muito difíceis de executar e exigem enorme dedicação e esforço físico do bailarino. Suas produções são modernas, caóticas e filosóficas. Muita gente diz que M. Bejar criou a sua própria filosofia de dança.

Um dançarino profissional traz às pessoas dança, beleza, amor ao movimento, a oportunidade de imitá-lo e ser melhor que ele, para que as pessoas se desenvolvam e cresçam espiritualmente.

Maurice Bejart (francês Maurice Bejart, nome próprio - Maurice-Jean Berger, francês Maurice-Jean Berger, 1 de janeiro de 1927, Marselha - 22 de novembro de 2007, Lausanne) - dançarino e coreógrafo francês, diretor de teatro e ópera, um dos maiores coreógrafos da segunda metade do século XX.

Filho de Gaston Berger (1896-1960), filósofo, administrador principal, Ministro da Educação (1953-1960), membro da Academia de Ciências Morais e Políticas (1955). Quando ele tinha sete anos, ele perdeu a mãe. Influenciado pela produção que viu de Serge Lifar, decidiu dedicar-se ao ballet. Estudou com Roland Petit. Em 1951 encenou seu primeiro balé (em Estocolmo, em colaboração com Birgit Kullberg). Em 1954 fundou a empresa francesa. Ballet de l’Etoile, em 1960 – francês. Ballet du XXe Siecle em Bruxelas. Em 1987 mudou-se para Lausanne, onde fundou a empresa francesa. Balé Béjart. Trabalhou em filmes, inclusive com Claude Lelouch (Um e Outro, 1981).

Prémio Erasmus (1974), Prémio Imperial (1993). Membro da Academia Francesa de Artes. O sucesso de Bejart como diretor se deve em grande parte ao fato de ele ter passado de dançarino a mestre de balé. Em suas produções combinou dança, pantomima e canto. Bejar foi o primeiro coreógrafo a utilizar os vastos espaços das arenas desportivas para apresentações coreográficas, onde a orquestra e o coro se localizavam durante a apresentação, podendo a ação desenvolver-se em qualquer parte da arena, por vezes até em vários locais ao mesmo tempo.

A trupe “Ballet do Século 20” criada por Bejart percorreu o mundo inteiro com estrondoso sucesso. O coreógrafo também trabalhou com bailarinos russos - Vasiliev, Maksimova e, claro, Maya Plisetskaya. Especialmente para ela, encenou o balé “Isadora” e diversos números solo, entre eles o famoso “Visão de uma Rosa”.

No total, Maurice Béjart concebeu e encenou mais de cem balés. Algumas de suas obras mais famosas foram “A Sagração da Primavera”, “Petrushka” de Stravinsky, “Gala” com música de Scarlatti.
O próprio Maurice Bejart falou sobre seu talento assim:

“O talento é uma maldição e é muito difícil carregá-lo consigo mesmo. E tive que criar meu próprio estilo. Mais precisamente, meu corpo criou meu estilo para mim.”

Entre aqueles que derrubaram amplamente a ideia tradicional do balé está o notável mestre de balé Maurice Bejart. O seu sucesso como realizador e professor deve-se em grande parte ao facto de ter começado como bailarino e ele próprio ter seguido o caminho que depois dirigiu os seus alunos.

A conquista de Bejart é que, num esforço para fazer uso variado das capacidades plásticas do corpo do bailarino, ele não apenas coreografa partes de solo, mas também introduz um corpo de balé exclusivamente masculino em algumas produções. Assim, ele desenvolve consistentemente o conceito de dança masculina universal, baseada nas tradições de antigos espetáculos e eventos de massa de diferentes nações.

O futuro coreógrafo era filho de um nativo do Curdistão turco e de uma catalã. Como o próprio coreógrafo admitiu mais tarde, esta combinação de raízes nacionais deixou uma marca em toda a sua obra. Bejart começou a estudar coreografia em 1941 e em 1944 estreou-se na trupe de balé da Ópera de Marselha. Porém, para desenvolver um estilo criativo individual, ele decidiu continuar seus estudos. Portanto, desde 1945, Bejar melhorou com L. Stats, L.N. Egorova, Madame Ruzan em Paris e V. Volkova em Londres. Como resultado, ele dominou muitas escolas coreográficas diferentes.

No início de sua caminho criativo Bejar não se vinculou a contratos rígidos, atuando em diversas trupes. Trabalhou para R. Petit e J. Charres em 1948, atuou no Inglesby International Ballet em Londres em 1949 e no Royal Swedish Ballet em 1950-1952.

Tudo isto deixou uma marca na sua futura actividade como coreógrafo, uma vez que o ecletismo, síntese de técnicas retiradas de diferentes sistemas coreográficos, foi gradualmente tornando-se um traço distintivo do seu estilo estilístico.

Na Suécia, Bejart estreou-se como coreógrafo, encenando fragmentos do balé “O Pássaro de Fogo” de I. Stravinsky para o filme. Para concretizar suas ideias criativas, em 1953, Bejart, junto com J. Laurent, fundou a trupe Balle de l'Etoile em Paris, que existiu até 1957.

Naquela época, Bejart encenou balés e ao mesmo tempo desempenhou os papéis principais neles. O repertório foi construído a partir de uma combinação de obras de autores clássicos e modernos. Assim, em 1953, a trupe de Bejart encenou “Sonho de uma noite de verão” ao som de F. Chopin, no ano seguinte o balé “A Megera Domada” foi lançado ao som de D. Scarlatti, e em 1955 três balés foram lançados. encenado de uma só vez - “A Bela em uma Boa” ao som de D. Rossini, “Viagem ao Coração de uma Criança” e “O Sacramento” de Henri. Bejart desenvolveu este princípio no futuro. Em 1956 dirigiu "Tanith, ou o Crepúsculo dos Deuses", e em 1963 - "Prometheus" de Ovan.

Em 1959, a coreografia de Bejart do balé "A Sagração da Primavera", encenada para o Royal Ballet da Bélgica no palco do Teatro Moner de Bruxelas, foi recebida com tanto entusiasmo que Bejart finalmente decidiu fundar sua própria trupe, "Ballet of the 20th Century", que dirigiu em 1969. O seu núcleo fazia parte da trupe de Bruxelas. No início, Bejart continuou a trabalhar em Bruxelas, mas depois de alguns anos mudou-se com a trupe para Lausanne. Lá eles se apresentaram sob o nome de "Béjart Ballet".

Juntamente com esta trupe, Bejart empreendeu uma grandiosa experiência na criação de performances sintéticas, onde a dança, a pantomima, o canto (ou a palavra) ocupam um lugar igual. Ao mesmo tempo, Bejar atuou em uma nova função como designer de produção. Esse experimento levou à necessidade de ampliar o tamanho das áreas do palco.

Bejar propôs uma solução fundamentalmente nova para o design rítmico e espaço-temporal da performance. A introdução de elementos de jogo dramático na coreografia determina o dinamismo brilhante de seu teatro sintético. Bejar foi o primeiro coreógrafo a utilizar os vastos espaços das arenas esportivas para apresentações coreográficas. Durante a ação, uma orquestra e um coro ficavam localizados em um enorme palco, a ação podia se desenvolver em qualquer lugar da arena, e às vezes até em vários lugares ao mesmo tempo.

Esta técnica permitiu que todos os espectadores participassem da performance. O espetáculo foi complementado por uma enorme tela na qual apareceram imagens de dançarinos individuais. Todas essas técnicas visavam não apenas atrair o público, mas também chocá-lo de certa forma. Uma dessas produções baseadas na síntese foi O Tormento de São Sebastião, encenada em 1988 com a participação de orquestra de palco, coro, solos vocais e dança executada por bailarinos.

Bejar combinou antes tipos diferentes artes em uma performance. Neste estilo, em particular, encenou o balé “Gala” com música de Scarlatti em 1961, que foi apresentado no Teatro de Veneza. No mesmo ano, em Bruxelas, Bejart, juntamente com E. Closson e J. Charra, encenou a peça sintética “Os Quatro Filhos de Eamon” ao som de compositores dos séculos XV-XVI.

A busca criativa de Bejart despertou o interesse de telespectadores e especialistas. Em 1960 e 1962 foi agraciado com o Prêmio do Teatro das Nações e em 1965 foi laureado no Festival de Dança de Paris.

Para desenvolver seus planos, Bejart precisava de pessoas com ideias semelhantes. E em 1970 fundou uma escola-estúdio especial em Bruxelas. O choque e o entretenimento característicos do século XX refletem-se no nome do estúdio - “Mudra”, que é uma sigla inventada por Bejar, refletindo o seu interesse pela dança clássica do Oriente.

Bejar é uma das figuras mais complexas e controversas da arte coreográfica moderna. Nas afirmações teóricas, ele insiste em devolver a dança ao seu caráter e significado ritual original. Ele acredita que com a ajuda dos experimentos artísticos e estéticos que realiza, é possível revelar o que há de mais importante na dança - seus antigos princípios fundamentais universais, comuns à arte da dança de todas as raças e povos. É aqui que surge o interesse constante de Bejart pelas culturas coreográficas do Oriente e de África. O mestre está especialmente interessado na arte do Japão. Talvez seja também por isso que muitos dos dançarinos que trabalham para ele sejam japoneses.

Hoje, Bejar é especialmente convidado a vários teatros para apresentar apresentações individuais. Mas ele também tem alguns apegos pessoais. Assim, muitos anos de cooperação o conectam com M. Plisetskaya. Ele coreografou para ela o balé Isadora, bem como vários números de concertos solo para suas últimas apresentações. O mais famoso deles é o mini-balé “A Visão de uma Rosa”. Por muitos anos, Bejar também trabalhou com V. Vasiliev. Vasiliev executou pela primeira vez a versão do balé “Petrushka” de I. Stravinsky encenado por Bejart e, junto com E. Maksimova, desempenhou os papéis principais no balé “Romeu e Julieta” de S. Prokofiev.

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